МУЗЕЙ
Пр-кт им. В.И. Ленина, д.21
Сокровища русского искусства Произведения из фондов ВМИИ им.И.И.Машкова
р.
р.
Экспозиция включает более 80 произведений живописи, скульптуры, декоративно-прикладного искусства, созданных русскими мастерами XVIII- начала XX веков. Их объединяют высочайшие художественные достоинства, поистине это сокровища русского искусства.
Среди них есть работы практически не покидавшие музейные залы на протяжении всей истории ВМИИ, хорошо знакомые и любимые зрителем (А.К.Саврасов «Лунная ночь в деревне», И.И.Шишкин «Осенний лес», И.К.Айвазовский «Штиль на море»). В то же время, выставка дарит возможность встречи с шедеврами, по которым зритель успел соскучиться.
После долгого перерыва в экспозицию возвращаются коллекция редких портретов XVIII в., произведения талантливых русских пейзажистов Ф.Я.Алексеева и М.И.Лебедева, впечатляющие артистизмом живописи работы Серебряного века. Зритель увидит скульптуру П.К.Клодта, Е.А.Лансере, А.П.Голубкиной. Изящным дополнением экспозиции является коллекция русского фарфора.
Выставка порадует всех ценителей качественной живописи и тех, кто только начинает узнавать главные имена русского искусства.
Зрителю представляется возможность встретиться с работами К.П.Брюллова, К.А.Коровина, К.Е.Маковского, с которых начиналось в 1960 г. формирование коллекции музея. Украшением собрания стал щедрый дар Н.А.Арнинг-Зайцевой, уроженкой Царицын, вдовы известного московского коллекционера К.Ф.Арнинга, передавшей музею в 1980 г. 38 произведений. Среди них были подлинные шедевры, работы В.А.Серова, И.И.Шишкина. Фонды музея пополнялись за счет приобретений у наследников художников и у частных коллекционеров. Так в собрании оказался один из последних пейзажей А.К.Саврасова «Распутица» и «Крестьянская девушка» Ф.А.Малявина.
Общаясь с произведениями экспозиции, мы можем проследовать путями развития русского искусства во всем богатстве его жанрового разнообразия – от XVIII столетия до 10-х годов ХХ века. Русское искусство XVIII века, стремительно обретающее профессиональную зрелость, представлено галереей портретных образов. Они запечатлели пафос и напряжение освоения новых для России форм европейского искусства. Разнообразие типов портрета (камерный и полупарадный, парадный и мифологизированный) говорит о горячем интересе к человеческой личности, ведь не случайно XVIII век называют «эпохой портрета». Произведения иностранных художников (П.Ротари, Я.Гроота) и их учеников («Портрет Е.С.Куракиной», созданный неизвестным русским мастером) соседствуют с работами, близкими к парсуне («Портрет морского офицера»). Их несходство раскрывает полифонию, так характерную для русской культуры.
Эпоха Просвещения видела важнейшими идеи гражданственности, служения Отечеству. Искусство этого времени было призвано давать пример для подражания, утверждать достоинство мыслящей личности. Этим целям наиболее соответствовал классицизм, опирающийся на античные образцы. Огромная роль в распространении идей классицизма играла Академия художеств, открытая в Санкт-Петербурге в 1757 г. В духе Просвещения творили выпускники Академии великий скульптор Ф.И. Шубин и первый русский пейзажист Ф.Я. Алексеев.
Академическая традиция достигла расцвета в XIX веке и надолго определила художественную жизнь России. Свое наиболее совершенное выражение она нашла в феномене Карла Брюллова. Его искусство представлено в нашем собрании картиной «Пери и ангел», написанной на сюжет романтической поэмы В.А. Жуковского. Гений Брюллова сплавлял воедино академический культ пластического совершенства, романтическую темпераментность и колоритность, интерес к восточной экзотике и достоверность пленэрных наблюдений. Особый раздел экспозиции посвящен портретному жанру. Романтическая концепция портрета, противопоставляющая обыденности потаенную богатую жизнь души, раскрыта в «Мужском портрете», написанном неизвестным художником. Русский пейзаж в XIX веке проделал стремительную эволюцию от академической условности к романтическому преображению реальности и далее – ко все более достоверному отражению ландшафта и поискам национального своеобразия. Продолжатели традиций Ф.Я.Алексеева М.И.Лебедев («Итальянский пейзаж»), Н.Г.Чернецов («Вид на Гори»), И.К.Айвазовский («Штиль на море»), А.П.Боголюбов («Прибрежье океана») прокладывали собственные пути к постижению реальности.
Историческое полотно «Бегство болгар с Дуная», написанное К.Н.Филипповым в 1865 г. отмечает поворотную точку в развитии русского искусства. Усилия художника направлены теперь на достижение правды жизни, познание современности и истории как судеб целых народов. Картина запечатлела события Крымской войны, участником которых был сам художник.
Искусство демократического реализма создавало произведения о жизни народа и адресовало их, прежде всего, народу. Центром притяжения новых художественных сил стало «Товарищество передвижных художественных выставок». Братья К. и В.Маковские, А.Саврасов, В.Якоби, с произведениями которых зритель может познакомиться на выставке, входили в число организаторов этого общества. В 1870-е гг. ведущую роль в работе передвижников играл бытовой жанр, ориентированный на точность, порой несущий острое критическое содержание («Осужденный», В.Маковский). Высочайших успехов достигает в этот период русский психологический портрет. Мощное развитие реалистического национального пейзажа было отражением напряженных исканий своего неповторимого пути, размышлений мыслящей части общества над тем, «что есть русское?». Жемчужинами собрания Волгоградского музея являются пейзажи М.К.Клодта, И.Е.Крачковского, И.И.Шишкина, В.Д.Поленова.
В выставках передвижников принимал участие В.А.Серов, который, как и его друг К.А.Коровин, стал одним из преобразователей русского искусства на рубеже XIX-XX веков. Неслучайно среди учеников Серова и Коровина немало художников-модернистов, радикальным образом изменившим русское искусство в ХХ веке. В их числе был и герой нашего музея Илья Машков.
Рубеж XIX-XX веков – яркая и значительная эпоха в судьбе отечественного искусства. Ее характер определяли поразительная многоликость, разнохарактерность творческих открытий. С повествовательности акцент переносится на эмоциональное звучание, что требует усиления декоративности цветового решения, динамичности и фрагментарности композиции. «Ищу от природы настроения и поэзии»,- признавался К.Коровин. Поэзия в самом простом и обыденном- вот что привлекает молодых мастеров. Именно лирический пейзаж, окрашенный неповторимым восприятием художника становится знаком времени. Серебряный век дал целую плеяду прекрасных пейзажистов, среди них были В.К.Бялыницкий-Бируля, С.Ю.Жуковский.
Потребность запечатлеть быстропреходящие состояния природы вызвала к жизни ранее небывалые методы работы. Произведения теперь не сочиняют в мастерской, пользуясь предварительными этюдами, но создают их непосредственно с натуры, стремясь максимально полно сохранить живое чувство общения с природой. Работа наполняется динамикой: композиция лишается равновесия, цвет, свет приобретают напряженность, фактурная поверхность оживает, сохраняя стремительное движение кисти. Освоение открытий западноевропейского искусства: импрессионизма, постимпрессионизма и символизма – происходило параллельно с поисками вечных основ бытия. Искусство Серебряного века представлено произведениями А.И.Савинова, М.Ф.Ларионова, К.А.Коровина, Ф.А.Малявина. Каждый из них создал свою неповторимую художественную реальность. Их воля к обновлению художественного языка поддерживалась грандиозными мечтаниями, ошеломляющими своей смелостью и надеждами на преображение мира, предощущением грандиозных перемен, ожидающих Россию в ХХ веке.
Среди них есть работы практически не покидавшие музейные залы на протяжении всей истории ВМИИ, хорошо знакомые и любимые зрителем (А.К.Саврасов «Лунная ночь в деревне», И.И.Шишкин «Осенний лес», И.К.Айвазовский «Штиль на море»). В то же время, выставка дарит возможность встречи с шедеврами, по которым зритель успел соскучиться.
После долгого перерыва в экспозицию возвращаются коллекция редких портретов XVIII в., произведения талантливых русских пейзажистов Ф.Я.Алексеева и М.И.Лебедева, впечатляющие артистизмом живописи работы Серебряного века. Зритель увидит скульптуру П.К.Клодта, Е.А.Лансере, А.П.Голубкиной. Изящным дополнением экспозиции является коллекция русского фарфора.
Выставка порадует всех ценителей качественной живописи и тех, кто только начинает узнавать главные имена русского искусства.
Зрителю представляется возможность встретиться с работами К.П.Брюллова, К.А.Коровина, К.Е.Маковского, с которых начиналось в 1960 г. формирование коллекции музея. Украшением собрания стал щедрый дар Н.А.Арнинг-Зайцевой, уроженкой Царицын, вдовы известного московского коллекционера К.Ф.Арнинга, передавшей музею в 1980 г. 38 произведений. Среди них были подлинные шедевры, работы В.А.Серова, И.И.Шишкина. Фонды музея пополнялись за счет приобретений у наследников художников и у частных коллекционеров. Так в собрании оказался один из последних пейзажей А.К.Саврасова «Распутица» и «Крестьянская девушка» Ф.А.Малявина.
Общаясь с произведениями экспозиции, мы можем проследовать путями развития русского искусства во всем богатстве его жанрового разнообразия – от XVIII столетия до 10-х годов ХХ века. Русское искусство XVIII века, стремительно обретающее профессиональную зрелость, представлено галереей портретных образов. Они запечатлели пафос и напряжение освоения новых для России форм европейского искусства. Разнообразие типов портрета (камерный и полупарадный, парадный и мифологизированный) говорит о горячем интересе к человеческой личности, ведь не случайно XVIII век называют «эпохой портрета». Произведения иностранных художников (П.Ротари, Я.Гроота) и их учеников («Портрет Е.С.Куракиной», созданный неизвестным русским мастером) соседствуют с работами, близкими к парсуне («Портрет морского офицера»). Их несходство раскрывает полифонию, так характерную для русской культуры.
Эпоха Просвещения видела важнейшими идеи гражданственности, служения Отечеству. Искусство этого времени было призвано давать пример для подражания, утверждать достоинство мыслящей личности. Этим целям наиболее соответствовал классицизм, опирающийся на античные образцы. Огромная роль в распространении идей классицизма играла Академия художеств, открытая в Санкт-Петербурге в 1757 г. В духе Просвещения творили выпускники Академии великий скульптор Ф.И. Шубин и первый русский пейзажист Ф.Я. Алексеев.
Академическая традиция достигла расцвета в XIX веке и надолго определила художественную жизнь России. Свое наиболее совершенное выражение она нашла в феномене Карла Брюллова. Его искусство представлено в нашем собрании картиной «Пери и ангел», написанной на сюжет романтической поэмы В.А. Жуковского. Гений Брюллова сплавлял воедино академический культ пластического совершенства, романтическую темпераментность и колоритность, интерес к восточной экзотике и достоверность пленэрных наблюдений. Особый раздел экспозиции посвящен портретному жанру. Романтическая концепция портрета, противопоставляющая обыденности потаенную богатую жизнь души, раскрыта в «Мужском портрете», написанном неизвестным художником. Русский пейзаж в XIX веке проделал стремительную эволюцию от академической условности к романтическому преображению реальности и далее – ко все более достоверному отражению ландшафта и поискам национального своеобразия. Продолжатели традиций Ф.Я.Алексеева М.И.Лебедев («Итальянский пейзаж»), Н.Г.Чернецов («Вид на Гори»), И.К.Айвазовский («Штиль на море»), А.П.Боголюбов («Прибрежье океана») прокладывали собственные пути к постижению реальности.
Историческое полотно «Бегство болгар с Дуная», написанное К.Н.Филипповым в 1865 г. отмечает поворотную точку в развитии русского искусства. Усилия художника направлены теперь на достижение правды жизни, познание современности и истории как судеб целых народов. Картина запечатлела события Крымской войны, участником которых был сам художник.
Искусство демократического реализма создавало произведения о жизни народа и адресовало их, прежде всего, народу. Центром притяжения новых художественных сил стало «Товарищество передвижных художественных выставок». Братья К. и В.Маковские, А.Саврасов, В.Якоби, с произведениями которых зритель может познакомиться на выставке, входили в число организаторов этого общества. В 1870-е гг. ведущую роль в работе передвижников играл бытовой жанр, ориентированный на точность, порой несущий острое критическое содержание («Осужденный», В.Маковский). Высочайших успехов достигает в этот период русский психологический портрет. Мощное развитие реалистического национального пейзажа было отражением напряженных исканий своего неповторимого пути, размышлений мыслящей части общества над тем, «что есть русское?». Жемчужинами собрания Волгоградского музея являются пейзажи М.К.Клодта, И.Е.Крачковского, И.И.Шишкина, В.Д.Поленова.
В выставках передвижников принимал участие В.А.Серов, который, как и его друг К.А.Коровин, стал одним из преобразователей русского искусства на рубеже XIX-XX веков. Неслучайно среди учеников Серова и Коровина немало художников-модернистов, радикальным образом изменившим русское искусство в ХХ веке. В их числе был и герой нашего музея Илья Машков.
Рубеж XIX-XX веков – яркая и значительная эпоха в судьбе отечественного искусства. Ее характер определяли поразительная многоликость, разнохарактерность творческих открытий. С повествовательности акцент переносится на эмоциональное звучание, что требует усиления декоративности цветового решения, динамичности и фрагментарности композиции. «Ищу от природы настроения и поэзии»,- признавался К.Коровин. Поэзия в самом простом и обыденном- вот что привлекает молодых мастеров. Именно лирический пейзаж, окрашенный неповторимым восприятием художника становится знаком времени. Серебряный век дал целую плеяду прекрасных пейзажистов, среди них были В.К.Бялыницкий-Бируля, С.Ю.Жуковский.
Потребность запечатлеть быстропреходящие состояния природы вызвала к жизни ранее небывалые методы работы. Произведения теперь не сочиняют в мастерской, пользуясь предварительными этюдами, но создают их непосредственно с натуры, стремясь максимально полно сохранить живое чувство общения с природой. Работа наполняется динамикой: композиция лишается равновесия, цвет, свет приобретают напряженность, фактурная поверхность оживает, сохраняя стремительное движение кисти. Освоение открытий западноевропейского искусства: импрессионизма, постимпрессионизма и символизма – происходило параллельно с поисками вечных основ бытия. Искусство Серебряного века представлено произведениями А.И.Савинова, М.Ф.Ларионова, К.А.Коровина, Ф.А.Малявина. Каждый из них создал свою неповторимую художественную реальность. Их воля к обновлению художественного языка поддерживалась грандиозными мечтаниями, ошеломляющими своей смелостью и надеждами на преображение мира, предощущением грандиозных перемен, ожидающих Россию в ХХ веке.
«ХХ век. Открытые фонды»
р.
р.
Гордостью Волгоградского музея изобразительных искусств является собрание произведений отечественного искусства ХХ века. Оно включает более 6000 работ, при всем желании музей не сможет продемонстрировать его зрителю полностью. Выставка, организованная по принципу открытого хранения, включает более 80 экспонатов. Одну треть их составляют живописные гиганты. Полотна здесь расположены вплотную от пола до потолка, создавая эффект погружения в стихию искусства, в котором звучит эпоха, уже ставшая историей. Выставка позволяет ощутить как масштабность перемен в жизни нашей страны, так и роскошное изобилие ярких талантов, разнообразие творческих поисков четырех поколений художников.
Это редкая по концентрации шедевров выставка, представляющая главные имена отечественного искусства. Каждый из художников высказал свою правду о ХХ веке и о России, ставшей полигоном для серии масштабных экспериментов. Среди представленных мастеров И.И.Машков и К.С.Петров-Водкин, Г.М.Коржев и А.Г.Тышлер, А.Н.Самохвалов иА.А.Дейнека, Н.И.Нестерова и Е.Е.Моисеенко, П.П.Оссовский и Г.Г.Нисский, В.Е.Попков, Н.Н.Андронов и др.
ХХ век ошеломлял художника ранее невиданными реалиями и воодушевлял на дерзкие опыты, звал в строй созидателей светлого будущего имногократно пересматривал вопрос о смысле искусства. Произведения, представленные на выставке, отразили трансформации облика мира и обилие типажей. С полотен смотрят космонавты и колхозники, строители и звезды балета, освобожденные женщины Востока и комиссары в пыльных шлемах, рыбаки и художники – ровесники наших прапрадедушек и дедушек.
Посетитель увидит жемчужины коллекции музея: «Метростроевку у бетоньерки» А.Н.Самохвалова, «Портрет историка Н.А.Гейнике» П.П.Кончаловского, «Бакинский автопортрет» Т.Ф.Нариманбекова, «Пастушонка» А.А.Пластова, «Весну» Т.Н.Яблонской и др. Экспозицию открывает легендарная скульптурная композиция А.Т.Матвеева «Октябрь» (1927), которая долгие годы находилась в запасниках. Она воплощает мечту об идеальном человеке – строителе нового мира.
В одном экспозиционном пространстве сконцентрированы, свидетельствуя о многократной смене культурных ориентиров, работы 1910-х- 2000-х гг. Выставка позволяет прикоснуться к могучей живописной утопии Ильи Машкова и мастеров «Бубнового валета», романтическим надеждам, одушевлявшим лучшие образцы социалистического реализма, героическому энтузиазму первых пятилеток, трагедии художественной интеллигенции, послевоенной эйфории, правдоискательству мастеров «сурового стиля», философским поискам художников позднесоветского времени, пестрому разноголосию мастеров республик Советского Союза, неофициальному искусству.
Сегодня становятся очевидны как наше родство с той эпохой, так и необратимость произошедших перемен.Выставка никого не оставит равнодушным. Для кого-то она станет ностальгическим путешествием в свое детство, а для кого-то – встречей с диковинными явлениями, однако, прежде всего, она обращает к полновесному по качеству искусству, ставящему большие задачи.
В то же время, этот проект – свидетельство этапа жизни музея, значение которого трудно переоценить, ведь он обеспечил полифоническое богатство коллекции. Сегодня в собрании музея представлены работы «правоверных» соцреалистов и «московских сезаннистов», приверженцев «неполярного» искусства и «сурового стиля», нонконформистов и примитивистов, символистов и неоэкспрессионистов. В числе экспонентов – художники, жившие в Москве, Ленинграде, Волгограде, Новосибирске, Тбилиси, Минске, Владимире, Вильнюсе, Новгороде, Риге, Томске, Киеве и др. На протяжении ряда лет музей вел работу по приобретениюработ у современных художников или их наследников. Немало произведений поступило через Дирекцию художественных выставок и панорам, которая приобретала работы на Всесоюзных выставках с целью распределения по региональным музеям. Сможет ли музей в свое время внятно рассказать и о XXI веке?
Верность средствам традиционной живописи, из которых извлекается максимум возможностей, степень сложности крупноформатных композиций, строящих художественные миры с богато ветвящимися смысловыми связями («Майский праздник» В.Е.Попкова) – сегодня также видятся удивительными и труднодостижимыми феноменами ушедшей эпохи.
Выставка «ХХ век. Открытые фонды» – это своеобразная «машина времени», приглашение к размышлению и, в то же время, признание в любви мастерам, чья жизнь пришлась на век больших перемен.
Это редкая по концентрации шедевров выставка, представляющая главные имена отечественного искусства. Каждый из художников высказал свою правду о ХХ веке и о России, ставшей полигоном для серии масштабных экспериментов. Среди представленных мастеров И.И.Машков и К.С.Петров-Водкин, Г.М.Коржев и А.Г.Тышлер, А.Н.Самохвалов иА.А.Дейнека, Н.И.Нестерова и Е.Е.Моисеенко, П.П.Оссовский и Г.Г.Нисский, В.Е.Попков, Н.Н.Андронов и др.
ХХ век ошеломлял художника ранее невиданными реалиями и воодушевлял на дерзкие опыты, звал в строй созидателей светлого будущего имногократно пересматривал вопрос о смысле искусства. Произведения, представленные на выставке, отразили трансформации облика мира и обилие типажей. С полотен смотрят космонавты и колхозники, строители и звезды балета, освобожденные женщины Востока и комиссары в пыльных шлемах, рыбаки и художники – ровесники наших прапрадедушек и дедушек.
Посетитель увидит жемчужины коллекции музея: «Метростроевку у бетоньерки» А.Н.Самохвалова, «Портрет историка Н.А.Гейнике» П.П.Кончаловского, «Бакинский автопортрет» Т.Ф.Нариманбекова, «Пастушонка» А.А.Пластова, «Весну» Т.Н.Яблонской и др. Экспозицию открывает легендарная скульптурная композиция А.Т.Матвеева «Октябрь» (1927), которая долгие годы находилась в запасниках. Она воплощает мечту об идеальном человеке – строителе нового мира.
В одном экспозиционном пространстве сконцентрированы, свидетельствуя о многократной смене культурных ориентиров, работы 1910-х- 2000-х гг. Выставка позволяет прикоснуться к могучей живописной утопии Ильи Машкова и мастеров «Бубнового валета», романтическим надеждам, одушевлявшим лучшие образцы социалистического реализма, героическому энтузиазму первых пятилеток, трагедии художественной интеллигенции, послевоенной эйфории, правдоискательству мастеров «сурового стиля», философским поискам художников позднесоветского времени, пестрому разноголосию мастеров республик Советского Союза, неофициальному искусству.
Сегодня становятся очевидны как наше родство с той эпохой, так и необратимость произошедших перемен.Выставка никого не оставит равнодушным. Для кого-то она станет ностальгическим путешествием в свое детство, а для кого-то – встречей с диковинными явлениями, однако, прежде всего, она обращает к полновесному по качеству искусству, ставящему большие задачи.
В то же время, этот проект – свидетельство этапа жизни музея, значение которого трудно переоценить, ведь он обеспечил полифоническое богатство коллекции. Сегодня в собрании музея представлены работы «правоверных» соцреалистов и «московских сезаннистов», приверженцев «неполярного» искусства и «сурового стиля», нонконформистов и примитивистов, символистов и неоэкспрессионистов. В числе экспонентов – художники, жившие в Москве, Ленинграде, Волгограде, Новосибирске, Тбилиси, Минске, Владимире, Вильнюсе, Новгороде, Риге, Томске, Киеве и др. На протяжении ряда лет музей вел работу по приобретениюработ у современных художников или их наследников. Немало произведений поступило через Дирекцию художественных выставок и панорам, которая приобретала работы на Всесоюзных выставках с целью распределения по региональным музеям. Сможет ли музей в свое время внятно рассказать и о XXI веке?
Верность средствам традиционной живописи, из которых извлекается максимум возможностей, степень сложности крупноформатных композиций, строящих художественные миры с богато ветвящимися смысловыми связями («Майский праздник» В.Е.Попкова) – сегодня также видятся удивительными и труднодостижимыми феноменами ушедшей эпохи.
Выставка «ХХ век. Открытые фонды» – это своеобразная «машина времени», приглашение к размышлению и, в то же время, признание в любви мастерам, чья жизнь пришлась на век больших перемен.
Инклюзивная выставка «На кончиках пальцев»
р.
р.
Инклюзивная творческая лаборатория музея Машкова представляет выставку тактильных копий «На кончиках пальцев», созданных на основе произведений именитых мастеров из коллекции ВМИИ.
Выставочный проект появится в экспозиции «Пространство XX века. Открытые фонды». «На кончиках пальцев» - это выставка копий живописных работ, созданных отечественными мастерами XX века: «Портрет В. А.Фаворского» Дмитрия Жилинского, «Портрет балерины С.Н. Головкиной» Александра Герасимова, «Белая Лошадь» Виктора Попкова.
В рамках работы Инклюзивной творческой лаборатории музей представит вниманию зрителя три из одиннадцати тактильных копий. Современные технологии позволяют людям с нарушением зрения в буквальном смысле прикоснуться к изобразительному искусству и прочувствовать его. Экспонатами стали полноцветные рельефно-графические пособия для людей с нарушением зрения, сочетающие в себе как визуальную информацию, выполненную полноцветным способом печати, так и тактильную, выполненную с учётом особенностей восприятия мира незрячего или слабовидящего человека. Кроме тактильных копий в ходе выставки будут использованы специальное экспозиционное оборудование и техника — устройство «Тифломаркер», предназначенное для идентификации незрячими людьми предметов при помощи предварительно записанных голосовых сообщений.
Создание экспозиции тактильных копий в музее Машкова стало возможным благодаря реализации проекта «Доступная среда. Новый музей», который победил в XVIII конкурсе социальных и культурных проектов ПАО «Лукойл» в Волгоградской области в номинации «духовность и культура».
Выставочный проект появится в экспозиции «Пространство XX века. Открытые фонды». «На кончиках пальцев» - это выставка копий живописных работ, созданных отечественными мастерами XX века: «Портрет В. А.Фаворского» Дмитрия Жилинского, «Портрет балерины С.Н. Головкиной» Александра Герасимова, «Белая Лошадь» Виктора Попкова.
В рамках работы Инклюзивной творческой лаборатории музей представит вниманию зрителя три из одиннадцати тактильных копий. Современные технологии позволяют людям с нарушением зрения в буквальном смысле прикоснуться к изобразительному искусству и прочувствовать его. Экспонатами стали полноцветные рельефно-графические пособия для людей с нарушением зрения, сочетающие в себе как визуальную информацию, выполненную полноцветным способом печати, так и тактильную, выполненную с учётом особенностей восприятия мира незрячего или слабовидящего человека. Кроме тактильных копий в ходе выставки будут использованы специальное экспозиционное оборудование и техника — устройство «Тифломаркер», предназначенное для идентификации незрячими людьми предметов при помощи предварительно записанных голосовых сообщений.
Создание экспозиции тактильных копий в музее Машкова стало возможным благодаря реализации проекта «Доступная среда. Новый музей», который победил в XVIII конкурсе социальных и культурных проектов ПАО «Лукойл» в Волгоградской области в номинации «духовность и культура».
Выставка в выставке. Из истории русского фарфора. Произведения из фондов ВМИИ
р.
р.
На выставке русского фарфора из фондов Волгоградского музея изобразительных искусств им.И.И.Машкова можно увидеть уникальные изделия, созданные в России XVIII-начала XX века. Благородный фарфор издавна называли «белым золотом». Слово «фарфури» с арабского переводится как «самое лучшее», «превосходное», даже «императорское». В 40-е годы XVIII века формула твердого фарфора стала известна в России благодаря изысканиям Дмитрия Виноградова.
При Екатерине II была поставлена задача «удовольствовать всю Россию фарфором».От времён Екатерины в коллекции нашего музея - фрагменты сервизов, исполненных на Императорском Фарфоровом заводе и Орденских сервизов, созданных на заводе в селе Вербилки частным предпринимателем Ф.Гарднером.
Тарелки из Парадных сервизов «Арабескового» (1784) и «Кабинетского» (1795) отсылают зрителя к памятникам античной Италии. Сервизы получили свое название по орнаментальным мотивам, повторяющим росписи фресок, обнаруженных при раскопках Помпей на Апеннинском полуострове, и по известным архитектурным видам, взятым из гравюр Джузеппе Вази XVIII века (римское акатолическое кладбище с Цестиевой пирамидой на Тестаччо).
Внук Екатерины Великой, Александр 1, победивший Наполеона, заказывает на ИФЗ огромный, состоящий из 4500 предметов, сервиз, целью которого было воспеть в фарфоре Россию, ее народ, достойный героев античности, ее славную и прекрасную столицу. Роскошные формы сервиза украшают пейзажи, созданные по гравюрам и картинам известных художников первой половины XIX века. На декорирование было отпущено несколько килограммов золота. Парадный сервиз «Русский» - грандиозный комплекс из фарфора, предназначенного для торжественных приемов в резиденции русских императоров. Сервиз явился ярким образцом стилистики ампира в русском прикладном искусстве.
Если в царствование Елизаветы Петровны в 1744 году основан Императорский Фарфоровый завод, то при Екатерине II открылась первая частная фабрика по производству фарфора (1766-1892). Здесь шотландский предприниматель Франц Гарднер создал по Высочайшему заказу фарфоровые комплексы, посвященных кавалерам Российских Орденов: Георгиевского (1777-1778) с девизом «ЗА СЛУЖБУ И ХРАБРОСТЬ»; Александровского (1778-1780) с девизом «ЗА ТРУДЫ И ОТЕЧЕСТВО», Владимирского (1783-1785) с девизом «ПОЛЬЗА, ЧАСТЬ И СЛАВА». Концептуально выразительно и просто выдержано оформление этих сервизов: на каждом изделии по краю вьётся орденская лента, в центре красуется изображение самого ордена.
Среди частных фарфоровых заводов лидером по производству фарфоровой скульптуры были заводы Гарднера, образцы которого часто воспроизводились, копировались на других частных предприятиях. В конце 1820-х годов фабрика в Вербилках приступила к выпуску фигурной пластики на русские сюжеты и добилась в этом успеха. Переведенные в объем эти персонажи, среди которых встречаются разнообразные представители народностей, населяющих Российскую Империю, становятся «куклами фарфорового театра, разыгрывающими спектакль». К середине XIX века в России работали более шестидесяти частных фарфоровых заводов.
По художественному уровню, качеству фарфорового черепка, белизне массы продукции Завод Алексея Попова (1811-1872) занимал одно из ведущих мест среди частных фарфоровых предприятий России первой половины XIX века. Здесь выпускался широкий ассортимент продукции: столовые и чайные сервизы, вазы, чернильницы, трактирная посуда, фарфоровые статуэтки, жанровые сюжетные композиции. Фарфор Попова, как правило, перенасыщен декоративными элементами, с позолотой и красочной основой. На изделиях присутствовали одновременно многообразные букеты цветов, различные виды пейзажей, пышный орнамент.
Изделия Фарфорового завода Антона Сафронова (1814-1860-е) считаются отражением национального понимания красоты в культуре первой половины XIX века. С 1830-х завод вступил в ожесточенную конкуренцию с фабрикой Гарднера, бесцеремонно заимствуя у нее расцветку и форму столовой и чайной посуды, сюжеты удачных статуэток. Орнаменты живописцев Сафронова были очень разнообразны. Часто преобладали цветочные композиции, которые были излюбленной темой мастеров фарфоровых мануфактур XIX века.
На глуховских глинах Черниговской губернии возросла Мануфактура Андрея Миклашевского (1839-1861), где создавались и огромные фарфоровые иконостасы, и миниатюрные изящные чайные, кофейные сервизы. Узнаваемой особенностью предприятия был выпуск малой фаянсовой скульптуры - небольших фигурок дам и кавалеров, которых на украинский манер называли «ляльками».
В Империю «фаянсово-фарфоровых королей» Кузнецовых (1810-1940) входили около двух десятков фарфоровых заводов. К 1898 «Товарищество» стало крупнейшим в Европе. В начале ХХ века на фабриках Кузнецовых производилось около двух третей российского фарфора! Эффективной была менеджерская деятельность Матвея Сидоровича Кузнецова, который держал своих стипендиатов в Строгановском училище и Школе Общества поощрения художеств; впервые (ещё до Форда) применил на своих предприятиях конвейерную систему; наладил производство собственных переводных картинок (деколей) и наводнил посудой с ними полмира. Кузнецовы обладали удивительным чутьём, восприимчивым к вкусам потребителей. Заводы Кузнецовых выпускали ассортимент продукции, позволявший войти в каждый дом.
О фарфоровых изделиях принято говорить высоким слогом: «Здесь красота соединяется с пользой. Изделие возвышается до степени изящного искусства. Здесь блеск живописи, правильность, стройность, вкус в отлитии форм преобразовывают грубые вещества: песок и глину в предметы утонченной роскоши. Предметы ежедневного и всеобщего употребления - в драгоценные убранства великолепных дворцов».
При Екатерине II была поставлена задача «удовольствовать всю Россию фарфором».От времён Екатерины в коллекции нашего музея - фрагменты сервизов, исполненных на Императорском Фарфоровом заводе и Орденских сервизов, созданных на заводе в селе Вербилки частным предпринимателем Ф.Гарднером.
Тарелки из Парадных сервизов «Арабескового» (1784) и «Кабинетского» (1795) отсылают зрителя к памятникам античной Италии. Сервизы получили свое название по орнаментальным мотивам, повторяющим росписи фресок, обнаруженных при раскопках Помпей на Апеннинском полуострове, и по известным архитектурным видам, взятым из гравюр Джузеппе Вази XVIII века (римское акатолическое кладбище с Цестиевой пирамидой на Тестаччо).
Внук Екатерины Великой, Александр 1, победивший Наполеона, заказывает на ИФЗ огромный, состоящий из 4500 предметов, сервиз, целью которого было воспеть в фарфоре Россию, ее народ, достойный героев античности, ее славную и прекрасную столицу. Роскошные формы сервиза украшают пейзажи, созданные по гравюрам и картинам известных художников первой половины XIX века. На декорирование было отпущено несколько килограммов золота. Парадный сервиз «Русский» - грандиозный комплекс из фарфора, предназначенного для торжественных приемов в резиденции русских императоров. Сервиз явился ярким образцом стилистики ампира в русском прикладном искусстве.
Если в царствование Елизаветы Петровны в 1744 году основан Императорский Фарфоровый завод, то при Екатерине II открылась первая частная фабрика по производству фарфора (1766-1892). Здесь шотландский предприниматель Франц Гарднер создал по Высочайшему заказу фарфоровые комплексы, посвященных кавалерам Российских Орденов: Георгиевского (1777-1778) с девизом «ЗА СЛУЖБУ И ХРАБРОСТЬ»; Александровского (1778-1780) с девизом «ЗА ТРУДЫ И ОТЕЧЕСТВО», Владимирского (1783-1785) с девизом «ПОЛЬЗА, ЧАСТЬ И СЛАВА». Концептуально выразительно и просто выдержано оформление этих сервизов: на каждом изделии по краю вьётся орденская лента, в центре красуется изображение самого ордена.
Среди частных фарфоровых заводов лидером по производству фарфоровой скульптуры были заводы Гарднера, образцы которого часто воспроизводились, копировались на других частных предприятиях. В конце 1820-х годов фабрика в Вербилках приступила к выпуску фигурной пластики на русские сюжеты и добилась в этом успеха. Переведенные в объем эти персонажи, среди которых встречаются разнообразные представители народностей, населяющих Российскую Империю, становятся «куклами фарфорового театра, разыгрывающими спектакль». К середине XIX века в России работали более шестидесяти частных фарфоровых заводов.
По художественному уровню, качеству фарфорового черепка, белизне массы продукции Завод Алексея Попова (1811-1872) занимал одно из ведущих мест среди частных фарфоровых предприятий России первой половины XIX века. Здесь выпускался широкий ассортимент продукции: столовые и чайные сервизы, вазы, чернильницы, трактирная посуда, фарфоровые статуэтки, жанровые сюжетные композиции. Фарфор Попова, как правило, перенасыщен декоративными элементами, с позолотой и красочной основой. На изделиях присутствовали одновременно многообразные букеты цветов, различные виды пейзажей, пышный орнамент.
Изделия Фарфорового завода Антона Сафронова (1814-1860-е) считаются отражением национального понимания красоты в культуре первой половины XIX века. С 1830-х завод вступил в ожесточенную конкуренцию с фабрикой Гарднера, бесцеремонно заимствуя у нее расцветку и форму столовой и чайной посуды, сюжеты удачных статуэток. Орнаменты живописцев Сафронова были очень разнообразны. Часто преобладали цветочные композиции, которые были излюбленной темой мастеров фарфоровых мануфактур XIX века.
На глуховских глинах Черниговской губернии возросла Мануфактура Андрея Миклашевского (1839-1861), где создавались и огромные фарфоровые иконостасы, и миниатюрные изящные чайные, кофейные сервизы. Узнаваемой особенностью предприятия был выпуск малой фаянсовой скульптуры - небольших фигурок дам и кавалеров, которых на украинский манер называли «ляльками».
В Империю «фаянсово-фарфоровых королей» Кузнецовых (1810-1940) входили около двух десятков фарфоровых заводов. К 1898 «Товарищество» стало крупнейшим в Европе. В начале ХХ века на фабриках Кузнецовых производилось около двух третей российского фарфора! Эффективной была менеджерская деятельность Матвея Сидоровича Кузнецова, который держал своих стипендиатов в Строгановском училище и Школе Общества поощрения художеств; впервые (ещё до Форда) применил на своих предприятиях конвейерную систему; наладил производство собственных переводных картинок (деколей) и наводнил посудой с ними полмира. Кузнецовы обладали удивительным чутьём, восприимчивым к вкусам потребителей. Заводы Кузнецовых выпускали ассортимент продукции, позволявший войти в каждый дом.
О фарфоровых изделиях принято говорить высоким слогом: «Здесь красота соединяется с пользой. Изделие возвышается до степени изящного искусства. Здесь блеск живописи, правильность, стройность, вкус в отлитии форм преобразовывают грубые вещества: песок и глину в предметы утонченной роскоши. Предметы ежедневного и всеобщего употребления - в драгоценные убранства великолепных дворцов».
Одинокий путник. Живопись и графика Фёдора Семёнова-Амурского из фондов ВМИИ
р.
р.
История искусства – это не общее направление развития пластической культуры, а бесконечное число личных усилий, собирающихся для постороннего наблюдателя в траектории собственных перемещений,
в маршруты одиноких путников, в карты никогда не повторяющихся путешествий.
Александр Балашов, искусствовед
Камерная выставка включает восемь графических и три живописных произведения Фёдора Васильевича Семёнова-Амурского (1902-1980), созданных в 1960-е годы. Она является частью сменяемых выставок в пространстве постоянной экспозиции «ХХ век. Открытые фонды».
Творчество Фёдора Семёнова-Амурского относится к проявлениям советского искусства, находящимся за пределами его официального метода – социалистического реализма. Жизнь художника прошла на фоне грандиозных потрясений и сложных перипетий XX века, но при этом в стороне от них. Он тяготел к обществу уже ушедших мастеров: Пьера Боннара и Мориса Дени, Анри Матисса и Поля Сезанна, Поля Гогена и Анри Руссо. Семёнов-Амурский изучал искусство Древнего Египта и Византии, наскальную живопись и детский рисунок, древнюю бронзу и медь, рисунки и орнаменты тканей и керамики. Сплав европейского и азиатского, модернизма и архаических культур породил собственную реальность художника – особый мир, который возможен только в искусстве.
«Реальность, изображаемая художником, отличается от видимой реальности, но в представлении художника она истинна, правдива, – пишет исследователь творчества Семёнова-Амурского Александр Балашов. – Он как будто говорит: здесь есть место иному, реальность вокруг нас не такая, какой мы привыкли ее видеть, более того, она и не такая, какой я увидел ее вчера; я не знаю, какой она может быть теперь, снова, завтра. <…> Мир становится многозначнее и сложнее, потому что раскрывается новой гранью и новым содержанием навстречу каждому вопросительному взгляду».
Листы Семёнова-Амурского (а мы можем называть листами даже его живопись: из-за дороговизны холстов автор писал маслом и темперой на бумаге) населены скульптурами, похожими на живых людей, и людьми, похожими на изваяния. Они ведут друг с другом безмолвный диалог на равных, практически не взаимодействуя со зрителем. Границы между одушевленным и неодушевленным стираются.
Пространство произведений Семёнова-Амурского кажется единой органической средой. Головы, внезапно вырастающие на фоне пейзажей, словно являются их неотъемлемой частью, а изогнутые ветви растений, стоящие в вазах на столах, ритмично вплетаются в узоры ковров. Стертые лица путников и всадников контрастируют с осмысленным, требовательным выражением на морде быка. «Реальный пейзаж преображается в фантастический. <…> Одно стало другим. Действительность искривляется и расширяется. Два пространства связываются воедино. Происходит изменение реальности…» (А. Балашов). Кажется, эта действительность не может существовать, и вместе с тем она до странного конкретна.
Подобное ощущение двойственности художественного мира соотносится с более широкими социокультурными процессами. «То, что представляется нереальным и сверхреальным в искусстве, на самом деле реальное состояние человека второй половины XX века, это то, о чем он думает и к чему стремится», – поясняет Балашов. Исследователи и свидетели эпохи говорят о раздвоенном, расщепленном сознании позднесоветского человека на фоне противоречий между общественной и частной жизнью: отправлением определенных ритуалов и их истинной сутью, объемами производства разного рода продукции, в том числе информационной, и их реальной необходимостью.
Искусствовед Кирилл Светляков называет это проблемой отчуждения, когда человек оказался неспособен соотнести себя с масштабами происходящего, найти свое место в манифестируемой действительности: «В результате переизбытка образов и текстов формировалась вторая реальность, уже практически несопоставимая с первой». Хотя автор имеет в виду прежде всего ситуацию 1970-х годов, представляется, что в значительной степени этот тезис справедлив и для творчества Фёдора Семёнова-Амурского 1960-х годов.
Начало творческого пути художника было многообещающим: комсомольская путевка из Благовещенска-на-Амуре в Москву, легендарный Вхутемас, графическая секция МОСХа. А потом наступил 1946 год – последовали обвинения в формализме, низвержение из членов Союза художников в кандидаты, отсутствие выставок и заказов, собственноручное уничтожение практически всех своих работ 1920-х и 1930-х годов. При этом Семёнов-Амурский продолжал ежегодно создавать до тысячи произведений, нигде их не показывая и не продавая. Думается, напряженная внутренняя работа, погруженность в собственные ощущения и размышления сказались на двойственном, неоднозначном характере его произведений. «Учусь чувствовать, учусь видеть, учусь представлять, и учусь отделять предметы от их окружения», – гласит запись в дневнике художника.
Александр Балашов называет язык живописи Семёнова-Амурского языком культуры символизма, где под символизмом он подразумевает не эстетическую программу, а путь проживания реальности. Творчество Семёнова-Амурского является значимым свидетельством индивидуального пути в отечественном искусстве второй половины XX века вне рамок соцреализма.
в маршруты одиноких путников, в карты никогда не повторяющихся путешествий.
Александр Балашов, искусствовед
Камерная выставка включает восемь графических и три живописных произведения Фёдора Васильевича Семёнова-Амурского (1902-1980), созданных в 1960-е годы. Она является частью сменяемых выставок в пространстве постоянной экспозиции «ХХ век. Открытые фонды».
Творчество Фёдора Семёнова-Амурского относится к проявлениям советского искусства, находящимся за пределами его официального метода – социалистического реализма. Жизнь художника прошла на фоне грандиозных потрясений и сложных перипетий XX века, но при этом в стороне от них. Он тяготел к обществу уже ушедших мастеров: Пьера Боннара и Мориса Дени, Анри Матисса и Поля Сезанна, Поля Гогена и Анри Руссо. Семёнов-Амурский изучал искусство Древнего Египта и Византии, наскальную живопись и детский рисунок, древнюю бронзу и медь, рисунки и орнаменты тканей и керамики. Сплав европейского и азиатского, модернизма и архаических культур породил собственную реальность художника – особый мир, который возможен только в искусстве.
«Реальность, изображаемая художником, отличается от видимой реальности, но в представлении художника она истинна, правдива, – пишет исследователь творчества Семёнова-Амурского Александр Балашов. – Он как будто говорит: здесь есть место иному, реальность вокруг нас не такая, какой мы привыкли ее видеть, более того, она и не такая, какой я увидел ее вчера; я не знаю, какой она может быть теперь, снова, завтра. <…> Мир становится многозначнее и сложнее, потому что раскрывается новой гранью и новым содержанием навстречу каждому вопросительному взгляду».
Листы Семёнова-Амурского (а мы можем называть листами даже его живопись: из-за дороговизны холстов автор писал маслом и темперой на бумаге) населены скульптурами, похожими на живых людей, и людьми, похожими на изваяния. Они ведут друг с другом безмолвный диалог на равных, практически не взаимодействуя со зрителем. Границы между одушевленным и неодушевленным стираются.
Пространство произведений Семёнова-Амурского кажется единой органической средой. Головы, внезапно вырастающие на фоне пейзажей, словно являются их неотъемлемой частью, а изогнутые ветви растений, стоящие в вазах на столах, ритмично вплетаются в узоры ковров. Стертые лица путников и всадников контрастируют с осмысленным, требовательным выражением на морде быка. «Реальный пейзаж преображается в фантастический. <…> Одно стало другим. Действительность искривляется и расширяется. Два пространства связываются воедино. Происходит изменение реальности…» (А. Балашов). Кажется, эта действительность не может существовать, и вместе с тем она до странного конкретна.
Подобное ощущение двойственности художественного мира соотносится с более широкими социокультурными процессами. «То, что представляется нереальным и сверхреальным в искусстве, на самом деле реальное состояние человека второй половины XX века, это то, о чем он думает и к чему стремится», – поясняет Балашов. Исследователи и свидетели эпохи говорят о раздвоенном, расщепленном сознании позднесоветского человека на фоне противоречий между общественной и частной жизнью: отправлением определенных ритуалов и их истинной сутью, объемами производства разного рода продукции, в том числе информационной, и их реальной необходимостью.
Искусствовед Кирилл Светляков называет это проблемой отчуждения, когда человек оказался неспособен соотнести себя с масштабами происходящего, найти свое место в манифестируемой действительности: «В результате переизбытка образов и текстов формировалась вторая реальность, уже практически несопоставимая с первой». Хотя автор имеет в виду прежде всего ситуацию 1970-х годов, представляется, что в значительной степени этот тезис справедлив и для творчества Фёдора Семёнова-Амурского 1960-х годов.
Начало творческого пути художника было многообещающим: комсомольская путевка из Благовещенска-на-Амуре в Москву, легендарный Вхутемас, графическая секция МОСХа. А потом наступил 1946 год – последовали обвинения в формализме, низвержение из членов Союза художников в кандидаты, отсутствие выставок и заказов, собственноручное уничтожение практически всех своих работ 1920-х и 1930-х годов. При этом Семёнов-Амурский продолжал ежегодно создавать до тысячи произведений, нигде их не показывая и не продавая. Думается, напряженная внутренняя работа, погруженность в собственные ощущения и размышления сказались на двойственном, неоднозначном характере его произведений. «Учусь чувствовать, учусь видеть, учусь представлять, и учусь отделять предметы от их окружения», – гласит запись в дневнике художника.
Александр Балашов называет язык живописи Семёнова-Амурского языком культуры символизма, где под символизмом он подразумевает не эстетическую программу, а путь проживания реальности. Творчество Семёнова-Амурского является значимым свидетельством индивидуального пути в отечественном искусстве второй половины XX века вне рамок соцреализма.
«Приветствую тебя, Кавказ седой!»
р.
р.
«Приветствую тебя, Кавказ седой!»
М.Ю. Лермонтов
Волгоградский музей изобразительных искусств им. И.И. Машкова
представляет новую тематическую выставку в пространстве экспозиции «XX век. Открытые фонды». Выставка «Приветствую тебя, Кавказ седой!» посвящена главному предмету обсуждения этого года – теме «Единства народов России».
Кавказ, одно из красивейших мест, поражающий воображение
природой. Величественные горные ландшафты, заснеженные вершины и острые скалы, глубокие ущелья, цветущие луга и густые леса, быстрые горные реки и зеркальные озера с чистейшей водой. Десять живописных полотен из фондов Волгоградского музея познакомят зрителя с самобытными пейзажами Грузии, традициями и обычаями Армении, ландшафтами высокогорных районов Ингушетии, зарисовками горных сел, портретами средневековых башен. Выставка объединила произведения мастеров из Грузии, Армении, Чечни, Ингушетии, Азербайджана.
Разноликий, многоголосый, строгий и эмоциональный, современный и архаичный раскрывается мир Кавказа в картинах художников, представляющих разные культуры и национальные школы.
М.Ю. Лермонтов
Волгоградский музей изобразительных искусств им. И.И. Машкова
представляет новую тематическую выставку в пространстве экспозиции «XX век. Открытые фонды». Выставка «Приветствую тебя, Кавказ седой!» посвящена главному предмету обсуждения этого года – теме «Единства народов России».
Кавказ, одно из красивейших мест, поражающий воображение
природой. Величественные горные ландшафты, заснеженные вершины и острые скалы, глубокие ущелья, цветущие луга и густые леса, быстрые горные реки и зеркальные озера с чистейшей водой. Десять живописных полотен из фондов Волгоградского музея познакомят зрителя с самобытными пейзажами Грузии, традициями и обычаями Армении, ландшафтами высокогорных районов Ингушетии, зарисовками горных сел, портретами средневековых башен. Выставка объединила произведения мастеров из Грузии, Армении, Чечни, Ингушетии, Азербайджана.
Разноликий, многоголосый, строгий и эмоциональный, современный и архаичный раскрывается мир Кавказа в картинах художников, представляющих разные культуры и национальные школы.
Выставка «ЦВЕТА И ЦВЕТЫ»
р.
р.
Экспозиция «ЦВЕТА И ЦВЕТЫ» воплощает в жизнь эксперимент, в рамках которого единое цветовое и цветочное пространство образовано живописными произведениями из Фондов ВМИИ им.И.И. Машкова и работами из коллекции лоскутного шитья и арт-текстиля Екатерины Владимировны Архиповой (г.Москва).
Живописная часть выставки включает более сорока произведений современных художников, в том числе, пять работ зарубежных авторов, написанных в период с 1950-х по 2020-е годы. Старшее поколение художников, представленных на выставке, формировалось в художественной ситуации начала XX века, а самые молодые – вступают в активную творческую жизнь в наше время. Особое место в экспозиции занимает «Пестрый букет на темном фоне» (1936) Ильи Ивановича Машкова, запечатлевший признание в любви к красоте окружающего мира, ко всему тому, что притягивает цветом, запахом и телесностью, образует единство, богатое разнообразием. Многие из работ давно не экспонировались, есть и те, которые зритель увидит впервые. На выставке представлены ведущие художественные школы, включая московскую и ленинградскую. Особым теплом нас согревают произведения живописцев, чьи жизнь и творчество неразрывно связаны с нашим городом.
Текстильную часть выставки образуют более сорока уникальных произведений замечательных мастеров лоскутного шитья из разных регионов нашей страны. Ткань даёт цвет, фактуру, глубину, тактильные ощущения. Художники лоскутного шитья используют не только геометрические формы, они экспериментируют с цветом, находят объёмно-пластические решения, создают иллюзию движения, разнопланового, многомерного и бесконечного пространства. Благодаря этому, мы видим неисчерпаемые возможности и многофункциональные свойства тканей, их работы поднимаются до передачи идеи постоянного обновления жизни.
К достоинствам экспозиции относится снятие формальных границ между живописными полотнами и произведениями декоративно-прикладного искусства, позволяющее создать средствами искусства оптимистичную философию жизни, освещенную светом, воплощенную в материале и воспринимаемую благодаря таланту мастеров.
В развитие мысли о самоценности красоты основной мотив нашей выставки - красота в естественном и рукотворном исполнении, гармония на стыке материальной и духовной культуры, весеннее насыщенное яркими цветами настроение и теплое подтверждение абсолютной ценности жизни.В работе «Оправдание красоты» русский философ В. Соловьев дает свою концепцию красоты: «Определяю красоту с отрицательного конца как чистую бесполезность, а с положительного – как духовную телесность». Мы в рамках экспозиции искали «золотую середину» не как среднее между противоположностями, а как оптимальное или наилучшее и в художественном, и в философском, и в техническом исполнении.
Мы знаем не только символику цвета и символику цветов в культурном контексте, но и символику цвета цветов. Например, роза – муза художников, красная роза – символ преданности, белая гвоздика – пожелание успеха. Восприятие цвета зависит от источника света, отражающих свойств объекта и зрительной способности самого воспринимающего человека. Атмосфера художественного произведения может быть теплой (И.В. Романов, «Цветы полевые») или холодной (Б.Ф. Домашников, «Холодный день. Бородаевское озеро»), светлой (Т.Н. Потокина-Курилкина, «Цветы с синей тенью») или темной и загадочной (Г.И. Лиховид, «Синий пейзаж»), спокойной (М.Н. Яковлев, «Полевые цветы») или импульсивной и напряженной (И.А. Зариньш, «Хорошо, что мы успели собрать цветы перед дождем в Резекне…», В.И. Пугачев, «Мятеж»), радостной (В.Н.Лосев, «Сирень. Натюрморт с чашкой») или грустной и задумчивой (Й.К. Шважас, «Вид из окна студии»). В работе «Невеста» Н.В. Овчинникова живет душа и характер народа-этноса. Особая любовь к тканям в постановках отличает живописные сочинения М.К. Копытцевой, сочетающие натюрморт и пейзаж. Волгоградский художник Ф.И.Суханов делится впечатлениями из путешествий, подчеркивает значение «честной натуры», считая, что живопись – это вся жизнь. В.Н. Лосев заражает нас восторгом от красоты природы, а В.И. Пугачев выбирает абстрактный подход к решению художественных задач.
Природу видимого стремился постичь еще Аристотель, предложивший рассматривать цвет как результат смешения света и тьмы. Более того, связь со стихиями, ориентир на идеальный план бытия делают цвет фундаментальным свойством материи, например, в работах Ф. Скроппо, А.М. Палумбо, В.Т. Коваленко. Внимание к особенностям цвета и движения, родству большого и малого как отражения состояний мира дарит нам В.В. Стригин. М.А. Бирштейн окружает нас импрессионистической световоздушной средой, согревает тональным богатством и открытостью цвета.
Чистый белый свет состоит из семи видимых цветов: красного, оранжевого, желтого, зеленого, голубого, синего и фиолетового. Не случайно радуга нас радует, любуясь ею, мы ждем хорошее. Удивительно, но интуитивно, обустраивая среду обитания, мы повторяем радужный строй, стремясь к гармонии между субъективным и объективным, внутренним и внешним измерением мира, как в работе В.Н. Батракова. Человек видит небольшой диапазон светового излучения, который назван видимым спектром белого солнечного света. Любой цвет мы описываем следующими характеристиками - цветовой тон, насыщенность и светлота, но у каждого они будут выражены по-разному.
Для человека естественно воспринимать цвета в связке с природными объектами и явлениями. Устойчивые ассоциации «трава – зеленая», «небо - голубое» связаны с коллективным культурным опытом. Умиротворяющий эффект человек ощущает от зеленого цвета снизу и голубого сверху, потому что таково их естественное расположение в природе, как в «Романтической мелодии» А.Д. Лесового. Психологи связали воздействие цвета не только с цветовым тоном, но и с положением цвета в пространстве, как в «Потоке времени» О.А. Гостева, воспевающем совершенство мира. «Татьянин букет» Ю.Н.Ларина - продолжение философского диалога с природой, выразительного по цветочной гамме и спокойного благодаря локальным мазкам и абстрактному построению окружающей среды.
Во всех культурах огонь обжигает, поэтому и красный цвет оказывает возбуждающее воздействие практически на всех в той или иной степени. Солнце - центральный архетипический символ всех культур, поэтому желтый цвет сверху вызывает приятные ощущения в рамках коллективного опыта. Солнечную атмосферу создают букет Ю.Н. Ларина и весна Б.К. Касаткина, стремление украсить текущий день отражают работы М.К. Копытцевой, Х.Н. Такташева.
Цвет влияет на привлекательность человека. Женские образырадуют традиционностью (Н.В. Овчинников), воздушностью (П. Грамола), поэтичностью (К.В. Алтунин) и оригинальностью (А.М. Лутере).Художественный язык А.М. Лутере отличается темпераментом и подчеркнутой фактурностью. Социокультурная среда развивает восприятие до цветовых предпочтений, например, мужской и женский взгляд. Накопленный жизненный опыт начинает с годами оказывать на восприятие цвета большее влияние, чем культура и воспитание. Нравственная рефлексия выступает содержанием работы А.В. Кузнецова. Отдельным акцентом становится проблема времени, пространства и коммуникации в творчестве Е.Н. Горчаковой. Перед нами удивительные декоративные возможности точки и линии, ощущение и звучание цвета в творчестве Л.И. Ангеловой. Из всех высказываний о цветах хочется отметить, что очарование цветущего, а в нашем случае и цветного делает человека более открытым и щедрым на добрые чувства, что особенно подчеркивают букеты Д.Д. Бурлюка, В.А. Орловой, В.А. Шпенглера.
Цветочная живопись может быть серьезной и не очень, более или менее декоративной, но, листая пленительный художественный гербарий, мы изучаем философию жизни неповторимых по изобразительному языку художников. Перед нами красота мудрости и щедрость Творца, тщетность земной жизни и красота обычной повседневности. Цветы на художественном полотне или декоративном панно проявляют черты культуры их взрастившей, рассказывают истории их создавших. (П. Мартеллини, «Репейник на фиолетовом фоне»; П.Ф. Шардаков, «Южная ночь. Кипарисы»).
В прошлом «портреты» цветов заказывались владельцами садов, чтобы запечатлеть диковинные экзотические и просто прекрасные цветы, собранные или выведенные хозяином. Позже, рассматривая изысканные букеты, знатоки с любопытством читали цветочные «письма». Уж они-то знали, что орхидеи затаили ревность и подозрительность, а ирисы воспевают Весну и возрождение (А.В.Куценко. «Ирисы»).
Музей выражает признательность за деятельное плодотворное сотрудничество в осуществлении Выставочного проекта молодому увлеченному коллекционеру Екатерине Архиповой. Нас объединило общее убеждение, что наличие интересной идеи позволяет найти уникальное решение. Лоскутное шитьё, по мнению Е.Архиповой, – вид искусства, в котором, как и в живописи, идёт серьёзная работа над цветом тканей, различными стилями и техниками. Важная задача выставки заключается в том, чтобы показать всё это многообразие, чтобы «влюбить» посетителя выставки в лоскутное шитье.
Выставка «Цвета и цветы» - художественное приношение одному из самых красивых времён года - Весне. Слова «цвета» и «цветы» - паронимы, то есть однокоренные слова, близкие по написанию и звучанию, но имеющие разное значение. Они происходят от общего праславянского корня *květъ, который восходит к праиндоевропейскому *k'weit («светлый, белый»). Корень «цвет» связан с понятием цвета, светового тона окраски. Со временем его значение начало ассоциироваться с красотой и расцветом. Оба понятия связаны с визуальным восприятием цвета, а цветы (растения) – квинтэссенция разнообразия цветовых оттенков, которые различает глаз человека в окружающем мире.
Согласно многочисленным научным исследованиям, цвета могут формировать наше психологическое состояние. Например, красный – цвет энергии, силы, праздника, но и цвет тревоги, напряжения. Синий снижает уровень стресса и повышает продуктивность, успокаивает. Зелёный считается цветом гармонии, помогает расслабиться – уменьшает уровень кортизола, гормона стресса, и улучшает общее самочувствие. Поэтому так благотворна для нас весенняя и летняя природа. Желтый цвет ассоциируется с оптимизмом и радостью, но в чрезмерных количествах может вызывать раздражение. Фиолетовый часто связывают с креативностью и духовностью, это цвет творчества и инноваций.
Безусловно, и цвета, и цветы оказывают на нас глубокое психологическое воздействие. Цвета влияют на формирование эмоций и являются одним из способов их выражения. Цветы помогают нам познавать такие важные эстетические и философские понятия как красота, любовь, душа.
Цветок в разные исторические периоды и в различных культурах ассоциировался с жизненной энергией, духовностью, нежностью, хрупкостью. В литературе цветы часто выступают важными образами, наполненными глубоким смыслом. Например, в сказке С. Аксакова «Аленький цветочек» – символ любви и самопожертвования, красоты души и райского сада. В «Сказке о жабе и розе» В. Гаршина роза – это чистая душа ребёнка и самоотверженная любовь: цветок, отдав свою жизнь, скрашивает последние секунды жизни мальчика, который, вдохнув его аромат, умирает со счастливой улыбкой. «Цветик-семицветик» В. Катаева олицетворяет волшебство, которое не только исполняет желания девочки Жени, но преображает её душу через нравственное взросление. Роза в повести «Маленький принц» Антуана де Сент-Экзюпери - метафора любви, она сохраняет и оберегает уязвимость героев в мире непостоянства и боли.
Благодаря Великим географическим открытиям торговцы и миссионеры в начале XVI века cтали привозить в Европу диковинные цветы и плоды из Азии, Америки и Африки. Вскоре появились атласы «живых изображений» с подробными зарисовками невиданных растений. При университетах Италии, затем Голландии и Франции возникли ботанические сады. Со временем стало модно разбивать частные сады с живыми коллекциями, выводить новые сорта и заказывать художникам портреты своих быстро отцветающих любимцев.
Так питомцы Флоры оказались и объектом восхищений, и предметом научных наблюдений. К началу XVII века сформировалась наука о растениях - ботаника, натюрморт обрёл статус самостоятельного жанра, а в обществе увлеклись символическим языком цветов. В следующем столетии шведский учёный К. Линней наделил латинскими названиями всех обитателей растительного мира.
Тема цветов и цвета вдохновляет и современных художников, работающих с текстилем. На выставке представлены работы мастеров лоскутного шитья и арт-текстиля из коллекции Екатерины Архиповой. Собрание начало формироваться в 2015 году, его значительная часть связана с образом цветка и сада.
Цветы – предмет восхищения и любви, часто - проекция душевного состояния автора, как, например, в работе Алевтины Шевалдиной «Мир меня» (2015). Набухшие и пышные бутоны невиданных цветов - преддверие новой жизни на масштабном панно Максима Федотова «Продолжение рода». Цветы становятся звёздами на «Гороховом поле» Ольги Возницыной (2017) и смыкаются в форму Млечного пути в саду небесном у Натальи Киль («Сон в летнюю ночь», 2021). Особенные, волшебные, цветы распустились в саду у одного из самых одарённых текстильных художников нашего времени Ирины Лебедевой («Зацветают полоски», 2016 и «В моём саду», 2017) и огнями салюта рассыпались в работе «Текстильный карнавал» (2018).
Известный и любимый многими, талантливый автор и учитель, Любовь Лежанина называла своё творчество «лоскутной живописью». В её произведениях внимательный взгляд художника отмечает мельчайшие детали «моделей», но натуроподобие образов не закрывает от нас и иной план - философский. Картина «Есть только миг» (2016) напоминает нам о краткости бытия и прерванной по воле случая жизни.
Весной в мир возвращаются краски. Игра света и тени, формы и цвета, свойственные окружающей среде в это время года, особенно остро ощущаются через техники работы с тканью. Стёжка, скручивание, аппликация, геометрия лоскутных блоков придают дополнительный объём и собственный ритм изображениям. Выполненные в традиционной технике лоскутного шитья работы Ольги Шмелёвой не являются пейзажами, они абстрактны. Но именно через эту отвлечённость от узнаваемых и привычных форм они отображают состояния, которые мы испытываем, чувствуя вокруг себя природу живого (панно «В каждом апрельском дне - дыхание весны»(2022) и «В летнем лесу после дождя» (2020).
В самобытном искусстве Галины Воловой, одной из самых ярких авторов рубежа веков, прозрачность и холод ранней весны острыми клиньями ткани словно пронизывают наше зрительское восприятие («Весна, прилетели птицы», 2005), а сложная мозаика «Воспоминаний о лете» (2006) затонирована приглушёнными красками льняных лоскутов.
Сюрреалистические полотна «Истоки» Татьяны Фёдоровой (2015) и «Сон крота» Анны Журавлёвой (2020) открывают двери туда, где за реальностью прячутся другие измерения, - фиолетово-сиреневая палитра погружает нас в мир снов и видений. Особенное место в экспозиции также занимают работы Аллы Снеговской, выполненные в старинной технике «уголков». Каждый такой условный коврик, по сути, - красочная мандала, исцеляющая нас цветовыми гаммами.
Ярким признанием в любви к цветам наполнено творчество Алевтины Шевалдиной, работающей с тканью в традиционной русской технике ляпочиха. Её импрессионистическим «растрепанным» букетам отвечает строгая геометрия не менее прекрасных, но иных, «витражных роз» Натальи Шиллер, играющей в цвета и цветы в стиле авторского лоскутного блока «лемех».
Работа с формой и цветом в текстильной живописи обладает особенным значением. Благодаря свойствам материала (многоцветность, разные физические качества ткани) эта работа сложна, но и она невероятно увлекательна и особенно богата ещё не открытыми до конца возможностями в художественной пластике.
На первый взгляд, созвучие слов «цвета» и «цветы» обманчиво, их смыслы и то, какие предметы и явления они обозначают, – различны. Цветок – часть природы, он является носителем и выразителем свето- и цветотона; цвет, в свою очередь, – носитель смысла – цветоформы. Цветок не живет без цвета, а цвет органичен в цветке.
В рамках выставки пройдут кураторские экскурсии и мастер-классы.
Живописная часть выставки включает более сорока произведений современных художников, в том числе, пять работ зарубежных авторов, написанных в период с 1950-х по 2020-е годы. Старшее поколение художников, представленных на выставке, формировалось в художественной ситуации начала XX века, а самые молодые – вступают в активную творческую жизнь в наше время. Особое место в экспозиции занимает «Пестрый букет на темном фоне» (1936) Ильи Ивановича Машкова, запечатлевший признание в любви к красоте окружающего мира, ко всему тому, что притягивает цветом, запахом и телесностью, образует единство, богатое разнообразием. Многие из работ давно не экспонировались, есть и те, которые зритель увидит впервые. На выставке представлены ведущие художественные школы, включая московскую и ленинградскую. Особым теплом нас согревают произведения живописцев, чьи жизнь и творчество неразрывно связаны с нашим городом.
Текстильную часть выставки образуют более сорока уникальных произведений замечательных мастеров лоскутного шитья из разных регионов нашей страны. Ткань даёт цвет, фактуру, глубину, тактильные ощущения. Художники лоскутного шитья используют не только геометрические формы, они экспериментируют с цветом, находят объёмно-пластические решения, создают иллюзию движения, разнопланового, многомерного и бесконечного пространства. Благодаря этому, мы видим неисчерпаемые возможности и многофункциональные свойства тканей, их работы поднимаются до передачи идеи постоянного обновления жизни.
К достоинствам экспозиции относится снятие формальных границ между живописными полотнами и произведениями декоративно-прикладного искусства, позволяющее создать средствами искусства оптимистичную философию жизни, освещенную светом, воплощенную в материале и воспринимаемую благодаря таланту мастеров.
В развитие мысли о самоценности красоты основной мотив нашей выставки - красота в естественном и рукотворном исполнении, гармония на стыке материальной и духовной культуры, весеннее насыщенное яркими цветами настроение и теплое подтверждение абсолютной ценности жизни.В работе «Оправдание красоты» русский философ В. Соловьев дает свою концепцию красоты: «Определяю красоту с отрицательного конца как чистую бесполезность, а с положительного – как духовную телесность». Мы в рамках экспозиции искали «золотую середину» не как среднее между противоположностями, а как оптимальное или наилучшее и в художественном, и в философском, и в техническом исполнении.
Мы знаем не только символику цвета и символику цветов в культурном контексте, но и символику цвета цветов. Например, роза – муза художников, красная роза – символ преданности, белая гвоздика – пожелание успеха. Восприятие цвета зависит от источника света, отражающих свойств объекта и зрительной способности самого воспринимающего человека. Атмосфера художественного произведения может быть теплой (И.В. Романов, «Цветы полевые») или холодной (Б.Ф. Домашников, «Холодный день. Бородаевское озеро»), светлой (Т.Н. Потокина-Курилкина, «Цветы с синей тенью») или темной и загадочной (Г.И. Лиховид, «Синий пейзаж»), спокойной (М.Н. Яковлев, «Полевые цветы») или импульсивной и напряженной (И.А. Зариньш, «Хорошо, что мы успели собрать цветы перед дождем в Резекне…», В.И. Пугачев, «Мятеж»), радостной (В.Н.Лосев, «Сирень. Натюрморт с чашкой») или грустной и задумчивой (Й.К. Шважас, «Вид из окна студии»). В работе «Невеста» Н.В. Овчинникова живет душа и характер народа-этноса. Особая любовь к тканям в постановках отличает живописные сочинения М.К. Копытцевой, сочетающие натюрморт и пейзаж. Волгоградский художник Ф.И.Суханов делится впечатлениями из путешествий, подчеркивает значение «честной натуры», считая, что живопись – это вся жизнь. В.Н. Лосев заражает нас восторгом от красоты природы, а В.И. Пугачев выбирает абстрактный подход к решению художественных задач.
Природу видимого стремился постичь еще Аристотель, предложивший рассматривать цвет как результат смешения света и тьмы. Более того, связь со стихиями, ориентир на идеальный план бытия делают цвет фундаментальным свойством материи, например, в работах Ф. Скроппо, А.М. Палумбо, В.Т. Коваленко. Внимание к особенностям цвета и движения, родству большого и малого как отражения состояний мира дарит нам В.В. Стригин. М.А. Бирштейн окружает нас импрессионистической световоздушной средой, согревает тональным богатством и открытостью цвета.
Чистый белый свет состоит из семи видимых цветов: красного, оранжевого, желтого, зеленого, голубого, синего и фиолетового. Не случайно радуга нас радует, любуясь ею, мы ждем хорошее. Удивительно, но интуитивно, обустраивая среду обитания, мы повторяем радужный строй, стремясь к гармонии между субъективным и объективным, внутренним и внешним измерением мира, как в работе В.Н. Батракова. Человек видит небольшой диапазон светового излучения, который назван видимым спектром белого солнечного света. Любой цвет мы описываем следующими характеристиками - цветовой тон, насыщенность и светлота, но у каждого они будут выражены по-разному.
Для человека естественно воспринимать цвета в связке с природными объектами и явлениями. Устойчивые ассоциации «трава – зеленая», «небо - голубое» связаны с коллективным культурным опытом. Умиротворяющий эффект человек ощущает от зеленого цвета снизу и голубого сверху, потому что таково их естественное расположение в природе, как в «Романтической мелодии» А.Д. Лесового. Психологи связали воздействие цвета не только с цветовым тоном, но и с положением цвета в пространстве, как в «Потоке времени» О.А. Гостева, воспевающем совершенство мира. «Татьянин букет» Ю.Н.Ларина - продолжение философского диалога с природой, выразительного по цветочной гамме и спокойного благодаря локальным мазкам и абстрактному построению окружающей среды.
Во всех культурах огонь обжигает, поэтому и красный цвет оказывает возбуждающее воздействие практически на всех в той или иной степени. Солнце - центральный архетипический символ всех культур, поэтому желтый цвет сверху вызывает приятные ощущения в рамках коллективного опыта. Солнечную атмосферу создают букет Ю.Н. Ларина и весна Б.К. Касаткина, стремление украсить текущий день отражают работы М.К. Копытцевой, Х.Н. Такташева.
Цвет влияет на привлекательность человека. Женские образырадуют традиционностью (Н.В. Овчинников), воздушностью (П. Грамола), поэтичностью (К.В. Алтунин) и оригинальностью (А.М. Лутере).Художественный язык А.М. Лутере отличается темпераментом и подчеркнутой фактурностью. Социокультурная среда развивает восприятие до цветовых предпочтений, например, мужской и женский взгляд. Накопленный жизненный опыт начинает с годами оказывать на восприятие цвета большее влияние, чем культура и воспитание. Нравственная рефлексия выступает содержанием работы А.В. Кузнецова. Отдельным акцентом становится проблема времени, пространства и коммуникации в творчестве Е.Н. Горчаковой. Перед нами удивительные декоративные возможности точки и линии, ощущение и звучание цвета в творчестве Л.И. Ангеловой. Из всех высказываний о цветах хочется отметить, что очарование цветущего, а в нашем случае и цветного делает человека более открытым и щедрым на добрые чувства, что особенно подчеркивают букеты Д.Д. Бурлюка, В.А. Орловой, В.А. Шпенглера.
Цветочная живопись может быть серьезной и не очень, более или менее декоративной, но, листая пленительный художественный гербарий, мы изучаем философию жизни неповторимых по изобразительному языку художников. Перед нами красота мудрости и щедрость Творца, тщетность земной жизни и красота обычной повседневности. Цветы на художественном полотне или декоративном панно проявляют черты культуры их взрастившей, рассказывают истории их создавших. (П. Мартеллини, «Репейник на фиолетовом фоне»; П.Ф. Шардаков, «Южная ночь. Кипарисы»).
В прошлом «портреты» цветов заказывались владельцами садов, чтобы запечатлеть диковинные экзотические и просто прекрасные цветы, собранные или выведенные хозяином. Позже, рассматривая изысканные букеты, знатоки с любопытством читали цветочные «письма». Уж они-то знали, что орхидеи затаили ревность и подозрительность, а ирисы воспевают Весну и возрождение (А.В.Куценко. «Ирисы»).
Музей выражает признательность за деятельное плодотворное сотрудничество в осуществлении Выставочного проекта молодому увлеченному коллекционеру Екатерине Архиповой. Нас объединило общее убеждение, что наличие интересной идеи позволяет найти уникальное решение. Лоскутное шитьё, по мнению Е.Архиповой, – вид искусства, в котором, как и в живописи, идёт серьёзная работа над цветом тканей, различными стилями и техниками. Важная задача выставки заключается в том, чтобы показать всё это многообразие, чтобы «влюбить» посетителя выставки в лоскутное шитье.
Выставка «Цвета и цветы» - художественное приношение одному из самых красивых времён года - Весне. Слова «цвета» и «цветы» - паронимы, то есть однокоренные слова, близкие по написанию и звучанию, но имеющие разное значение. Они происходят от общего праславянского корня *květъ, который восходит к праиндоевропейскому *k'weit («светлый, белый»). Корень «цвет» связан с понятием цвета, светового тона окраски. Со временем его значение начало ассоциироваться с красотой и расцветом. Оба понятия связаны с визуальным восприятием цвета, а цветы (растения) – квинтэссенция разнообразия цветовых оттенков, которые различает глаз человека в окружающем мире.
Согласно многочисленным научным исследованиям, цвета могут формировать наше психологическое состояние. Например, красный – цвет энергии, силы, праздника, но и цвет тревоги, напряжения. Синий снижает уровень стресса и повышает продуктивность, успокаивает. Зелёный считается цветом гармонии, помогает расслабиться – уменьшает уровень кортизола, гормона стресса, и улучшает общее самочувствие. Поэтому так благотворна для нас весенняя и летняя природа. Желтый цвет ассоциируется с оптимизмом и радостью, но в чрезмерных количествах может вызывать раздражение. Фиолетовый часто связывают с креативностью и духовностью, это цвет творчества и инноваций.
Безусловно, и цвета, и цветы оказывают на нас глубокое психологическое воздействие. Цвета влияют на формирование эмоций и являются одним из способов их выражения. Цветы помогают нам познавать такие важные эстетические и философские понятия как красота, любовь, душа.
Цветок в разные исторические периоды и в различных культурах ассоциировался с жизненной энергией, духовностью, нежностью, хрупкостью. В литературе цветы часто выступают важными образами, наполненными глубоким смыслом. Например, в сказке С. Аксакова «Аленький цветочек» – символ любви и самопожертвования, красоты души и райского сада. В «Сказке о жабе и розе» В. Гаршина роза – это чистая душа ребёнка и самоотверженная любовь: цветок, отдав свою жизнь, скрашивает последние секунды жизни мальчика, который, вдохнув его аромат, умирает со счастливой улыбкой. «Цветик-семицветик» В. Катаева олицетворяет волшебство, которое не только исполняет желания девочки Жени, но преображает её душу через нравственное взросление. Роза в повести «Маленький принц» Антуана де Сент-Экзюпери - метафора любви, она сохраняет и оберегает уязвимость героев в мире непостоянства и боли.
Благодаря Великим географическим открытиям торговцы и миссионеры в начале XVI века cтали привозить в Европу диковинные цветы и плоды из Азии, Америки и Африки. Вскоре появились атласы «живых изображений» с подробными зарисовками невиданных растений. При университетах Италии, затем Голландии и Франции возникли ботанические сады. Со временем стало модно разбивать частные сады с живыми коллекциями, выводить новые сорта и заказывать художникам портреты своих быстро отцветающих любимцев.
Так питомцы Флоры оказались и объектом восхищений, и предметом научных наблюдений. К началу XVII века сформировалась наука о растениях - ботаника, натюрморт обрёл статус самостоятельного жанра, а в обществе увлеклись символическим языком цветов. В следующем столетии шведский учёный К. Линней наделил латинскими названиями всех обитателей растительного мира.
Тема цветов и цвета вдохновляет и современных художников, работающих с текстилем. На выставке представлены работы мастеров лоскутного шитья и арт-текстиля из коллекции Екатерины Архиповой. Собрание начало формироваться в 2015 году, его значительная часть связана с образом цветка и сада.
Цветы – предмет восхищения и любви, часто - проекция душевного состояния автора, как, например, в работе Алевтины Шевалдиной «Мир меня» (2015). Набухшие и пышные бутоны невиданных цветов - преддверие новой жизни на масштабном панно Максима Федотова «Продолжение рода». Цветы становятся звёздами на «Гороховом поле» Ольги Возницыной (2017) и смыкаются в форму Млечного пути в саду небесном у Натальи Киль («Сон в летнюю ночь», 2021). Особенные, волшебные, цветы распустились в саду у одного из самых одарённых текстильных художников нашего времени Ирины Лебедевой («Зацветают полоски», 2016 и «В моём саду», 2017) и огнями салюта рассыпались в работе «Текстильный карнавал» (2018).
Известный и любимый многими, талантливый автор и учитель, Любовь Лежанина называла своё творчество «лоскутной живописью». В её произведениях внимательный взгляд художника отмечает мельчайшие детали «моделей», но натуроподобие образов не закрывает от нас и иной план - философский. Картина «Есть только миг» (2016) напоминает нам о краткости бытия и прерванной по воле случая жизни.
Весной в мир возвращаются краски. Игра света и тени, формы и цвета, свойственные окружающей среде в это время года, особенно остро ощущаются через техники работы с тканью. Стёжка, скручивание, аппликация, геометрия лоскутных блоков придают дополнительный объём и собственный ритм изображениям. Выполненные в традиционной технике лоскутного шитья работы Ольги Шмелёвой не являются пейзажами, они абстрактны. Но именно через эту отвлечённость от узнаваемых и привычных форм они отображают состояния, которые мы испытываем, чувствуя вокруг себя природу живого (панно «В каждом апрельском дне - дыхание весны»(2022) и «В летнем лесу после дождя» (2020).
В самобытном искусстве Галины Воловой, одной из самых ярких авторов рубежа веков, прозрачность и холод ранней весны острыми клиньями ткани словно пронизывают наше зрительское восприятие («Весна, прилетели птицы», 2005), а сложная мозаика «Воспоминаний о лете» (2006) затонирована приглушёнными красками льняных лоскутов.
Сюрреалистические полотна «Истоки» Татьяны Фёдоровой (2015) и «Сон крота» Анны Журавлёвой (2020) открывают двери туда, где за реальностью прячутся другие измерения, - фиолетово-сиреневая палитра погружает нас в мир снов и видений. Особенное место в экспозиции также занимают работы Аллы Снеговской, выполненные в старинной технике «уголков». Каждый такой условный коврик, по сути, - красочная мандала, исцеляющая нас цветовыми гаммами.
Ярким признанием в любви к цветам наполнено творчество Алевтины Шевалдиной, работающей с тканью в традиционной русской технике ляпочиха. Её импрессионистическим «растрепанным» букетам отвечает строгая геометрия не менее прекрасных, но иных, «витражных роз» Натальи Шиллер, играющей в цвета и цветы в стиле авторского лоскутного блока «лемех».
Работа с формой и цветом в текстильной живописи обладает особенным значением. Благодаря свойствам материала (многоцветность, разные физические качества ткани) эта работа сложна, но и она невероятно увлекательна и особенно богата ещё не открытыми до конца возможностями в художественной пластике.
На первый взгляд, созвучие слов «цвета» и «цветы» обманчиво, их смыслы и то, какие предметы и явления они обозначают, – различны. Цветок – часть природы, он является носителем и выразителем свето- и цветотона; цвет, в свою очередь, – носитель смысла – цветоформы. Цветок не живет без цвета, а цвет органичен в цветке.
В рамках выставки пройдут кураторские экскурсии и мастер-классы.
«Мягче камня, тверже дерева». Искусство художественной резьбы по кости из фондов ВМИИ
р.
р.
В рамках Года единства народов России Волгоградский музей изобразительных искусств им.И.И.Машкова впервые проводит выставку, посвященную одному из самых древних и самобытных видов русского декоративно-прикладного искусства — косторезному промыслу. В экспозиции представлено более тридцати уникальных произведений, выполненных народными мастерами из клыка моржа и бивня мамонта. Увидеть коллекцию можно будет с 25 февраля по 6 июля 2026 года.
В России косторезный промысел распространен главным образом в Сибири и на Крайнем Севере. Здесь на обширной территории от Архангельской области до Чукотского полуострова малочисленные северные народ — ханты, манси, ненцы, чукчи и эскимосы — издревле занимались обработкой кости. В XVII–XVIII веках косторезное ремесло освоили и русские мастера.
Кость как материал была разнообразной. Самыми востребованными видами были «рыбий зуб» и «голубая кость». Под такими названиями в источниках упоминаются моржовый клык и ископаемая кость мамонта. Иногда мастера прибегали к использованию цевки — трубчатых костей крупного рогатого скота. Очень редкой и дорогой считалась слоновая кость, которую привозили из далекой Индии.
Разнообразие материалов позволяло экспериментировать и искать наиболее удачные варианты исполнения художественной резьбы. Таким образом, в каждое произведение вкладывались не только труд и талант отдельного человека, автора конкретного предмета, но и открытия многих поколений. Происходило формирование центров косторезного искусства, каждый из которых имел свой неповторимый «почерк».
Коллекция произведений из кости, хранящаяся в ВМИИ, дает общее представление о своеобразии трех наиболее известных центров этого промысла: Холмогорского в селе Ломоносово, Тобольской школы и Уэленской мастерской на Чукотке. Произведения чукотских мастеров были переданы музею Машкова в 1960 году Главным управлением по делам искусств, а в 1960-1961 гг. из Музея народного искусства НИИ художественной промышленности пришли изделия холмогорских и тобольских умельцев. В этих замечательных произведениях нашли отражение и величественная природа Русского Севера, и быт населяющих этот край людей, и национальные орнаментальные мотивы.
В России косторезный промысел распространен главным образом в Сибири и на Крайнем Севере. Здесь на обширной территории от Архангельской области до Чукотского полуострова малочисленные северные народ — ханты, манси, ненцы, чукчи и эскимосы — издревле занимались обработкой кости. В XVII–XVIII веках косторезное ремесло освоили и русские мастера.
Кость как материал была разнообразной. Самыми востребованными видами были «рыбий зуб» и «голубая кость». Под такими названиями в источниках упоминаются моржовый клык и ископаемая кость мамонта. Иногда мастера прибегали к использованию цевки — трубчатых костей крупного рогатого скота. Очень редкой и дорогой считалась слоновая кость, которую привозили из далекой Индии.
Разнообразие материалов позволяло экспериментировать и искать наиболее удачные варианты исполнения художественной резьбы. Таким образом, в каждое произведение вкладывались не только труд и талант отдельного человека, автора конкретного предмета, но и открытия многих поколений. Происходило формирование центров косторезного искусства, каждый из которых имел свой неповторимый «почерк».
Коллекция произведений из кости, хранящаяся в ВМИИ, дает общее представление о своеобразии трех наиболее известных центров этого промысла: Холмогорского в селе Ломоносово, Тобольской школы и Уэленской мастерской на Чукотке. Произведения чукотских мастеров были переданы музею Машкова в 1960 году Главным управлением по делам искусств, а в 1960-1961 гг. из Музея народного искусства НИИ художественной промышленности пришли изделия холмогорских и тобольских умельцев. В этих замечательных произведениях нашли отражение и величественная природа Русского Севера, и быт населяющих этот край людей, и национальные орнаментальные мотивы.
Многоликий собор. Русская икона из фондов ВМИИ
р.
р.
Музей Машкова представляет новую камерную выставку в пространстве экспозиции «Сокровища русского искусства». Она объединяет произведения поздней иконописи XIX – начала XX в. и меднолитой пластики второй половины XVIII – начала XX в.
Выставка дает представление об основных образах христианского искусства и главных событиях евангельской истории. Центральным является образ Спасителя, Иисуса Христа. Рядом стоят образы его земной Матери – Богородицы, Девы Марии. Несмотря на многообразие сюжетов Богородичных икон со своей историей и особенностями, все они восходят к иконографическим типам Оранты – «Молящей», Одигитрии – «Путеводительницы» и Елеусы – «Милующей». Они представлены в экспозиции иконами Богоматери Знамение, Умиление, Тихвинской, Казанской иконами Божией Матери и др.
После Богоматери самым чтимым святым является Иоанн Предтеча – Предтеча, т.е. предшественник, Иисуса Христа и его Креститель. Он не только предрек явление Мессии, но и видел это пророчество сбывшимся. Меднолитая икона с эмалью, изображающая Иоанна Крестителя с крыльями, раскрывает еще один эпитет святого – «ангел пустыни». Он восходит к словам из Библии, относимых к Иоанну, об ангеле, «посылаемом приготовить путь Господу», о его «гласе, вопиющем в пустыне».
Среди великого множества святых православной церкви есть те, кого верующие особенно любят и высоко чтят: Николай Чудотворец, Георгий Победоносец, преподобный Сергий Радонежский, целитель Пантелеймон и др. Почитание ряда святых, например, раннехристианских мучеников Иулиты и Кирика, получило распространение в старообрядческой среде. Их образы, а также иконы других христианских святых можно увидеть в экспозиции.
Среди прочих святых выделяются евангелисты – создатели четырех книг Евангелия. За этим занятием изображен на медной иконе святой евангелист Иоанн Богослов. Рядом с ним его символ – орел, восходящий к видению пророка Иезекииля.
В Священном Писании упоминается существование бесплотных сил, служащих Богу, среди них – ангелы и архангелы. На иконе из композиции «Благовещение», представленной на выставке, архангел Гавриил держит в руках белую лилию – символ чистоты и непорочности Пресвятой Богородицы. Другая икона изображает архангела Михаила с копьем, низвергающим диавола.
Вышеупомянутые образы – Христа, его Матери, собравшихся вокруг них святых и ангелов – составляют многоликий собор, выражая важную для православной церкви и христианского искусства идею единства.
Выставка будет интересна не только специалистам, но и широкому кругу посетителей, интересующихся церковным искусством и русскими художественными традициями. Она позволяет осуществить логический переход от религиозной культуры допетровской эпохи к светской культуре XVIII и XIX веков, представленной произведениями постоянной экспозиции «Сокровища русского искусства».
Выставка дает представление об основных образах христианского искусства и главных событиях евангельской истории. Центральным является образ Спасителя, Иисуса Христа. Рядом стоят образы его земной Матери – Богородицы, Девы Марии. Несмотря на многообразие сюжетов Богородичных икон со своей историей и особенностями, все они восходят к иконографическим типам Оранты – «Молящей», Одигитрии – «Путеводительницы» и Елеусы – «Милующей». Они представлены в экспозиции иконами Богоматери Знамение, Умиление, Тихвинской, Казанской иконами Божией Матери и др.
После Богоматери самым чтимым святым является Иоанн Предтеча – Предтеча, т.е. предшественник, Иисуса Христа и его Креститель. Он не только предрек явление Мессии, но и видел это пророчество сбывшимся. Меднолитая икона с эмалью, изображающая Иоанна Крестителя с крыльями, раскрывает еще один эпитет святого – «ангел пустыни». Он восходит к словам из Библии, относимых к Иоанну, об ангеле, «посылаемом приготовить путь Господу», о его «гласе, вопиющем в пустыне».
Среди великого множества святых православной церкви есть те, кого верующие особенно любят и высоко чтят: Николай Чудотворец, Георгий Победоносец, преподобный Сергий Радонежский, целитель Пантелеймон и др. Почитание ряда святых, например, раннехристианских мучеников Иулиты и Кирика, получило распространение в старообрядческой среде. Их образы, а также иконы других христианских святых можно увидеть в экспозиции.
Среди прочих святых выделяются евангелисты – создатели четырех книг Евангелия. За этим занятием изображен на медной иконе святой евангелист Иоанн Богослов. Рядом с ним его символ – орел, восходящий к видению пророка Иезекииля.
В Священном Писании упоминается существование бесплотных сил, служащих Богу, среди них – ангелы и архангелы. На иконе из композиции «Благовещение», представленной на выставке, архангел Гавриил держит в руках белую лилию – символ чистоты и непорочности Пресвятой Богородицы. Другая икона изображает архангела Михаила с копьем, низвергающим диавола.
Вышеупомянутые образы – Христа, его Матери, собравшихся вокруг них святых и ангелов – составляют многоликий собор, выражая важную для православной церкви и христианского искусства идею единства.
Выставка будет интересна не только специалистам, но и широкому кругу посетителей, интересующихся церковным искусством и русскими художественными традициями. Она позволяет осуществить логический переход от религиозной культуры допетровской эпохи к светской культуре XVIII и XIX веков, представленной произведениями постоянной экспозиции «Сокровища русского искусства».
Выставка в выставке «Традиции и новации в творчестве Виктора Губко»
р.
р.
Имя нашего земляка, скульптора Виктора Федосеевича Губко (1948- 2005) сегодня мало знакомо широкой зрительской аудитории, хотя его творчество стало знаковым явлением в отечественном искусстве в 1980-е годы. В его творчестве обогащается палитра скульптурных жанров, появляются новые аспекты выразительности, взаимоотношения с классикой и традицией. И в этом смысле он был «героем своего времени» – времени преобладания личного стиля над коллективным, предельной индивидуализации творческого метода. Работы из волгоградской коллекции относятся именно к 80-м годам – ко времени дерзновенных поисков, пронзительно лиричных, эмоциональных диалогов художника и зрителя.
«Танец» и «Продавец птиц» и «Ожидание», «Пегас» – работы Губко, в которых главным становиться проекция эмоциональных состояний, чувств, переживаний автора, воплощенных в живой и теплой фактуре, сотканной чередованием сглаженной формы с мелкими подвижными мазками. При всей жанровости сюжетов, Губко чуждо бытописательство – это раздумья над вечными темами добра и зла, духа и плоти, чувства и рассудка. Отсюда неоднозначность их звучания – светлое, лирическое начало включает драматические интонации.
Его тяга к многомерности образа находит продолжение и в обращении к мифологическим сюжетам, которые Губко трактует по-своему. Его «Пегас» с опаленными, разорванными крыльями драматичен. Этот спутник поэтического вдохновения всегда несется сквозь обжигающее пламя творчества. Без этого пламени нет творчества. Виктор Губко уходит от сложившихся штампов. Так, образ Н. В. Гоголя далек от традиционных для отечественного искусства воплощений писателя. Непривычная, отчасти гротесковая трактовка позволила автору создать образ, вобравший, кажется, и черты героев произведений писателя, и особую интонацию его прозы. Вместе с тем, это трагическая фигурка, шагающая по российскому бездорожью человека в поисках ответов на вечные вопросы. «Русь! Чего же ты хочешь от меня…». В работах В. Губко – не прямая трансляция жизненных коллизий, а пластическое, образное осмысление жизни.
Биография В. Губко, кажется не располагала ни к каким художествам. Родился Виктор Федосеевич в поселке Майском, в Сталинграде, в 1948 году, учился в средней школе № 58 Кировского района Волгограда. Его школьная учительница Зоя Михайловна Игнатова в своих воспоминаниях пишет: «Виктор занимался в изостудии, мечтал стать художником. Его жизнь – пример того, чего может достичь русский человек, опираясь только на свои силы». В семье никто не имел никакого отношения к искусству. Отец и мать были привязаны к земле, домашнему хозяйству. О чем-то возвышенном думать было некогда. А вот дед очень любил рисовать лошадей, особенно когда они играют, трутся шеями, встают на дыбы или валяются в траве. Пройдет много лет, и Виктор Федосеевич создаст композицию «Танец», которую вы увидите на выставке. В. Губко рассказывал: «Мать всегда говорила, что мужик должен иметь настоящую профессию – быть механизатором, слесарем-авторемонтником, электросварщиком. Я был послушным и все эти профессии освоил. И все же в свободное время рисовал. После службы в армии четырежды поступал в Московское высшее художественное училище (бывшее Строгановское)». В Строгановку он все же поступил, когда ему было уже 25 лет. Несколько лет после окончания Строгановки, которую окончил с отличием, В. Губко занимался живописью и считал себя живописцем. Может быть, это определило его необычные шаги в скульптуре, созданной как бы вопреки законам пластики, «пренебрегая такими категориями как вес, масса, устойчивость, гравитационная сила».
Его работы импрессионистичны. Тающие силуэты, истонченные формы, так соответствуют его поэтике. Кажется, художник добился всего, о чем мечталось. Заслуженный художник РФ, преподаватель, профессор Строгановки, кандидат искусствоведения, участник более чем 140 выставок в России, Греции, Франции, Италии, Египте, Израиле, Корее. Его работы находятся в Государственной Третьяковской Галерее, Государственном Русском музее и во многих частных коллекциях по всему миру. Он удостоен медали Российской Академии художеств за воссоздание Храма Христа Спасителя.
В 1998 г. началась работа по воссозданию Храма Христа Спасителя в Москве, где вместе с другими художниками Виктор Федосеевич выполнял горельефные группы на фасаде собора. Обращение к сюжетам Ветхого и Нового завета, работа над скульптурой собора, позволили уже зрелому мастеру по-новому взглянуть на традиции русской монументальной пластики. И кто знает, во что бы вылился этот опыт, но судьбой ему было отмерено совсем немного времени. В 2005 году, в расцвете творческих сил и постижений он ушел из жизни. Прошло ровно 20 лет со дня смерти мастера. И эта экспозиция – дань памяти и признательности талантливому художнику. Простому парню с берегов Волги, покорившему Олимп. В пронизанных воздухом силуэтах, в интерпретации натуры, в мягкой живописной фактуре, импрессионистических трактовках поверхности – его взволнованность, его эмоциональность, его духовное напряжение. Его своеобразный мир, волнующий нас и сегодня. «Творец уйдет, природой побежденный, но образ им запечатленный навеки будет согревать сердца».
«Танец» и «Продавец птиц» и «Ожидание», «Пегас» – работы Губко, в которых главным становиться проекция эмоциональных состояний, чувств, переживаний автора, воплощенных в живой и теплой фактуре, сотканной чередованием сглаженной формы с мелкими подвижными мазками. При всей жанровости сюжетов, Губко чуждо бытописательство – это раздумья над вечными темами добра и зла, духа и плоти, чувства и рассудка. Отсюда неоднозначность их звучания – светлое, лирическое начало включает драматические интонации.
Его тяга к многомерности образа находит продолжение и в обращении к мифологическим сюжетам, которые Губко трактует по-своему. Его «Пегас» с опаленными, разорванными крыльями драматичен. Этот спутник поэтического вдохновения всегда несется сквозь обжигающее пламя творчества. Без этого пламени нет творчества. Виктор Губко уходит от сложившихся штампов. Так, образ Н. В. Гоголя далек от традиционных для отечественного искусства воплощений писателя. Непривычная, отчасти гротесковая трактовка позволила автору создать образ, вобравший, кажется, и черты героев произведений писателя, и особую интонацию его прозы. Вместе с тем, это трагическая фигурка, шагающая по российскому бездорожью человека в поисках ответов на вечные вопросы. «Русь! Чего же ты хочешь от меня…». В работах В. Губко – не прямая трансляция жизненных коллизий, а пластическое, образное осмысление жизни.
Биография В. Губко, кажется не располагала ни к каким художествам. Родился Виктор Федосеевич в поселке Майском, в Сталинграде, в 1948 году, учился в средней школе № 58 Кировского района Волгограда. Его школьная учительница Зоя Михайловна Игнатова в своих воспоминаниях пишет: «Виктор занимался в изостудии, мечтал стать художником. Его жизнь – пример того, чего может достичь русский человек, опираясь только на свои силы». В семье никто не имел никакого отношения к искусству. Отец и мать были привязаны к земле, домашнему хозяйству. О чем-то возвышенном думать было некогда. А вот дед очень любил рисовать лошадей, особенно когда они играют, трутся шеями, встают на дыбы или валяются в траве. Пройдет много лет, и Виктор Федосеевич создаст композицию «Танец», которую вы увидите на выставке. В. Губко рассказывал: «Мать всегда говорила, что мужик должен иметь настоящую профессию – быть механизатором, слесарем-авторемонтником, электросварщиком. Я был послушным и все эти профессии освоил. И все же в свободное время рисовал. После службы в армии четырежды поступал в Московское высшее художественное училище (бывшее Строгановское)». В Строгановку он все же поступил, когда ему было уже 25 лет. Несколько лет после окончания Строгановки, которую окончил с отличием, В. Губко занимался живописью и считал себя живописцем. Может быть, это определило его необычные шаги в скульптуре, созданной как бы вопреки законам пластики, «пренебрегая такими категориями как вес, масса, устойчивость, гравитационная сила».
Его работы импрессионистичны. Тающие силуэты, истонченные формы, так соответствуют его поэтике. Кажется, художник добился всего, о чем мечталось. Заслуженный художник РФ, преподаватель, профессор Строгановки, кандидат искусствоведения, участник более чем 140 выставок в России, Греции, Франции, Италии, Египте, Израиле, Корее. Его работы находятся в Государственной Третьяковской Галерее, Государственном Русском музее и во многих частных коллекциях по всему миру. Он удостоен медали Российской Академии художеств за воссоздание Храма Христа Спасителя.
В 1998 г. началась работа по воссозданию Храма Христа Спасителя в Москве, где вместе с другими художниками Виктор Федосеевич выполнял горельефные группы на фасаде собора. Обращение к сюжетам Ветхого и Нового завета, работа над скульптурой собора, позволили уже зрелому мастеру по-новому взглянуть на традиции русской монументальной пластики. И кто знает, во что бы вылился этот опыт, но судьбой ему было отмерено совсем немного времени. В 2005 году, в расцвете творческих сил и постижений он ушел из жизни. Прошло ровно 20 лет со дня смерти мастера. И эта экспозиция – дань памяти и признательности талантливому художнику. Простому парню с берегов Волги, покорившему Олимп. В пронизанных воздухом силуэтах, в интерпретации натуры, в мягкой живописной фактуре, импрессионистических трактовках поверхности – его взволнованность, его эмоциональность, его духовное напряжение. Его своеобразный мир, волнующий нас и сегодня. «Творец уйдет, природой побежденный, но образ им запечатленный навеки будет согревать сердца».
АРХИВ ВЫСТАВОК
МЕРОПРИЯТИЯ Фонд "Новый музей"
Новости
СМИ о музее
Документы
Независимая оценка качества работы
В соответствии с Федеральным законом от 05.12.2017 № 392-ФЗ "О внесении изменений в отдельные законодательные акты Российской Федерации по вопросам совершенствования проведения независимой оценки качества условий оказания услуг организациями в сфере культуры, охраны здоровья, образования, социального обслуживания и федеральными учреждениями медико-социальной экспертизы" комитетом культуры Волгоградской области (далее – Комитет), на основании закупочной процедуры заключен государственный контракт от 24.08.2020 № 623444 с ООО "Спектр" на оказание услуг по сбору и обобщению информации о качестве условий оказания услуг в 2020 году в 8 государственных учреждениях культуры.
ООО "Спектр" проведено социологическое исследование о качестве условий оказания услуг государственными организациями культуры в Волгоградской области и предоставлен аналитический отчет о проведении независимой оценки качества условий оказания услуг.
Результаты исследования, а также рекомендации по улучшению качества обслуживания утверждены на заседании Общественного совета по проведению независимой оценки качества условий оказания услуг организациями культуры Волгоградской области 13.11.2020.
В этот список входит и ГБУК "Волгоградский музей изобразительных искусств им.И.И. Машкова".
ПРАВИЛА ПОСЕЩЕНИЯ МУЗЕЯ
Настоящие Правила направлены на обеспечение общественного порядка и безопасности при посещении Музея, улучшение обслуживания посетителей и обязательны к безусловному исполнению всеми лицами, находящимися на территориях и в зданиях Музея.
1. Музей открыт для посещения в установленные режимом работы дни. Режим работы выставок и экспозиций определяется приказом директора Волгоградского музея изобразительных искусств им.И.И.Машкова.
2. Вход осуществляется строго по предъявлению входного билета установленного образца, приобретенного в кассах Музея.
3. Граждане льготных категорий приобретают билеты вне очереди при предъявлении общегражданского паспорта и документов, подтверждающих их принадлежность к соответствующей категории.
4. Прежде чем пройти в экспозиционные залы, необходимо оставить в гардеробе верхнюю одежду, зонты, а также сдать в камеру хранения сумки, портфели, рюкзаки и другие предметы, размер которых превышает 30х40х20 см.
5. Профессиональная фото- и видеосъемка, съемка со штативом и зарисовки в залах Музея, а также видео- и аудиозапись музейных экскурсий производятся только по согласованию с администрацией Музея.
6. Использование в коммерческих целях изображений любых объектов Галереи, полученных во время фото-, кино-, видеосъемки, возможно только на основе договора с Музеем.
7. При входе на выставки и в экспозиции посетители обязаны соблюдать порядок и очередность.
8. В целях соблюдения тишины и из уважения к работе экскурсоводов просим посетителей отключать все звуковые сигналы мобильных телефонов при входе в экспозиционные залы Музея, при необходимости пользоваться наушниками или аудиогарнитурой.
9. В ходе посещения выставок и экспозиций посетители имеют право ознакомиться с выставками и экспозициями; при необходимости возможно перемещение по экспозициям в инвалидной коляске и с детской прогулочной коляской.
10. При проведении экскурсии предусмотрено бесплатное посещение музея для лиц, сопровождающих организованные группы обучающихся общеобразовательных и профессиональных образовательных организаций в количестве не более двух человек.
11. В целях защиты и сохранения экспонатов Музея, обеспечения правопорядка и безопасности посетителей на выставках и в экспозициях запрещается:
Посетители, причинившие вред или материальный ущерб, будут привлечены к административной или уголовной ответственности.
1. Музей открыт для посещения в установленные режимом работы дни. Режим работы выставок и экспозиций определяется приказом директора Волгоградского музея изобразительных искусств им.И.И.Машкова.
2. Вход осуществляется строго по предъявлению входного билета установленного образца, приобретенного в кассах Музея.
3. Граждане льготных категорий приобретают билеты вне очереди при предъявлении общегражданского паспорта и документов, подтверждающих их принадлежность к соответствующей категории.
4. Прежде чем пройти в экспозиционные залы, необходимо оставить в гардеробе верхнюю одежду, зонты, а также сдать в камеру хранения сумки, портфели, рюкзаки и другие предметы, размер которых превышает 30х40х20 см.
5. Профессиональная фото- и видеосъемка, съемка со штативом и зарисовки в залах Музея, а также видео- и аудиозапись музейных экскурсий производятся только по согласованию с администрацией Музея.
6. Использование в коммерческих целях изображений любых объектов Галереи, полученных во время фото-, кино-, видеосъемки, возможно только на основе договора с Музеем.
7. При входе на выставки и в экспозиции посетители обязаны соблюдать порядок и очередность.
8. В целях соблюдения тишины и из уважения к работе экскурсоводов просим посетителей отключать все звуковые сигналы мобильных телефонов при входе в экспозиционные залы Музея, при необходимости пользоваться наушниками или аудиогарнитурой.
9. В ходе посещения выставок и экспозиций посетители имеют право ознакомиться с выставками и экспозициями; при необходимости возможно перемещение по экспозициям в инвалидной коляске и с детской прогулочной коляской.
10. При проведении экскурсии предусмотрено бесплатное посещение музея для лиц, сопровождающих организованные группы обучающихся общеобразовательных и профессиональных образовательных организаций в количестве не более двух человек.
11. В целях защиты и сохранения экспонатов Музея, обеспечения правопорядка и безопасности посетителей на выставках и в экспозициях запрещается:
- Прикасаться руками или любыми предметами к музейным или выставочным экспонатам или витринам, прислоняться к ним, портить и срывать этикетки, информационные стенды и указатели, оставлять записи на стенах, садиться на предметы мебели из музейных коллекций;
- Оставлять детей без присмотра;
- Разговаривать в полный голос, кричать;
- Бегать и прыгать;
- Проносить крупногабаритные предметы, рюкзаки, сумки, портфели (размером более чем 30х40х20 см), зонты-трости, зонты;
- Проносить художественные произведения (живопись, скульптуру, графика и т.д.), любые изобразительные материалы;
- Проносить с собой еду и напитки, живые цветы;
- Проносить огнестрельное, газовое, травматическое и холодное оружие, колющие и режущие предметы, взрывоопасные, огнеопасные и легковоспламеняющиеся предметы, отравляющие и едкие вещества, аэрозольные баллончики с лаками, красками, газовые, а также предметы, загрязняющие помещения экспозиций и одежду посетителей;
- Проносить пиротехнические устройства (фейерверки, петарды и т.п.);
- Находиться в верхней одежде и проносить ее с собой;
- Проходить и находиться на территории и объектах Музея без обуви и одежды;
- Находиться с любыми животными и птицами вне зависимости от их размеров, кроме собак - поводырей;
- Находиться в состоянии алкогольного, наркотического или иного токсического опьянения;
- Заходить за ограждения (леера);
- Проносить самокаты, велосипеды, роликовые коньки, доски и все аналогичные спортивные средства;
- Прослушивать аудиотехнику через громкоговорители, использовать средства звукоусиления и играть на музыкальных инструментах;
- Осуществлять коммерческую и экскурсионную деятельность (за исключением уполномоченных сотрудников Музея);
- Расклеивать объявления, распространять любую печатную или другую продукцию и иные рекламно-информационные материалы, вести агитационную работу;
- Находиться в Музее после завершения его работы;
- Самовольно проникать в служебные и технические помещения Музея;
- Засорять и загрязнять помещения и территории Музея;
- Запрещается курить на территории музея
Посетители, причинившие вред или материальный ущерб, будут привлечены к административной или уголовной ответственности.
Настройки для слабовидящих
Цветовая схема
Изображения
Чтение с экрана
Размер текста
Навигация
