Разместив плакаты в окнах, мы решаем сразу несколько проблем:
– Во-первых, таким образом мы приглушаем свет, проникающий в здание, ведь излишняя освещенность может повредить произведениям живописи, графики и скульптуры.
- Во-вторых, так мы смогли громко заявить о себе. Ведь многие волгоградцы, проходя мимо, даже не догадываются, что на первом этаже здания по адресу: проспект Ленина, 21 – не просто очередной магазин с темными витринами, а музей, где хранятся уникальные подлинники произведений искусства.
В создании плакатов приняли участие известные волгоградские художники, члены Cоюза художников России: Валентина Косточко, Виктор Коваленко, Лариса Мелихова, Георгий Матевосян, Ирина Тур, Станислав Азаров и многие другие.
Гости музея, да и просто прохожие, смогут не только полюбоваться на необычную культрекламу, но и отдать свой голос за любой из понравившихся плакатов. Голосование осуществляется по законам конкурса: имена авторов держатся в секрете, а каждый плакат имеет свой порядковый номер, под которым и проходит в конкурсе.

Отчет ГУК «Волгоградский музей изобразительных искусств» об организации и проведении инновационного проекта«Новые окна РОСТА»
Проект разработан коллективом музея (руководитель проекта Орлова Е.В., директор ГУК ВМИИ) с целью создания условий для поддержки творческих инициатив и расширения возможности творческого потенциала художников в рамках целевой программы «Сохранение и развитие культуры и искусства».

ГУК ВМИИ в апреле 2010 года осуществил проект «Новые окна РОСТА», который направлен на популяризацию музея в городе, творческое сотрудничество с музеем членов Волгоградского отделения Союза художников России, привлечение зрителей к активному голосованию, проблему повышения визуального восприятия экстерьера музея.
Стилистика баннеров, отвечающая основным направлениям советского плаката в текстовом и изобразительном строе, выбрана не случайно.
Именно плакат был самым актуальным, массовым и оперативным видом изобразительного искусства, посредством которого осуществлялась агитационная работа художественного характера. Агитационно-массовый плакат сыграл значительную роль в становлении советского изобразительного искусства.
Ведущим стимулом для художников и поэтов Волгограда при создании плакатов в проекте «Новые окна РОСТА» была возможность их личного непосредственного воздействия средствами изобразительного искусства на массового зрителя, который захочет пойти в музей.
Острые доходчивые плакаты с краткими, легко запоминающимися стихотворными текстами несут не только агитационную смысловую нагрузку, но и эстетическую, основанную на подчеркнутой простоте и лаконизме изобразительных средств.
Накануне третьего тысячелетия произошли значительные изменения в экономической и социальной жизни страны, которые скорректировали структуру потребностей населения.
В настоящее время рынок услуг характеризуется все большей насыщенностью, что приводит к обострению конкуренции между организациями, предлагающими свои услуги. Успешное развитие в таких условиях в решающей степени зависит от выбора потребителя. Для музея это означает острейшую конкурентную борьбу с быстро развивающейся индустрией развлечений.
Подобная ситуация требует мобилизации всех доступных ресурсов, и одним из средств достижения этой цели стал плакат.
Баннеры с произведениями искусства плаката размещены в пятнадцати оконных проемах ВМИИ (пр. им. Ленина, 21).
Все окна, за исключением одного (по ул. Порт Саида) выходят на проспект им. Ленина, имеют хорошую степень обзора и восприятия, активно привлекая внимание прохожих.
Кроме того, призыв отдать свой голос за тот или иной плакат, организует диалог музея с человеком, который, возможно, и не собирался посетить музей (или даже не знал о его существовании).
Таким образом, ГУК ВМИИ, осуществляя проект «Новые окна РОСТА» и выполняя условия ведомственной целевой программы «Сохранение и развитие культуры и искусства», привлекает потенциального зрителя, организует открытый, доступный каждому конкурс плакатов, делает привлекательным экстерьер музея, популяризирует искусство плаката, сохраняет традиции советского агитационного искусства, расширяет возможности творческого потенциала художников (членов СХР).
Зам. директора ГУК ВМИИ В.С. Озерина

Новые окна роста

Вам предстоит самостоятельно решить для себя, что вы увидели.
Для одних это чистая, неподдельная фотография, для других новый вид изобразительного искусства, третьи подождут, пока на этот вопрос ответят за них. На выставке очень часто звучат вопросы. Как такое возможно?
Это компьютерная графика? А чем рисуются эти картины?
Куда исчезает человек? Это всё одним кадром? Это не компьютерная графика, это осмысленное рисование светом на длинной выдержке, или «фризлайт». Вы наверняка хоть раз, но фотографировали у ночной дороги. Щелчок затвора и в это время мимо проезжает машина. Камера немного задумалась и у вас на дисплее ночная дорога и два световых шлейфа — следа от автомобильных фар. Именно этими световыми шлейфами-следами мы и рисуем наши картины.
Так, вкратце, можно объяснить механизм создания этих работ. На выставке представлено 45 работ арт-проекта «Freezelight.ru». Жизнь этому арт-проекту дали два молодых человека — Артём Долгополов и Роман Пальченков.
Фото с сайта Freezelight.ru

Волгоградский Музей Изобразительных Искусств
Ассоциация ФРИЗЛАЙТа
МУ «Молодежно-подростковый центр Ворошиловского района»
приглашают Вас на открытие выставки
В поисках света
Открытие состоится 10 августа 2010 в 16.00 в Выставочном зале Волгоградского музея изобразительных искусств (ул. им. Чуйкова, 37) Вам предстоит самостоятельно решить для себя, что вы увидели. Для одних это чистая, неподдельная фотография, для других новый вид изобразительного искусства, третьи подождут, пока на этот вопрос ответят за них. На выставке очень часто звучат вопросы. Как такое возможно? Это компьютерная графика? А чем рисуются эти картины? Куда исчезает человек? Это всё одним кадром?
Это не компьютерная графика, это осмысленное рисование светом на длинной выдержке, или «фризлайт». Вы наверняка хоть раз, но фотографировали у ночной дороги. Щелчок затвора и в это время мимо проезжает машина. Камера немного задумалась и у вас на дисплее ночная дорога и два световых шлейфа — следа от автомобильных фар. Именно этими световыми шлейфами-следами мы и рисуем наши картины. Так, вкратце, можно объяснить механизм создания этих работ.
На выставке представлено 45 работ арт-проекта «Freezelight.ru». Жизнь этому арт-проекту дали два молодых человека — Артём Долгополов и Роман Пальченков. Именно они своим творчеством сумели убедить всех, что «фризлайт» может быть полноценным направлением в современном искусстве. Самая «вкусная» часть экспозиции — серия работ, созданная совместно с государственным Эрмитажем. В апреле 2010 года в стенах Главного Штаба, в которых шла широкомасштабная реконструкция, командой «Freezelight.ru», под руководством фотографа Юрия Молодковца были созданы 15 световых образов картин-шедевров французской живописи конца XIX - начала XX веков, таких авторов как Пикассо, Матисс, Сезанн, Дерен, Гоген и других. Эти фризлайт-работы были показаны 25 июня на гала-приёме в государственном Эрмитаже и получили высокую оценку. Арт-проект «Freezelight.ru» стали основателями целого фризлайт-движения в России и бывших союзных республиках. Сегодня более 150 тысяч человек, благодаря творчеству арт-проекта знают что такое «фризлайт» и умеют рисовать светом. Практически в каждом крупном городе нашей страны возникли команды из ребят, увлечённых рисованием светом. На молодёжном форуме «Селигер 2010» «фризлайт» выделили в отдельное направление, в рамках потока «АртПарад». В апреле 2010 Артём Долгополов и Роман Пальченков стали обладателями гран-при европейского фестиваля ARTAQ, призом в котором стала серия выставок в крупнейших городах Европы — Париж, Лион, Барселона, Лондон, Рим.
Первая из этих выставок откроется в ноябре 2010. Одновременно с открытием выставки начнется регистрация на посещение бесплатных мастер-классов по «фризлайту», которые проведёт арт-проект «Freezelight.ru»: Артём Долгополов, Роман Пальченков 
Выставочный зал ВМИИ открыт ежедневно с 11:00 до 19:00 (в летнее время) кроме понедельника
24-16-79
38-59-16
Во время проведения мастер-классов время работы зала продлится до 21:00

К 1910 г. складывается круг единомышленников с оригинальной философско-эстетической программой - Д.Бурлюк, В. Каменский, М. Матюшин, Е.Гуро - которым Хлебников дал имя "будетлян". Познакомившись в 1911 г. с В.Маяковским и Б.Лифшицем, Давид Бурлюк создает новое литературное объединение - "Гилея". В 1912 году совместно с Маяковским, Крученых и Хлебниковым выпускает программный манифест футуризма "Пощечина общественному вкусу".
В 1913-1914 годах он организует знаменитое турне футуристов по городам России, выступает с лекциями, чтениями стихов и прокламациями. Как автор и иллюстратор принимает участие в издании футуристических книг ("Рыкающий Парнас", "Требник троих", "Дохлая Луна", "Сборник единственных футуристов в мире"), в 1914 году - редактор "Первого футуристического журнала". В 1918 становится одним из издателей "Газеты футуристов". Член многих литературно-художественных объединений ("Синий всадник", "Союз молодежи", "Гилея", "Бубновый валет", "Общество Изобразительных Искусств").
Читающим наше Новое Первое Неожиданное.
Устаревшими были объявлены жалость, уважение к человеческой личности, романтическая любовь. Упоенные новейшими достижениями техники, футуристы стремились вырезать «раковую опухоль» старой культуры ножом техницизма и последних достижений науки. Гоночный автомобиль, «несущийся как шрапнель», представлялся им прекраснее Ники Самофракийской.
В современном мире их особенно зачаровывали скорость, мобильность, динамика, энергетика. Свои поэмы и картины они посвящали автомобилю, поезду, электричеству. «Жар, исходящий от куска дерева или железа, нас волнует больше, чем улыбка и слезы женщины»

Волгоградский Музей Изобразительных Искусств приглашает Вас 15 июля 2010 года в 16.00
НА ОТКРЫТИЕ ВЫСТАВКИ
«Непредсказуемый Бурлюк»: произведения живописи, графики из фондов ВМИИ
Выставка произведений Давида Давидовича Бурлюка – поэта, художника, одного из основоположников русского футуризма, теоретика и пропагандиста нового искусства – проводится в рамках 50-летнего юбилея Волгоградского Музея Изобразительных Искусств.
Произведения Бурлюка – одни из самых первых экспонатов музея, которые поступили в фонды как «дар автора» в 1960-х годах в период активного комплектования коллекции.
«С уважением и любовью музею Сталинграда от Давида и Marussia Burliuk» (надпись на подрамнике одного из произведений)
Футуризм – искусство будущего – одно из течений авангардизма, породившего множество иных направлений и школ: имажинизм Есенина и Мариенгофа, конструктивизм Сельвинского, Луговского, эго-футуризм Северянина, «будетлянство» Хлебникова, «ничевоков» - так ничего и не создавших.
Не случайно футуризм возник в Италии, стране-музее. «У нас нет жизни, а есть только одни воспоминания о более славном прошлом… Мы живем в великолепном саркофаге, в котором плотно привинчена крышка, чтобы не проник свежий воздух», – жаловался Маринетти.
«…Только мы — лицо нашего Времени. Рог времени трубит нами в словесном искусстве.
Прошлое тесно. Академия и Пушкин непонятнее иероглифов.
Бросить Пушкина, Достоевского, Толстого и проч. и проч. с парохода Современности.
Кто не забудет своей первой любви, не узнает последней…»
(Из программного манифеста футуризма "Пощечина общественному вкусу")
Экспозиция дополнена графическими произведениями сына художника Давида Давидовича Бурлюка, сопровождается мультимедией.
Тел. 38-59-15
Адрес: пр.им.Ленина, 21

2010 год – год России во Франции и Франции в России - Волгоградский музей изобразительных искусств отмечает красивой репрезентативной выставкой, демонстрирующей шедевры французского искусства.
Создавая новый выставочный проект под названием «Прекрасная Франция», наш музей впервые представляет на суд публики уникальные произведения, характеризующие три века французской культуры: с 17 до начала 20 века. На выставке представлено 37 гравюр, 12 живописных работ и 14 произведений декоративно-прикладного искусства, созданных великими мастерами Франции, такими, как Жак Калло, Клод Лоррен, Франсуа Буше, Оноре Домье, Поль Гаварни, Эдмон Лепуаттевен, Эмиль Галле.

Комитет по культуре Администрации Волгоградской области,
Волгоградский музей изобразительных искусств
представляют выставку «Прекрасная Франция»
Открытие 8 июля в 16.00 по адресу пр.Ленина, 21

2010 год – год России во Франции и Франции в России - Волгоградский музей изобразительных искусств отмечает красивой репрезентативной выставкой, демонстрирующей шедевры французского искусства.
Создавая новый выставочный проект под названием «Прекрасная Франция», наш музей впервые представляет на суд публики уникальные произведения, характеризующие три века французской культуры: с 17 до начала 20 века. На выставке представлено 37 гравюр, 12 живописных работ и 14 произведений декоративно-прикладного искусства, созданных великими мастерами Франции, такими, как Жак Калло, Клод Лоррен, Франсуа Буше, Оноре Домье, Поль Гаварни, Эдмон Лепуаттевен, Эмиль Галле.
Доминантой выставки является графика, в частности - произведения Жака Калло (1593-1635) – гравёра эпохи мушкетеров, великого художника, оказавшего огромное влияние на гравюру последующих эпох. В своих работах (из серии «Каприччи», 1613; «Ужасы и бедствия войны», 1633) он создавал образы, отмеченные острым гротеском и в то же время полные жизненной правды; его мастерство отличается виртуозностью. Калло изобрел технику повторного травления: ее использование придает коричневатому тону линий фигур особую глубину, бархатистость и выразительность.
Другой уроженец Лотарингии Клод Лоррен (1600-1682) вошел в историю мировой живописи как выдающийся мастер «идеального пейзажа», тонкой светопередачи. 
Творчество яркого представителя художественной культуры «рококо» Франсуа Буше (1703-1770) исключительно многогранно. «Первый живописец короля» Людовика XV был в том числе мастером гривуазных сцен, его графические наброски дамских фигур, исполненные в карандашной манере, дошли до нас через три столетия.    
Выдающуюся социальную графикусередины ХХ века представляют литографии Оноре Домье (1808-1879), который возвел жанр карикатуры в высокий ранг настоящего искусства. Листы из серий «Древняя история» (1843) и «Железные дороги» (1843) – редкая возможность увидеть настоящие раритеты. Сарказмом преисполнена газетная графика современника Домье - Поля Гаварни (1804-1866) – гравюры серии «Маски и лица». Основные стилевые особенности французской живописи 18-19 века , характерные для эпохи сентиментализма и. романтизма прослеживаются в произведениях Фредерика Мушерона «Пейзаж», 18 в., Эдмона Лепуаттевена «У старого маяка» сер. 19 в.
Искусство Франции часто ассоциируют с роскошью. Знаменитая французская бронза представлена парными канделябрами, часами, медальоном. Предметы сервиза из лиможского фарфора начала 20 века дополняют великолепные «камейные» вазы из многослойного стекла знаменитого мастера эпохи «модерн» Эмиля Галле (1846-1904).

Выставка предлагает приблизиться к великим достижениям культуры античного мира через призму знакомства с подлинными предметами из собрания музея.
Одна из знаменитых так называемых Берлинских богинь и любимый ученик афинского философа Герода Аттика эфиоп Мемнон, легендарный герой Геракл и самая прекрасная богиня Афродита, праздничное шествие олимпийских богов Аполлона и Артемиды в честь победительницы Ники и маленькая девочка, увлеченная любимой игрой античных детей, прелестный задумчивый взгляд неизвестной нам римлянки и брутальный облик императора Каракаллы. Все эти предстающие перед нами образы людей, подобных богам, и богов, похожих на людей, созданы мастерами-скульпторами Древней Греции и Древнего Рима два тысячелетия тому назад.
Открытые античными мастерами законы красоты и гармонии стали основой для культуры всей современной европейской цивилизации.
Приглашаем на интерактивные занятия на экспозиции «Люди и боги в произведениях античного искусства»

• "ЗАГАДКИ АНТИЧНОСТИ" для детей 8-13 лет
• "Альфа и Омега" русской фразеологии для детей 11-13 лет

Запись по телефону: 38-59-15

Комитет по культуре Администрации Волгоградской области,
Волгоградский музей изобразительных искусств
представляют выставку
«ЛЮДИ И БОГИ В ПРОИЗВЕДЕНИЯХ АНТИЧНОГО ИСКУССТВА»
Выставка предлагает приблизиться к великим достижениям культуры античного мира через призму знакомства с подлинными предметами из собрания музея.
Одна из знаменитых так называемых Берлинских богинь и любимый ученик афинского философа Герода Аттика эфиоп Мемнон, легендарный герой Геракл и самая прекрасная богиня Афродита, праздничное шествие олимпийских богов Аполлона и Артемиды в честь победительницы Ники и маленькая девочка, увлеченная любимой игрой античных детей, прелестный задумчивый взгляд неизвестной нам римлянки и брутальный облик императора Каракаллы. Все эти предстающие перед нами образы людей, подобных богам, и богов, похожих на людей, созданы мастерами-скульпторами Древней Греции и Древнего Рима два тысячелетия тому назад. Открытые античными мастерами законы красоты и гармонии стали основой для культуры всей современной европейской цивилизации.
Коллекция античной скульптуры Волгоградского музея изобразительных искусств представляет собой 20 слепков памятников, хранящихся в Берлинских государственных музеях – в Античном собрании Старого музея и в залах Пергамского музея. Спасенные из руин 1945 года и реставрированные в музеях Москвы и Ленинграда, подлинные памятники вернулись на Остров музеев в Берлине в самом начале 1960-х годов. К этому времени были выполнены высококачественные копии из тонированного гипса – слепки – совместно немецкими и советскими мастерами и переданы в дар жителям героического Сталинграда. В 1963 году при открытии для посетителей нашего музея слепки были показаны зрителям в одном из залов экспозиции. В 2010 юбилейный для музея год мы вновь объединили хранящиеся у нас слепки в зал античного искусства. Здесь же, в витринах можно увидеть предметы из глины и стекла, переданные из коллекции Эрмитажа в 1961 году. В знаменитом афинском квартале Керамик древние гончары из вязкой глины создавали тонкую и легкую посуду и вазы, покрывая их черным лаком, украшая декором и росписью. Традиции Греции продолжали мастера Южной Италии, расширив возможности декорирования ваз сложными сюжетными росписями с добавлением белой и желтой природных красок. Многие из предметов, представленных в экспозиции, были найдены во время знаменитых экспедиций-раскопок сотрудников Эрмитажа в причерноморских греческих городах-колониях, в частности, в богатой и процветающей Ольвии. Помимо собственно греческой керамики ранних стилей росписи и поздних приемов декора эллинизма, в раскопках обнаружены импортные сосудики из финикийского стекла, так называемые танагрские статуэтки, мегарская ваза, южноиталийские ритон-кубок для вина и рыбное блюдо. Все эти изящные вазы и сосуды – всего пятьдесят экспонатов – маленькие шедевры античной культуры, передавшие в двадцать первый век умение соединить полезное и красивое в предметах быта, достигая идеала прекрасной гармонии не только в торжественные и уникальные моменты, но в каждую минуту человеческой жизни.
Открытие античного зала 17 июня 2010 года.
Выставка размещена в Волгоградском музее изобразительных искусств по адресу: пр.им. Ленина, 21.
Время работы ежедневно, кроме среды, с 11-00 до 19-00
Телефоны: 38-24-44, 38-59-15

В названии серии «†вердь» художником зашифрована история о создании земли Господом, принятие Христом всех грехов человеческого рода, служение миру, людям, искренняя вера – дом, спасение, надежда… Это сплав веры и любви, противоборство света и тьмы, добра и зла.
Картины Коваля – это его сознание и вера, это необходимость строго определить свою позицию в окружающем мире.
Вопреки безначальному и бесконечному хаосу бытия, вопреки бесконтрольной власти случая, Владислав Коваль, как художник, сумел овладеть твердыми критериями ценности. Он познает и принимает мир в его целостности, единстве, вместе с тем в движении, в вечном противоборстве света и тьмы.

Комитет по культуре Администрации Волгоградской области
Волгоградский музей изобразительных искусств
Волгоградское областное отделение Всероссийской общественной организации «Союз художников России»
Волгоградский областной общественный благотворительный фонд «Царицынская муза»
представляют персональную выставку
Владислава Коваля
В.Коваль (г.р. 1949) окончил Московский полиграфический институт в 1976 году.
Член Союза художников России с 1981 года.
Живописец, график.
Владислав Коваль – автор нового направления в реалистической живописи –«Трансформер Арт», в котором художник работает 10 лет. За эти годы термин «Т-АРТ» принят культурной общественностью, укоренился в искусствоведческой среде, озвучен общероссийским каналом «Культура». Т-АРТ – театр, который заряжает зрителя высокой энергией. Это совместный труд человека-мастера и человека-зрителя, говорящего и внимающего, создателя и потребителя.
Произведения Коваля многомерны и многозначны. Они заставляют мыслить физически, трансформировать визуально, воспринимать вдохновенно. Пространство картины зритель может видоизменять сколь угодно раз и выстраивать свои композиции, образуя новые произведения, в соответствии со своим эмоциональным состоянием и духовными исканиями.
В названии серии «†вердь» художником зашифрована история о создании земли Господом, принятие Христом всех грехов человеческого рода, служение миру, людям, искренняя вера – дом, спасение, надежда… Это сплав веры и любви, противоборство света и тьмы, добра и зла.
Картины Коваля – это его сознание и вера, это необходимость строго определить свою позицию в окружающем мире.
Вопреки безначальному и бесконечному хаосу бытия, вопреки бесконтрольной власти случая, Владислав Коваль, как художник, сумел овладеть твердыми критериями ценности. Он познает и принимает мир в его целостности, единстве, вместе с тем в движении, в вечном противоборстве света и тьмы.
Кроме того, Владислав Коваль представлен как автор юбилейных знаков, логотипов для учреждений и общественных организаций города. Им разработаны гербы и флаги г. Волжского, Городищенского района, Волгоградского государственного университета, Волгоградского государственного педагогического университета. В этой работе он активно взаимодействует с геральдическим Советом при Президенте Российской Федерации.
В последние годы В. Коваль ведет активную творческую и выставочную деятельность. Кроме участия в традиционных общероссийских и региональных выставках, таких, например, как «Большая Волга» им проведено 8 персональных выставок: ноябрь 1999 - г.Волгоград, июнь 2000 - г.Волгоград, октябрь 2000 -Центральный Дом журналистов г.Москва, май 2001 - Центральный Дом художников г.Москва, июль 2001 - г.Волжский, январь, октябрь - г.Дубна Московской области, где демонстрировались работы, получившие всероссийскую известность.
Жизнь без начала и конца.
Нас всех подстерегает случай.
Над нами сумрак неминучий,
Иль ясность божьего лица.
Но ты, художник, твердо веруй
В начала и концы. Ты знай,
Где стерегут нас ад и рай.
Тебе дано бесстрастной мерой
Измерить все, что видишь ты.
Твой взор – да будет тверд и ясен.
Сотри случайные черты –
И ты увидишь: мир прекрасен.
Познай, где свет, - поймешь, где тьма.
Пускай же все пройдет неспешно,
Что в мире свято, что в нем грешно,
Сквозь жар души, сквозь хлад ума.
Отрывок из пролога к поэме «Возмездие»
А. Блок
Открытие античного зала 10 июня 2010 года.
Выставка размещена в Выставочном зале Союза художников по адресу: Краснознаменская ул., 6.

Коллекция Волгоградского музея изобразительных искусств не может полностью проиллюстрировать процесс зарождения, создания и изменения государственной символики в нашей стране. Однако, некоторые страницы истории российского герба и других государственных символов и знаков можно просмотреть, знакомясь с портретами российских императоров и других знаменитых государственных людей XVIII- XIX веков. Экспонаты выставки расскажут, как выглядели основные государственные регалии – корона, скипетр, держава, в каких случаях употреблялся малый герб Российской империи, как было расшито государственное знамя при короновании императрицы Елизаветы Петровны, что такое «орденский сервиз» и как носили самые известные российские ордена – на ленте на груди или на шее, в петлице.
Среди экспонатов выставки гравюры XVIII-XIX веков, которые редко демонстрируются зрителям из-за хрупкости бумаги, а также уникальный портрет Федора Никитовича Романова, созданный гениальным Ильей Ефимовичем Репиным.

Комитет по культуре Администрации Волгоградской области,
Волгоградский музей изобразительных искусств
представляют выставку
«СИМВОЛИКА РОССИЙСКОЙ ГОСУДАРСТВЕННОСТИ В ПРОИЗВЕДЕНИЯХ ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОГО ИСКУССТВА:
ИЗ ИСТОРИИ ГЕРБА И ДРУГИХ ГОСУДАРСТВЕННЫХ ЗНАКОВ И СИМВОЛОВ РОССИИ»
Выставка предлагает изучение истории Отечества через призму знакомства с подлинными произведениями изобразительного искусства из собрания музея.
Для истории российского герба важен сам факт: в 1497 году на государственной печати Ивана III на лицевой стороне изображен исконный московский знак - всадник на коне с копьем, поражающий дракона, а на обратной стороне появился двуглавый орел, каждая голова которого была увенчана короной. Уже к концу XVII века окончательно утвердился тип двуглавого орла и дано первое официальное описание нового государственного герба: орел царя Алексея Михайловича – это три короны над головами, скипетр и держава в лапах. Такой тип сохранился до Февральской революции 1917 года. Из этих основных элементов состоит и ныне существующий герб Российской Федерации, установленный Указом Президента в 1993 году и утвержденный законом, принятым Государственной Думой в декабре 2000 года. На протяжении сложного XX века двуглавый орел, как и история России, пережил различные изменения. Он перестал олицетворять российскую империю. Но остался символом суверенитета российского государства.
Коллекция Волгоградского музея изобразительных искусств не может полностью проиллюстрировать процесс зарождения, создания и изменения государственной символики в нашей стране. Однако, некоторые страницы истории российского герба и других государственных символов и знаков можно просмотреть, знакомясь с портретами российских императоров и других знаменитых государственных людей XVIII- XIX веков. Экспонаты выставки расскажут, как выглядели основные государственные регалии – корона, скипетр, держава, в каких случаях употреблялся малый герб Российской империи, как было расшито государственное знамя при короновании императрицы Елизаветы Петровны, что такое «орденский сервиз» и как носили самые известные российские ордена – на ленте на груди или на шее, в петлице.
Среди экспонатов выставки гравюры XVIII-XIX веков, которые редко демонстрируются зрителям из-за хрупкости бумаги, а также уникальный портрет Федора Никитовича Романова, созданный гениальным Ильей Ефимовичем Репиным.
Открытие выставки 10 июня 2010 года.
Выставка размещена в Волгоградском музее изобразительных искусств по адресу: пр.им. Ленина, 21.
Время работы ежедневно, кроме среды, с 11-00 до 19-00
Телефоны: 38-24-44, 38-59-15

Персональная выставка волгоградского художника Марии Антоненко
Открытие 21 мая в 16:00
Персональная выставка молодого волжского художника приурочена к замечательному юбилею - ЗО-летию со дня рождения. Редко кому из художников в такие младые лета удается представить не просто часть своих произведений, созданных в основном за последние три года, но и, с известной долей вызова и ответственности, дать своей выставке сильное жизнеутверждающее название «Мой мир». Вглядимся в него.
Живопись Марии Антоненко часто вырывается из ограниченного пространства картины, оставляя словно шлейф кометы след на раме, имея, кажется, непрерывное продолжение в пространство справа и слева, вверх и вниз. Часто и натюрморты («Маки. Контражур»; «Глина» из триптиха «Иллюзия восприятия действительности»), и пейзажи («Солнечное настроение в дождливый день»), и нагруженные философскими реминисценциями концептуальные вещи («Три века архитектуры») несут в себе зримые приметы идеи роста. Ее художническое состояние сегодня - состояние поиска. Свои идеи Антоненко черпает из различных эпох: ее интересует русский фольклор, храмовая архитектура, образы эпохи Возрождения и вызывающая привычное восхищение красота Венеции и Санкт-Петербурга, и африканские мотивы, которые соседствуют с редкими античными реминисценциями. Как и ее учитель, Заслуженный художник РФ В.Т.Коваленко, Маша склонна зашифровывать свои произведения, нагружать их смысловыми и декоративными ассоциациями.
Идея пути постоянно возникает у художника то на улочках средневекового города («Вечность»), где тонко и любовно прорисованные камни (одна из любимых фактур художника) слагают узкую витиеватую улочку, скрывающуюся за поворотом, - куда ведет она? То на широком проспекте , по которому потоком стремится к горизонту толпа неразличимо одинаковых серых дождливых зонтов. Их невыносимо угрюмое движение способно повергнуть в депрессию смотрящего, но ярко-желтый зонт-солнце на первом плане (почему-то не возникает сомнения, что он принадлежит самому автору) будит надежду на то, что распахнувшийся рядом черный парусом «некто», подарит «Встречу». Антоненко готова к новому, как кошка, присевшая в «Ожидании» на пороге освещенной двери дома. Но пока обращает вопросы в пространство, не смотрит глаза в глаза зрителю. Как, к примеру, в марине, где на берегу моря спиной к зрителю разместились в беспорядке шезлонги. Впечатление конца пляжного сезона. Но в центре прочно и упрямо стоит кресло с раскрытым зонтиком – это место непременно займет наш художник, который упрямо называет свою картину «Рано…». Пока Мария предпочитает показать свой профиль («Автопортрет в стиле ар-нуво»), где утверждает свое право на самодовлеющую декоративность, как качество органическое, внутренне необходимое. В изысканно-надменном профиле, горделивой посадке модели – безусловно воплощена идея самоутверждения. Россыпь тщательно прописанных драгоценностей заставляет вглядываться в огромные браслеты, перстни, броши и колье – в набивной богатой ткани. В драгоценные каменья неожиданно превращаются деревья и кружевные мостики в «Тенях Летнего сада», где прогуливаются мистические прекрасные дамы (три сестры?). Драгоценные всплески красок сообщают таинственное настроение картине «Маскарад». В этой изящной хрупкой женщине таится дух льва. Грозящее взрывом соединение несоединимого: миниатюрности, любование тщательно прописанными мелочами, и физически через полотна, как правило, больших размеров, ощущаемой экспансии мужского духа монументализма.
Виды русской храмовой архитектуры сегодня все чаще возникают на полотнах Антоненко. Это пока осторожное любование в русле декоративных исканий. Но определенно, что свою тропинку к Храму Маша уже протоптала, украсила цветами и готова взойти по лестнице, ведущей в небо.

Комитет по культуре Администрации Волгоградской области
Волгоградский музей изобразительных искусств
представляют персональную выставку волгоградского художника Марии Антоненко «МОЙ МИР»
Открытие состоится 21 мая (пятница) в 16.00 в Доме художника по адресу: ул. Краснознаменская, 6
Мария Антоненко родилась 22 апреля 1980 г. в г. Волжский, Волгоградской области.
В 2003 году с отличием окончила Волгоградский архитектурно-строительный Университет году по специальности «Монументально-декоративное искусство».
С 2002 г. – член Молодежной секции Союза художников России.
С 2007 г. – член Союза художников России. Творческая специализация, монументально-декоративное искусство (настенная роспись, мозаика, сграффито), живопись.
С 2005 г. преподаватель Волжского института экономики, педагогики и права, факультет «Дизайн среды». Преподавала также рисунок, живопись, цветоведение, историю искусства, МХК, ландшафтное проектирование. В 2007 г. старший преподаватель Волгоградского Государственного Педагогического Университета, кафедра «Рисунок и живопись». С 2008 г. преподаватель кафедры «Рисунок и живопись» Института Художественного Образования ВГПУ, назначена управляющим Системой Менеджмента Качества от этой кафедры.
С 1999 года принимает участие в выставках. К 2010 году их более 50-ти: 1Х Региональная выставка «Большая Волга» (Волгоград, 2000); Ежегодный региональный фестиваль «Молодые художники Северного Кавказа» (Ставрополь, 2001); Всероссийская молодежная выставка «Молодые художники России» (Москва, 2001-2002); Региональная выставка «Юг России» (Краснодар, 2003); Персональная выставка «Отражение» (Волжский, 2005); Всероссийская выставка, посвященная 100-летию М.Шолохова (Ростов-на-Дону, 2006) - Благодарственное письмо ВОО ВТОО «Союз художников России»; Региональная выставка «Между Волгой и Доном», посвященная 60-летию Победы в Великой Отечественной войне (Волгоград, 2006); Региональная выставка «Юг России» (Сочи, 2008); Выставка «Дни Волгоградской области в Москве» (Москва, Малый Манеж, 2008); Царицынский Александро-Невский православный фестиваль Международного фонда «Александр Невский» (Волгоград, 2008) - Диплом; Всероссийская Х1 художественная выставка «Россия» (Москва, 2009).
Картины Антоненко приобретены Волжским городским краеведческим музеем, Волжской городской картинной галереей, а также частными коллекционерами в России и Германии.

05.05.2010 - 10.09.2010

Кукла в жизни наших предков играла важное значение. Она была предметом внимания не только детей, но и взрослых. С незапамятных времен, как свидетельствуют этнографические и фольклорные источники, закреплялись за куклой магическая и охранительная функции. Очевидна ее связь с персонажем языческой мифологии - Богиней – Матерью, олицетворяющей возрождение жизни.
Кукла – как символ - становилась участницей многих ритуальных обрядов и праздников. В центральных губерниях их преподносили молодоженам в качестве подарка, с пожеланием хороших детей.
Благожелательным символом, знаком счастья и прибыли, пожеланием потомства были в раде губерний домашние семейные куклы, которых делали на масленицу в домах молодоженов. Такая небольшая тряпичная кукла держала на руках ребенка. Этих кукол, нарядно одетых, в праздничные дни сажали на окно или крышу дома в знак призыва солнца и весны. Их не сжигали на костре, как большое соломенное чучело, а хранили много лет.
Особенные ритуальные куклы – Кострома, Кукушка, Русалка изображали мифических персонажей весенне-летних обрядов. Они знаменовали переход к весенне-летнему циклу. Делали их из веток, трав, цветов в виде чучела (иногда на шесте). С ними участники обряда обходили село, устраивали хороводы, игры после чего «хоронили». Кукла являлась участницей обрядов, имевших магический смысл: передавать весеннюю силу растительности, новому урожаю.
Своеобразна роль ритуальной куклы, но более известна и любима кукла в качестве детской игрушки. Игра и игрушка это часть народной традиции. В далеком прошлом с их помощью приучали детей к труду. Куклы были необходимы, чтобы передать накопленный трудовой опыт. Считалось, что детские игры могут помочь обрести богатство, счастливый брак или же, наоборот, принести несчастье. В народе замечали, когда дети много и усердно играют, в семье будет прибыль, если же небрежно – беда. Верили, что игрушки охраняют детский сон и покой, поэтому как оберег клали их рядом с ребенком. Кукла была символом продолжения рода, игра в куклы особенно поощрялась.
Благодаря тряпичной кукле ребенок с ранних лет усваивал значение женщины – матери, ее функцию даровать жизнь, вскармливать, воспитывать в строгой любви, предавать традиции. Образ, даже самой схематичной куклы, был реален. Он отражал типические характеры, профессиональные интересы, национальный и социальный менталитет. Так воспитывалось уважение к образу жизни семьи и коллективу односельчан, интерес к проявлениям иной культуры. В образе тряпичной куклы воплотились народные представления о женской красоте: стать и полнота, коса до пояса, белое лицо. Не зря кукла была эталоном женского мастерства, лучшим праздничным подарком.
Тряпичная кукла давала ребенку свободу для искусства и не только в игре, где ребенок отражал свой растущий опыт, но и в освоении трудовых навыков. Девочки - подростки стремились сделать кукол красивыми, затейливыми (кукла на «выхвалку»). Куклы давали возможность самоутвердится среди ровесниц. Их брали на посиделки, чтобы продемонстрировать навыки изготовления текстиля, шитья, вышивания. Девушка на выданье изготовляла куклу как автопортрет, на масленицу закрепляла ее на заборе, за воротами. Так она обращала внимание односельчан не только на умение рукодельничать, но и на собственную красоту. Таких кукол старались нарядить богаче, копировали детали костюма и головной убор, характерный для того или иного района, украшения (монисты, серьги, бусы). Богатая одежда и убранство, внешне являясь символами праздничности, идейно были отражением сущности пожеланий достатка. Нарядных кукол дарили детям к праздникам, молодоженам на свадьбу. Так создавался поэтический, идеализированный образ женской красоты. На свадьбах кукла была символом самой девушки и ее чистоты («девья краса»). Молодые замужние женщины играли с куклами до рождения первого ребенка и оберегали их. Кукол передавали по наследству, клали в приданое, хранили в специальных коробейках, приучали детей не оставлять их на улице, не разбрасывать по дому. Считалось, чем больше кукол, как и детей в доме, тем лучше. Куклы связывались с идеей плодородия, благополучия, добра.
Кое-что о народных куклах
Русалочка
Обрядовая кукла русалочка делалась из коры дерева на русальной неделе, или на праздник Русалия, связанный с гаданиями на травах и на воде. Это праздник цветов, молодости, девичества, воплощающий ожидание любви.
Русалки – девы-нимфы, обладающие вечной молодостью и красотой. Волосы у русалок длинные, зелёные, густые, прикрывающие всё её тело. Они живут на земле и в воде; после Троицы выходят из воды, сидят по берегам рек – расчёсывают волосы и вплетают в них травы, да заводят свои девичьи хороводы в реках, отчего вода вздымается, ходит кругами.
Подражая русалкам, девицы приходили к рекам и озёрам в рубахах, распускали волосы, вплетали в них травы и цветы, водили хороводы и пели русальные песни. Девушки – русалки в эти дни гадали на суженых, плели венки и бросали их в воду – чтобы задобрить русалок и чтобы те не трогали их суженых.
Куколок–русалок развешивали на ветках ивы и берёзы по берегам рек и озёр в дар русалкам.
Кукушка
Кукушка- символ гадания. Считалось, что она отгадывает женскую судьбу.
В народных поверьях кукушка была загадочной птицей: без пары, одинокая- то ли сирота, то ли вдова, обернувшаяся серой птицей. Существовала примета: если услышишь сначала соловья, потом кукушку- весь год будет счастливым; если весной впервые услышал кукушку- надо потрясти кошельком, чтобы в нем деньги водились.
Кукла Кукушка (Тульская губерния) была связана с древним обрядом посвящения девочек в девушки, во взрослую жизнь- обрядом «отказа от кукушества»: девочки, прощаясь со своим детством, давали обещание не быть кукушкою, т.е. не быть плохой матерью.
Кукла делалась девочками 12 лет на праздник Вознесения из травы кукушкины слезы под руководством вдовой старухи. Несколько девочек собирали траву для изготовления куклы, аккуратно складывали стебель к стеблю. При этом нельзя было сломать стебель и оторвать корень. Куклу делали все вместе, обвязывая стебли красной нитью. Каждая девочка стремилась внести в создание куклы что-то свое. Самая древняя кукушка- из травы в темном платке. Позже появилась кукла из травы, одетая в яркую поневу, передник, но в темном платке. Еще один вариант куклы кукушки- образ женщины немолодой, возможно вдовы, одетой неярко.
На Вознесение проводился и обряд «похороны кукушки». На полянке выкапывалась ямка и устилалась травой. Хоронили куклу кукушку, которую в тот же день делали девушки. Куклу клали вместе с подарками девушек (кольцо, платочек и т.д.), загадывая желания на год. Кукушку присыпали, травой, землей, примечали место. Куклу откапывали через 10 дней, на Троицу и смотрели на свои подарки. Если в кольцо заползал муравей, то девушка выйдет замуж. Свои вещи с кукушки снимали и куклу сажали на дерево.
Девушки через кукушку «кумились»- выбирали подружку на целый год. Наряженную куклу ставили под берёзку, свивали над ней дугою ветки. На эти ветки вешали свои крестики девочки, желающие покумиться. Затем они целовались в дуге из веток, приговаривая: «Ты кума, я кума» и обменивались крестиками и куклами. После этого девушки дружили целый год и не ссорились. На следующий год можно было выбрать эту же подружку или другую.
Информатор Агаева И.В.

Выставка знакомит с работами, созданными мастерами клуба народной куклы «Крупеничка», действующим при музее изобразительных искусств. Куклы выполнены по технологиям, освоенным участницами клуба за последний год, на мастер- классах народных мастеров России И.В.Агаевой (г. Тула), М.А.Сысоевой (г. Череповец), Е.И. Вернидубовой (г. Камышин). На выставке также представлены авторские интерпретации и разработки кукол. На экспозиции зритель может увидеть около 200 работ семнадцати мастериц.
Основу выставки составляют куклы календарно- обрядового цикла. С давних времен природный календарь земледельца определял жизнь человека на земле. Четыре солнечных фазы разделяли год на четыре времени года- им соответствовали главные древнейшие праздники: зимний солнецеворот – зимние Святки, весеннее равноденствие-Масленица, летний апогей Солнца- Иван Купала и осеннее равноденствие- Осенины. С принятием христианства на Руси в употребление вошел церковный месяцеслов. Многие церковные праздники совпадали с народными, потому древние обычаи и обряды не исчезли полностью, а продолжали жить, так как накрепко были связаны с сельским укладом, с матерью-землей.
Важное значение в жизни наших предков играла кукла. С незапамятных времен за ней были закреплены магическая и охранительная функции. Очевидна ее связь с персонажем языческой мифологии Богиней-Матерью, олицетворяющей возрождение жизни. Кукла, имеющая символический смысл, становилась участницей многих ритуальных обрядов и праздников.
Открывает экспозицию коллекция «Времена года» (Т. Ларичева), обрядовые куклы зимнего цикла «Меланки», «Спиридон-Солнцеворот» (Е.Кузнецова, Л.Агеева, Л.Иванова), «Домашняя масленица» (В.Шевченко).
Весеннему циклу посвящены «Птица-Пава» (Н.Глаголева), «Веснянка» (Н.Жданкина, Н.Желанкина), «Пастушок (Л.Агеева, Л.Десятиркина), пасхальные композиции (Н.Жданкина, Т.Ларичева, Н.Глаголева), «Вербница» (Н.Кононенко, Л.Агеева), «Пасхальный зайчик» и «Пасхальная голубка» (Н.Кононенко).
Троичные обрядовые куклы «Кукушка», «Русалка» (В.Шевченко, Н.Жданкина), «Березка» (Н.Глаголева, Е.Кузнецова) знаменуют переход к весенне-летнему циклу.
Обрядовая кукла «Ярило» посвящалась языческому богу Солнца. Ярилины именины в центральной России праздновали с 12 по 15 июля. Куклу ставили на пригорке и просили, чтобы солнце принесло больше теплых дней для созревания урожая.
Интересны обрядовые куклы летнего календарного цикла «Суховейка» и «Мокредина». Назначением первой было вызывать дождь во время засухи, а второй- прекращать сырость.
Особый интерес представляет раздел выставки, посвященный русским святым Петру и Февронии- покровителям влюбленных, семьи. Оригинальные образы Петра и Февронии создала Е.Малова, а Е.Анисимова представила свадебную тульскую куклу «Петр и Феврония».
Осенний календарь представлен куклами «Рябинка» (Н.Жданкина), «Покосница» (Е.Анисимова, Н.Жданкина), «Стригушка», «Филипповка» (В.Шевченко).
Интересны авторские куклы Т.Гартурнг, Н.Кононеко, а также работы, выполненные по мотивам игрушек Сергиева Посада- «Барыни» А.Фроловой и Е.Маловой.
На выставке представлены предметы декоративно- прикладного искусства из фондов ВМИИ, в том числе Филимоновская, Дымковская, Сергиево-Посадская игрушка.
Красочная, жизнерадостная атмосфера выставки позволит создать праздничное, весеннее настроение и приобщиться к миру традиционной русской культуры.
Желающие освоить навыки изготовления народной куклы могут посетить «День мастера» 21 мая с 12.00 до 16.00 в Волгоградском музее изобразительных искусств.
Выставка будет работать с 29 апреля до 12 июля 2010 г.
Адрес музея: пр. Ленина, 21, время работы 10.00-17.30 (кроме среды); т. 38-24-44

Илья Иванович Машков (1881-1944)- один из ведущих мастеров отечественной живописи 20 в., наиболее ценимых в мировом художественном пространстве. Сегодня он воспринимается, прежде всего, как знаковая фигура русского авангарда, один из лидеров модернистской группировки «Бубновый валет». Однако специфика творческой судьбы Машкова состоит в том, что он следовал за эволюционными ходами русской культуры, сохраняя устойчивость своих основных принципов. Именно с этой стороны раскрывается мастер в собрании Волгоградского музея изобразительных искусств (ВМИИ).
Масштабность феномена Ильи Машкова является причиной его труднообозримости. Он многолик. В его судьбе оказались спрессованы патриархальные традиции и новаторство, столичное и провинциальное, «роман с властью» и сосредоточенное отшельничество в мастерской, решительные прорывы и потери. Это был человек, наделенный феноменальной энергией и трудоспособностью, всю жизнь он работал на пределе возможностей.
Художник, педагог, литератор, общественный деятель, он предстает то дерзким бунтарем, то упорным учеником; то напористым борцом, то проникновенным лириком; то отважным мечтателем, то расчетливым практиком; то праздничным, то суровым; то мудрецом, то гедонистом; то нарушителем правил, то хранителем устоев; то преуспевающим маэстро, то шокирующим приличную публику оригиналом. Творческий путь художника отмечен экстремистской резкостью. Искусство Машкова отразило драматическую судьбу русской культуры 20 в. Он принадлежал к поколению, пережившему (и осуществившему) смену культурных кодов, сформировавшихся в одной культуре, но живущих в иной системе ценностей.
Работы Машкова из собрания ВМИИ последовательно обращают нас к традициям Серова (“Портрет девочки»), модерна («Тюльпаны на блюде»), модернистским исканиям, сезаннизму («Портрет А.И.Мильмана»), новому приближению к реальности, «вторичному импрессионизму» («Степь.Репейник»), проблематике социалистического реализма («Советские хлебы»), глубокому освоению традиций классического искусства («Натюрморт. Черешня»), суровому документализму военного времени («Портрет генерал-майора медицинской службы А. Р. Злобина»). Однако именно диапазон колебаний дает возможность обнаружить то неизменное ядро представлений, которое Машков проносит через всю жизнь. В стремительно меняющемся контексте он сохраняет свой голос – мужественный, сильный, энергичный, искренний.
Выставка И.И.Машкова приурочена к 50-летию с момента организации Волгоградского музея изобразительных искусств (20 апреля 1960 г.) Именно собрание произведений этого мастера составляет гордость коллекции ВМИИ, в большой степени определяет лицо музея. Сегодня мы можем гордиться тем, что обладаем одной из самых значительных и своеобразных коллекций произведений мастера. В него входят 38 живописных и 60 графических работ- от самых ранних до самых поздних. Собрание произведений Машкова в ВМИИ- результат усилий нескольких поколений музейщиков. Начало коллекции было связано с рождением музея. Вскоре после его открытия Дирекцией художественных фондов (Москва) были переданы два натюрморта мастера («Натюрморт. Черешня», «Натюрморт на синем фоне»). На протяжении десятилетий одним из важнейших приоритетов собирательской политики музея было приобретение работ Машкова, его соратников и учеников. Большая часть коллекции оказалась в музее в течении 1970-1980-х гг. В нее входят как знаменитые, часто публикуемые произведения («Новодевичий монастырь»), так и работы менее известные, не имеющие аналогов в иных собраниях, но не менее важные для понимания феномена художника («Привет 17 съезду ВКП(б)»). Коллекция дополняется богатейшим архивом и предметами из мастерской художника. Особую ценность представляют работы 1930-х гг., написанные Машковым в наших краях, у себя на родине в станице Михайловской.
Илья Машков- наш земляк. Он родился 17 (29) июля 1881 г. в казачьей станице Михайловской (сейчас в составе Урюпинского района Волгоградской области). Долгие годы он прожил в Москве, стал профессором живописи, неоднократно путешествовал по миру. Однако на протяжении всей жизни он сохранял особые взгляд на мир и художественный язык, связанные с его народными корнями. Живопись Машкова- наиболее яркое воплощение в искусстве «духа местности», характера нашего края. Именно дух народного творчества, представление о красивом как о здоровом, сильном и делают искусство Машкова неповторимым, узнаваемым как в авангардной, так и в соцреалистической среде.
В жанровом отношении живописное собрание ВМИИ отражает пристрастия художника- одного из лучших русских мастеров натюрморта. Машкова отличают повышенный интерес к предмету, «плоти жизни», объему, вылепленному цветом («Фрукты с сельскохозяйственной выставки»). Основная идея искусства Машкова- утверждение предметной роскоши мира, величия самой жизни. Илья Машков— художник, обладающий счастливым даром острого, раблезианского переживания празднества бытия. Щедрости его натуры соответствуют избыточность цвета и масштаба, насыщенность композиций, огромные размеры мазка. Его картины, проникнутые могучим оптимизмом, несут отпечаток его личности. Его мир- роскошный, плодоносящий, достигший расцвета, населенный могучими героями, плодами и цветами («Колхозница с тыквами»). Машков стоит в ряду выдающихся колористов русского искусства. Сам процесс живописи, жизнь цвета наполняются для него глубоким смыслом. Живописное действо, длящееся на наших глазах, является метафорой движения, дыхания живой материи.
Большое количество рисунков одного из самых живописных русских художников позволяет прояснить отношения мастера с натурой и с ремеслом. Машков- один из лучших мастеров пластического рисунка («Женский торс»). Огромную ценность имеют портретные серии 1920-1930-х гг., запечатлевшие лицо эпохи («Голова девушки в красной косынке»).
Машков в нашем собрании выступает не только как художник - многогранный и парадоксальный. Благодаря архиву 1930-х гг., мы видим страстного общественного деятеля. Он жаждал социальной реализации, выступал как педагог, историк своего края, видел себя преобразователем мира, что, безусловно, накладывало отпечаток и на его творчество. Этот период жизни художника связан с героическими попытками реализации утопичного и грандиозного проекта, направленного на превращение своей родной станицы Михайловской- к тому моменту обнищавшей, разоренной, пережившей расказачивание, раскулачивание, стопроцентную коллективизацию- в образцовый городок социалистической культуры. Центром преобразований должен был стать Дом Социалистической культуры (ДСК), открытый в здании недействующей Сретенской церкви (см. «Площадь в станице Михайловской»). В то же время Машков разрабатывал планы культурного строительства и развития художественного образования в Сталинградском крае, неоднократно ратовал за создание в Сталинграде художественного музея. Точно отвечая духу времени, план строительства «города будущего» наглядно раскрывает качества личности самого художника, проявляемые им и в живописи, и в преподавании: максимализм, основательность, масштабность, решительность, желание быть востребованным. Личность Машкова демонстрирует редкостное единство всех проявлений.
Имя Ильи Машкова много значит для Волгоградского музея изобразительных искусств. Собрание его работ является ядром коллекции советского искусства ВМИИ. Оно дает возможности для целостного прочтения феномена художника и изучения живописно-пластических и социокультурных аспектов его творчества.
Сегодня обнаруживается острая нехватка ценностей, концентрировано присутствующих в его искусстве и жизненном опыте: идея служения большой цели и искренность, полновесный профессионализм и личная ответственность, благородство и воля к победе, инициативность и непрерывное самосовершенствование. Обращение к ним особенно важно сегодня, в пору определенного оскудевания личностного начала в культуре. Илья Машков— универсальный художник и человек богатырского склада, знаковая фигура для своего времени и пространства.

Выставка открылась в день 50-летия с момента выхода постановления об организации в Волгограде музея изобразительных искусств (20 апреля 1960 г.). Именно собрание произведений Ильи Ивановича Машкова (1881-1944) составляет гордость коллекции ВМИИ определяет лицо музея. Волгоградский музей обладает не только одной из самых значительных региональных коллекций произведений художника, но и ценным архивом 1930-х гг., предметами из его мастерской.
Илья Машков- наш земляк. Он родился 17 (29) июля 1881 г. в казачьей станице Михайловской (сейчас в составе Урюпинского района Волгоградской области). Он остается самым значимым художником- уроженцем наших мест, вписавшим особую страницу в историю русской культуры. Машков получает известность как один из самых ярких и самобытных героев авангарда, организатор общества «Бубновый валет». С 1910-х гг. его работы приобретаются Третьяковской галерей, получают международное признание.
Творческий феномен Машкова многолик. В его судьбе оказались спрессованы патриархальные традиции и новаторство, столичное и провинциальное, «роман с властью» и сосредоточенное отшельничество в мастерской, решительные прорывы и потери. Человек по-ренессансному одаренный: художник, педагог, литератор, общественный деятель, он предстает то дерзким бунтарем, то упорным учеником; то напористым борцом, то проникновенным лириком; то отважным мечтателем, то расчетливым практиком. Будучи в молодости одним из самых радикальных модернистов, в зрелые годы он оказался хранителем традиций классической живописи, создателем огромной школы. За жизнь он выучил более двух тысяч учеников. Творческий путь художника отмечен экстремистской резкостью. Его искусство запечатлело эпоху потрясения основ и колоссального исторического оптимизма. Следуя за эволюционными ходами русской культуры он сохраняет художественную индивидуальность, неповторимую авторскую интонацию, свое видение мира в унифицирующей среде.
Во всех начинаниях он демонстрирует решительность, максимализм, щедрость, горячий энтузиазм, практичность, открытость, настойчивость. Максимализм проявлялся в той высокой планке, которую он ставил в отношении своего искусства, своей жизни в целом. Он увлекался борьбой, музыкой, со студенчества преподавал, брался за за монументальные произведения, писал историю родного края, активно участвовал в его судьбе.
Долгие годы он прожил в Москве, стал профессором живописи, неоднократно путешествовал по миру. Однако на протяжении всей жизни он сохранял особые взгляд на мир и художественный язык, связанные с его народными корнями. Живопись Машкова- наиболее яркое воплощение в искусстве «духа местности», характера нашего края. Именно дух народного творчества, представление о красивом как о здоровом, сильном и делают искусство Машкова неповторимым, узнаваемым как в авангардной, так и в соцреалистической среде.
Живописное собрание ВМИИ отражает пристрастия художника- одного из лучших русских мастеров натюрморта. Основная идея искусства Машкова- утверждение предметной роскоши мира, величия самой жизни. Его картины, проникнутые могучим оптимизмом, несут отпечаток его личности. Его мир- роскошный, плодоносящий, достигший расцвета, населенный могучими героями, плодами и цветами («Колхозница с тыквами»). Машков стоит в ряду выдающихся колористов русского искусства.
Обращение ценностям, заложенным в искусстве Машкова, особенно важно сегодня, в пору определенного оскудевания личностного начала в культуре. Илья Машков— универсальный художник и человек богатырского склада, знаковая фигура для своего времени и пространства.
Сегодняшняя экспозиция с максимальной полнотой дает представление о Волгоградском собрании Машкова, демонстрируя его живописные и графические произведения. В их числе есть самые ранние работы, созданные в пору учения у В.А.Серова, К.А. Коровина, А.М.Васнецова. Зритель может познакомиться с одними из самых прославленных его произведений, таких как «Новодевичий монастырь», «Портрет А.И.Мильмана». На выставке представлены и работы, написанные во время пребывания художника у себя на родине в 1930-е гг. В тот период Машков был поглощен реализацией грандиозного проекта по преобразованию станицы в образцовый городок социалистической культуры. В выставочном пространстве соседствуют итоги модернистских исканий и «девушки в красных косынках». На выставке представлены и одни из самых последних работ мастера, написанные во время войны в военном госпитале, которые зритель может увидеть не часто.
Экспозиция объединяет художественные произведения искусства из фондов музея, фото-, видео- и текстовые, документы, инсталляции, музыку, подлинные предметов из мастерской И.И.Машкова, создавая объемный образ художника. Информационная насыщенность, разнообразие впечатлений делает выставку познавательной и занимательной одновременно. Широта затрагиваемых аспектов делает экспозицию интересной для широкой аудитории: студенческой, взрослой, школьной, семейной.
В рамках работы экспозиции будут проводиться концерты, лекции, диспуты, творческие лаборатории, мастер классы. Работа выставки призвана послужить площадкой для общения музейщиков, художников, литераторов, музыкантов, преподавателей, учащихся.
Выставка работает по адресу пр. Ленина, 21. 10.00-17.30, выходной- среда. 38-24-44

Наталья Рухлина- «золотое звено» в респектабельной, давно известной в Волгограде и в России художественной династии Рухлиных (родители - волгоградские скульпторы Владимир Александрович и Валентина Николаевна Рухлины, дочь Валентина Белякова – студентка Астраханского художественного училища). Героиня выставки на протяжении последних десяти лет стала достаточно известным экспозиционером, чьи произведения обладают узнаваемой живописной образной системой, которая отличается повышенной декоративностью, эмоциональностью и чувственной, буквально осязательной «теплотой».
Признанный колорист Наташа отдает предпочтение сочным жизнерадостным краскам, среди них итальянская желтая, бирюзовая, красная московская. Она наслаждается живописью как гурман вкусной едой. И этот вкус со смаком передают полотна «Тыквы», «Капуста», «Сливовый август». Рухлина физически распространяет вокруг себя чувство уюта, веселья, человеческой комфортной основательности . С ней, право, не пропадешь. Вспоминаются голодные времена в Гусевке (Пленэр-2008), когда «добытчица» Рухлина буквально кормила наших художников, принося с садов и огородов простую крестьянскую еду, которой именно ЕЁ угощали очарованные сельчане
В творчестве Наташи Рухлиной мало портретов, нет автопортретов, ее интерес к жизни, к людям персонифицируется…в ДОМИКАХ! Где бы ни была наша замечательная художница, ее глаз прежде всего улавливает и выделяет лица домов. Их «необщее выражение» подчеркивают подведенные глаза наличников окон или нахлобученные крыши в виде диковинных головных уборов, они могут быть скромными , прячущимися в за деревьями («Дача художника Кардовского в Переяславль-Залесском», или склонными к эпатажу («Дом художника Петрова-Водкина»), треснутыми, словно от заскорузлой старости самой хозяйки («Домик бабушки Дуси»), или по-казачьи бравыми.

Маршрут выставки проходит по городам: Астрахань, Волгоград, Элиста, Ставрополь, Майкоп (Адыгея), Ростов-на-Дону, Москва. Это своеобразный отчет «восьмидесятников» выпускников Астраханского художественного училища им. П.А. Власова за 30 лет творческой деятельности. Выставка посвящается 110-летию со дня основания училища. Экспонируются 60 работ 6 живописцев: Глазкова В.Ф.; Приказчикова С.А. Заслуженного художника России; Юшина В.П. из Астрахани; Шолоха В.П. Заслуженного работника культуры РФ из Волгограда; Монтышева В.Н. Заслуженного деятеля искусств Калмыкии, Лауреата Национальной премии Калмыкии «Улан Зала»; Шиняева Н.У. Заслуженного художника России, Заслуженного деятеля искусств Калмыкии, Лауреата премии Комсомола Калмыкии, Лауреата Национальной премии в области современного изобразительного и декоративного искусства России, обладатель большой серебряной медали «Русская галерея XXI век» из Элисты республика Калмыкия.
На выставке представлены основные жанры изобразительного искусства: пейзаж, натюрморт, жанровые картины.
Основная идея выставки – единение народов, населяющих Юг России. Художники считают, что посредством искусства легко найти общий язык между людьми различных национальностей, так как мир, любовь, созидание, добро являются для всех главными человеческими ценностями.
Организаторы выставки приглашают к сотрудничеству коллег из республик и городов Южного Федерального округа.
Выставка будет работать в Волгограде до 10 ноября 2010 года.
Время работы: с 10:00 до 18:00, кроме понедельника.
Тел. 24-16-79. Выставочный зал ВМИИ, ул. Чуйкова, 37.

15 октября 2010 открывается персональная выставка Народного художника России Петра Чаплыгина «Четырехсотлетие Романовых».
В экспозиции представлены скульптурные работы, живописные произведении, декоративно-прикладное искусство.
Настоящая выставка является итогом работы мастера за много лет, но в центре внимания и главное действующее лицо – династия Романовых.
Объять одним взглядом три века истории России и воплотить посредством искусства скульптурного портрета ее творцов, дано не каждому. Петр Чаплыгин усложнил задачу до предела и справился с ней, определив очередной весомый творческий и сознательный этап своего высокого мастерства.
Одиннадцать репрезентативных портретов выполнены самостоятельно на всех этапах: построение объёмной формы, пластическая моделировка, разработка силуэта и фактуры, в некоторых случаях – цвета, обжиг, сложная технология гальванопластики. Высокая концентрация чувств и мыслей о судьбе России семь долгих лет обретала материальное воплощение. Ни одного лишнего слова, штриха, ни лукавства, ни мелочей. Правда, итог, характер, дух, сила…
Технология гальванопластики выбрана Петром Чаплыгиным неслучайно: все от начала до конца рукой одного мастера, дабы не потерять при работе литейщика мельчайших штрихов, манеру лепки и точность, а значит саму суть.
Образы российских императоров, от Петра I, обладающего броской выразительностью и торжественностью до Николая II, решенного в гражданственной простоте, созданы в жанре парадного портрета. Это сплав социальных, политических, религиозных, этических и эстетических воззрений, который и определил для скульптора характер каждой личности, продиктовал манеру изображения. Этот проект – не столько рассуждения художника о конкретном императоре-человеке, сколько представление об эпохах и их идеалах, диалог прошлого, настоящего и будущего, дань памяти и противовес современности, форма размышления о мире.
Банальные, но необходимые в изобразительном искусстве критерии достойного произведения – убедительность формы и глубина содержания – здесь неразделимы. Форма убеждает мощью, уверенностью правдиво и честно, а сама суть – бездонна, своя для каждого, полна до краев для размышлений, ведь настоящее искусство должно не убаюкивать красотой и гармонией, а задевать и трогать интеллектуально или эмоционально, тревожить и беспокоить.
Выставка открывается 15 октября 2010 в 16.00 в Доме художника (ул. Краснознаменская, 6)

Участники:
Антоненко Мария Юрьевна, живописец. Член СХР РФ.
Денисова Елена Михайловна, график. Член СХР РФ.
Дмитриенко Олег Дмитриевич, график.
Ермоленко Галина Юрьевна, живописец. Член СХР РФ.
Завьялова Эльвира Максимовна, живописец, график. Член СХР РФ.
Зотов Геннадий Фёдорович, живописец. Заслуженный художник РФ. Член СХР РФ.
Зотова Лариса Ивановна – живописец. Член СХР РФ.
Князева Олена Владимировна –живописец.
Ковешникова Татьяна Васильевна – живописец.
Колышев Юрий Богданович – график. Член СХР РФ.
Коссович Елена Евгеньевна – художник декоративно-прикладного искусства. Член СХР РФ.
Куликов Александр Георгиевич – живописец.
Макаров Валерий Васильевич – живописец. Член СХР РФ.
Макарова Марина Алексеевна – живописец. Член СХР РФ.
Пугачёв Павел Станиславович – график. Член СХР РФ.
Рухлина Наталья Владимировна – живописец. Член СХР РФ.
Самарина Лариса Юрьевна - живописец. Член СХР РФ.
Сорокин Юрий Константинович – живописец. Член СХР РФ.
Такташев Хизбулла Нурадинович – живописец. Член СХР РФ.
Ушакова Наталья Юрьевна – график. Член СХР РФ.
Юнак Владимир Александрович – живописец. Член СХР РФ.
Седьмой пленэр, который проводит на территории Волгоградской области Волгоградский музей изобразительных искусств, (и 15 с 1994 г., что проводится на средства Администрации Волгоградской области) удался необычайно. После Урюпинского, Алексеевского, Клецкого, Ольховского района мы снова двинулись на северо-запад в прекрасные земли Новой Анны. Старинные казачьи станицы Филоновская, Ярыженская, Березовская, поэтичные уголки города Новоаннинского, прекрасные виды рек Бузулук и Перевозинки  стали объектами художественных отражений. Около 20 этюдов создал каждый из участников пленэра, что-то останется в мастерских в качестве «дневниковых заметок», другое останется на память как непосредственная эмоция, впечатление, о котором однажды захочется вспомнить, а главное - превратится в картину, предназначенную для выставки, такой, к примеру, как сегодняшняя, где Вашему вниманию предлагаются более ста произведений , воспевающих новоаннинские земли. Наших художников «забрасывало» на крышу элеватора агрохолдинга «Новоаннинский», откуда открывался потрясающий вид с высоты птичьего полета на небо, развилки дорог, интенсивное движение и хорошенькие домики. Новая церковная архитектура центра района  гармонично соседствует с древними Свято-Троицкими Филоновским и Березовским храмами. Сохранившие свой аутентичный облик с середины 19 века дома, мосты, железные дороги уютно дополняют друг друга, перекликаясь с новой, порой весьма специфичной архитектурой, преисполненной вычурных форм и сказочных допущений.
Бывший пионерский, ныне оздоровительный лагерь «Золотой колос» сохранил правильное детское питание, доперестроечную чистоту территории, звонкость речевок (когда в столовой три раза в день кричат «Художникам приятного аппетита»!), привнес и в нашу жизнь безумную энергию новой молодежи, которая может жить только под очень громкую музыку. Было приятно видеть, что этим молодым интересно изобразительное , демонстрируемое на наших мастер-классах, лекциях, конкурсах и пленэрных штудиях.
Но самое главное (главное!) - это восхитительная природа среди которой довелось жить. В соснах, с озонным воздухом, с тихой, нежной, лениво-сдержанной рекой, со степями, полями, ветрами и смерчами, небольшими дождичками и всеобъемлющим солнцем. Не надо как-то специально говорить о патриотизме и любви к родине. Надо приехать в сосновый бор под Новой Анной, раскрыть душу, погрузиться в воды и омуты подсознания. Душа художника с кончика его рабочего инструмента- кисти, мастихина - преизлилась и застыла в красках прекрасных произведений. Огромный, напоенный счастьем вдох мы сделали там, в сосновом бору на берегу Бузулука. Теперь Волгоград – ВЫДОХ.
Ирина Преображенская, куратор пленэра

Комитет по культуре Администрации Волгоградской области,
Волгоградский музей изобразительных искусств
Представляют выставку «НОВОАННИНСКИЙ ПЛЕНЭР – 2010. Незабываемый»
Лагерь «Золотой колос», станица Филоновская, Новоаннинский район. 15 - 30 августа 2010 г.
Открытие выставки 17 сентября (пятница) в 16.00, выставочный зал ВМИИ ул. Чуйкова, 37.
Контактные телефоны: 24-16-79; 38-59-15
Участники:
Антоненко Мария Юрьевна, живописец. Член СХР РФ.
Денисова Елена Михайловна, график. Член СХР РФ.
Дмитриенко Олег Дмитриевич, график.
Ермоленко Галина Юрьевна, живописец. Член СХР РФ.
Завьялова Эльвира Максимовна, живописец, график. Член СХР РФ.
Зотов Геннадий Фёдорович, живописец. Заслуженный художник РФ. Член СХР РФ.
Зотова Лариса Ивановна – живописец. Член СХР РФ.
Князева Олена Владимировна –живописец.
Ковешникова Татьяна Васильевна – живописец.
Колышев Юрий Богданович – график. Член СХР РФ.
Коссович Елена Евгеньевна – художник декоративно-прикладного искусства. Член СХР РФ.
Куликов Александр Георгиевич – живописец.
Макаров Валерий Васильевич – живописец. Член СХР РФ.
Макарова Марина Алексеевна – живописец. Член СХР РФ.
Пугачёв Павел Станиславович – график. Член СХР РФ.
Рухлина Наталья Владимировна – живописец. Член СХР РФ.
Самарина Лариса Юрьевна - живописец. Член СХР РФ.
Сорокин Юрий Константинович – живописец. Член СХР РФ.
Такташев Хизбулла Нурадинович – живописец. Член СХР РФ.
Ушакова Наталья Юрьевна – график. Член СХР РФ.
Юнак Владимир Александрович – живописец. Член СХР РФ.
Глава городского поселения Новоаннинский – Чулков П.Ф., куратор пленэра – Преображенская И.В. , директор оздоровительного лагеря «Золотой колос» - Крупнов В.А.
Основные мероприятия, осуществленные участниками «Пленэра-2010»
16 августа, 19.30 – Праздничное открытие Новоаннинского «Пленэра-2010».
16, 17 августа – выезд в станицу Березовская.
19 августа - выезд в станицу Ярыженская.
15, 20 и 29 августа – вечерние мероприятия для участников пленэра.
23, 24 и 27 августа – выезды в г.Новоаннинский.
Благотворительные акции для детей о/л «Золотой колос»:
20 августа 16.30 - Лекция «Художественная жизнь Волгограда. 50 лет Волгоградскому музею изобразительных искусств». Преображенская И.В. – сотрудник ВМИИ.
23 августа 10.00-12.00. Запись на Новоаннинском ТВ. /Эфир 27 августа
24 августа 16.30 – Мастер-класс по технике живописи. Члены Союза художников РФ Макарова М.А. и Макаров В.В.
25 августа 10.00 – Мастер-класс по технике акварели. Члены Союза художников РФ Ушакова Н.Ю. и Пугачёв П.С.
24-25 августа – Конкурс «Рисунок на асфальте». Член Союза художников РФ Самарина Л.Ю. и Ковешникова Т.В.
25 августа – Запись на Волгоградском областном ТВ. Программа «Грани культуры». /Эфир 29 августа.
27 августа 15.00-17.00 – Монументальная роспись эмблемы лагеря на трибуне – Сорокин Ю.Н., Юнак В.А.
29 августа 10.00-13.00 - Городское мероприятие-митинг и художественный вернисаж на Центральной площади г.Новоаннинский с подведением итогов «Пленэра-2010».
Глава городского поселения Новоаннинский Чулков П.Ф., куратор «Пленэра-2010» - Преображенская И.В. От художников выступили – Куликов А.Г., Ушакова Н.Ю.
Седьмой пленэр, который проводит на территории Волгоградской области Волгоградский музей изобразительных искусств, (и 15 с 1994, что проводится на средства Администрации Волгоградской области) удался необычайно. После Урюпинского, Алексеевского, Клецкого, Ольховского района мы снова двинулись на северо-запад в прекрасные земли Новой Анны. Старинные казачьи станицы Филоновская, Ярыженская, Березовская, поэтичные уголки города Новоаннинского, прекрасные виды рек Бузулук и Перевозинки  стали объектами художественных отражений. Около 20 этюдов создал каждый из участников пленэра, что-то останется в мастерских в качестве «дневниковых заметок», другое останется на память как непосредственная эмоция, впечатление, о котором однажды захочется вспомнить, а главное - превратится в картину, предназначенную для выставки, такой, к примеру, как сегодняшняя, где Вашему вниманию предлагаются более ста произведений , воспевающих новоаннинские земли. Наших художников «забрасывало» на крышу элеватора агрохолдинга «Новоаннинский», откуда открывался потрясающий вид с высоты птичьего полета на небо, развилки дорог, интенсивное движение и хорошенькие домики. Новая церковная архитектура центра района  гармонично соседствует с древними Свято-Троицкими Филоновским и Березовским храмами. Сохранившие свой аутентичный облик с середины 19 века дома, мосты, железные дороги уютно дополняют друг друга, перекликаясь с новой, порой весьма специфичной архитектурой, преисполненной вычурных форм и сказочных допущений.
Бывший пионерский, ныне оздоровительный лагерь «Золотой колос» сохранил правильное детское питание, доперестроечную чистоту территории, звонкость речевок (когда в столовой три раза в день кричат «Художникам приятного аппетита»!), привнес и в нашу жизнь безумную энергию новой молодежи, которая может жить только под очень громкую музыку. Было приятно видеть, что этим молодым интересно изобразительное , демонстрируемое на наших мастер-классах, лекциях, конкурсах и пленэрных штудиях.
Но самое главное (главное!) - это восхитительная природа среди которой довелось жить. В соснах, с озонным воздухом, с тихой, нежной, лениво-сдержанной рекой, со степями, полями, ветрами и смерчами, небольшими дождичками и всеобъемлющим солнцем. Не надо как-то специально говорить о патриотизме и любви к родине. Надо приехать в сосновый бор под Новой Анной, раскрыть душу, погрузиться в воды и омуты подсознания. Душа художника с кончика его рабочего инструмента- кисти, мастихина - преизлилась и застыла в красках прекрасных произведений. Огромный, напоенный счастьем вдох мы сделали там, в сосновом бору на берегу Бузулука. Теперь Волгоград – ВЫДОХ.
Ирина Преображенская, куратор пленэра.
Наша благодарность -
Администрации г.Новоаннинского, Агрохолдингу «Новоаннинский», Газете «Авангард» и студии ТВ Новоаннинского района, Волгоградской ТРВ-компании.
Особая признательность --
Чулкову Петру Фёдоровичу – главе городского поселения Нвоаннинский
Долгачёву Виктору Ивановичу – главному архитектору г.Новоаннинский
Кошкарёву Илье Альбертовичу – генеральному директору Агрохолдинга «Новоаннинский»
Болдыреву Александру Владимировичу – исполнительному директору Агрохолдинга «Новоаннинский»
Наумову Владимиру Петровичу - члену Политсовета партии «Единая Россия»
Крупнову Вячеславу Александровичу -- директору о/лагеря «Золотой Колос»

Волгоградский музей изобразительных искусств 9 сентября 2010 г. в 16:00 приглашает Вас на открытие выставки «География России»
Более 50 пейзажей, представленных на выставке, написаны московским художником, географом, картографом Ильей Исаевым. В своих путешествиях по России он не расстается с этюдником. Таким образом, он обследовал почти все области Европейской России и Урала, Западной Сибири.
Основные жанры в творчестве И.Исаева- пейзаж и портрет. 
Представленные на выставке пейзажи отражают многообразие природы 50-ти регионов нашей страны - от Заполярья Мурманской области на севере до Кавказских гор на юге и Западно-Сибирской низменности на востоке.
Его простые, строгие пейзажи имеют не только художественную, но и познавательную ценность, приближая нас к пониманию красоты, разнообразия и величия нашей родины.

Волгоградский музей изобразительных искусств 9 сентября 2010 г. в 16.00 приглашает Вас на открытие выставки «География России».
Более 50 пейзажей, представленных на выставке, написаны московским художником, географом, картографом Ильей Исаевым. В своих путешествиях по России он не расстается с этюдником. Таким образом, он обследовал почти все области Европейской России и Урала, Западной Сибири.
Исаев Илья Александрович живет в г. Люберцы Московской области. После окончания географического факультета МГУ работал школьным учителем, преподавал географию, физику и изобразительное искусство. Преподавал геодезию в МГУ, работал художником-оформителем в Московской ЦГДБ им.А.П.Гайдара. Работая в НИИ Культурного и природного наследия им. Д.С.Лихачева, принимал участие в создании Национального атласа России.
Илья Исаев состоит в Союзе художников Подмосковья, с 2000 г. участвует в выставках подмосковных художников в городах Москва, Люберцы, Щелково, Долгопрудный. Провел персональные выставки в Москве, Люберцах, Дзержинском, Кирове, Ижевске, Глазове, Солнечногорске, Екатеринбурге, Киеве.
Основные жанры в творчестве И.Исаева- пейзаж и портрет. 
Представленные на выставке пейзажи отражают многообразие природы 50-ти регионов нашей страны - от Заполярья Мурманской области на севере до Кавказских гор на юге и Западно-Сибирской низменности на востоке.
Его простые, строгие пейзажи имеют не только художественную, но и познавательную ценность, приближая нас к пониманию красоты, разнообразия и величия нашей родины.
Открытие выставки состоится 9 сентября 2010 г. в 16.00 по адресу пр. Ленина, 21.
Тел. (8442) 38-59-15

2 сентября в выставочном зале Волгоградского музея изобразительных искусств в рамках выставки «ВЕСТЬ О ПОБЕДЕ» проходит акция «КРАСКИ МИРА», посвященная 65-летию окончания Второй мировой войны.
Творческая акция включает свободное общение с участниками войны, художниками Волгограда, произведения которых представлены в экспозиции, страницы истории окончания Второй мировой войны, конкурс рисунка на асфальте для младших школьников и конкурс рисунка с использованием мольберта для старшеклассников.
Конкурс проходит при поддержке профессиональных художников Волгограда в атмосфере, максимально приближенной к 1940-м годам (аудио и видео сопровождение, стихи и песни военных лет, произведения изобразительного искусства).
Победа и участие в конкурсе отмечены призами и бесплатными абонементами на посещение всех ближайших выставок в Волгоградском музее изобразительных искусств.
Акция завершается «Большим кругом дружбы» в ознаменование сплочения поколений и мирного будущего на Земле и созданием всеми участниками баннера с призывами к миру и пожеланиями будущим поколениям.
Начало Акции 2 сентября в 11:00 в выставочном зале Волгоградского музея изобразительных искусств (ул. им. Чуйкова, 37).
Вход свободный

С 12 ноября 2010 г. по 17 января 2011 г в Волгоградском музее изобразительных искусств (проспект им. Ленина, 21) проводится выставка «За здоровый образ жизни! Нет алкоголизму! Нет наркомании!» (Лубок из фондов Музея народной графики г. Москва)
Лубок – русская народная картинка – художественный, печатный и полиграфический вид искусства появился в середине XVI века одновременно с книгой первопечатника Ивана Федорова «Апостол» (1564 г.). Ставший традиционной формой народных гравюр, лубок возник как картинка - азбука, картинка – рассказ. Отпечатанные с деревянных и медных досок, раскрашенные яркими красками, лубки расходились по всей Руси: от крестьянских изб до барских усадеб.
Жанр лубка требовал сопровождения рисунка текстом, который зачитывал грамотный человек. Благодаря своей декоративности, лубок быстро завоевал популярность среди простонародья и в высших слоях российского общества. Так, стены детской комнаты царевича Петра Алексеевича, будущего Петра I, были увешаны лубочными картинками.
Тематика лубка постоянно расширялась. Его мастера обращались к героям русского эпоса, к рыцарским мотивам, сценам повседневной жизни. Прототип современных СМИ, лубок доступным языком, живо и остроумно, порой прибегая к сатирическим аллегориям и притчам, повествовал людям о том, что их волновало.
Лубок в течение всей своей истории пропагандировал здоровый образ жизни. Реконструкции нескольких старинных работ по данной тематике представлены в экспозиции: «Трапеза благочестивых и нечестивых» (XVIII), «Аз Есьм Хмель Высокая Голова Более Всех Плодов Земных» (XVIII), «Шуты Фома и Ерема» (XVIII).
Всего на выставки экспонируются 65 произведений, большинство из которых выполнено современными мастерами.
Задача выставки современного лубка «За здоровый образ жизни! Нет алкоголизму! Нет наркомании!» - средствами изобразительного искусства вскрывать зловредные пороки, грозящие физическому и моральному состоянию общества, призывая к здоровому образу жизни.
Время работы ВМИИ с 10:00 до 17:30 часов, выходной – среда.
Тел.: 38-24-44, 38-59-15.

Волгоградский музей изобразительных искусств имени И.И.Машкова приглашает на открытие выставки фотографий в рамках фотоконкурса «Музейная Европа глазами волгоградцев», посвященного Дню Европы и Международному Дню музеев.
Открытие состоится в день празднования в Волгограде «Дня Европы»
5 мая 2011г. в 16:00
С 15 февраля 2011г. по 20 апреля 2011 г. был проведен конкурс фотографий «Музейная Европа глазами волгоградцев» с целью развития интереса общественности к культуре и искусству Европы , привлечения внимания общественности к проблемам сохранения памятников истории и культуры.
В фотоконкурсе приняли участие жители Волгограда и области, посетившие Европу и заснявшие музеи и памятники.
Победитель фотоконкурса определяется путем голосования.
Все желающие могут проголосовать за понравившуюся фотографию, посетив выставку.
Награждение победителей состоится 18 мая в 17:00 по адресу: ул. Чуйкова,37.
Авторы лучших работ будут награждены Дипломами и памятными подарками.
Организаторы фотоконкурса:
Департамент зарубежных, региональных и внешнеэкономических связей администрации Волгограда;
ГУК «Волгоградский музей изобразительных искусств им. И.И.Машкова»
Партнеры фотоконкурса:
ООО «Слон - В»
Фотоцентр «Вента»
Информационный партнер:
Медиа-группа «Новая волна»
Адрес: пр. им. Ленина,21. Тел.: 38-24-44, 38-59-15

Волгоградский музей изобразительных искусств имени И.И.Машкова,
Государственный музей изобразительных искусств Республики Татарстан
17 июля 2011 г. исполняется 130 лет со дня рождения Ильи Ивановича Машкова (1881–1944) – одного из самых ярких и самобытных отечественных художников первой половины ХХ века. Этому юбилею посвящается совместный выставочный проект “Сила жизни. Живопись и графика Ильи Машкова”, организованный Волгоградским музеем изобразительных искусств, носящим имя художника и Государственным музеем изобразительных искусств Республики Татарстан.
Выставка раскрывает основную идею искусства художника – прославление природной роскоши бытия. Илья Машков – один из самых позитивных русских художников. Ему от природы был дан редкий по силе дар радоваться жизни, предопределивший праздничный, небудничный характер его искусства. На протяжении всей творческой жизни, радикально меняя арсенал средств, Машков строил свою собственную версию мира- здорового, щедрого, изобильного. Утверждающая, пафосная интонация делает его произведения гимном во славу бытия в его природной составляющей. Культ здоровья и силы, входивший в изначальную концепцию модернистского объединения “Бубновый валет”, одним из лидеров которого был И. И. Машков, утверждался не только в живописи, но и в жизни. Машков был отменным спортсменом и считал физическую крепость необходимым качеством для художника. Полноценная, с годами все более усложняющаяся в нюансах картина жизни находит метафору в самоценной и все более сложной живописной ткани произведений. Представления Машкова о совершенстве связаны с витальной силой, расцветом возможностей. Ярче всего этот лейтмотив находит выражение в натюрмортах и изображениях обнаженной модели.
Женщины Машкова – сложно организованная и мощная стихийная сила, воплощение сил плодородия, крепости, энергии. Его ощущение стихийных сил мироздания близко к языческому миропониманию. Его гедонистическое упоение разнообразием, прихотливостью природных форм, настойчивое постижение свойств материи близко к раблезианскому чувствованию. Оставаясь одним из самых сильных отечественных колористов и “самых живописных живописцев”, Машков демонстрирует качества сильного и разнообразного в своих решениях рисовальщика. Он является мастером “скульптурного” рисунка, дающего возможность ощутить объемность, весомость тела (“Натурщица с красным бантом”, 1922, ГМИИ РТ). В то же время, его рисунки демонстрируют качества живописности, что проявляется в богатой и сложной разработке тонального пятна, разнообразии технических приемов, интересе к смешению материалов (“Этюд натурщицы”, 1920-е, ВМИИ). Машков испытывает склонность к материалам, дающим бархатистый, насыщенный штрих. Его постановки модели – сложные, закрученные, выявляющие форму тела, как и энергичный штрих, дают ощущение мощи, упругой силы.
Машкова отличают особая острота восприятия материальной природы мира, интерес к “плоти жизни”, объему, вылепленному цветом, что делает его одним из лучших отечественных мастеров натюрморта. Его натюрморты – это самые откровенные высказывания о себе. Если ранние работы этого жанра выражают громогласное, эпатажное самоутверждение, то поздние приобретают характер исповеди, углубленного диалога со зрителем (“Маки, роза, васильки и другие цветы в стеклянной вазе”, 1939, ВМИИ). Спектр мелодий, извлекаемых Машковым из предметных созвучий богат: от героических, гимновых, до тонких и проникновенных.
Значительный временной диапазон представленных работ позволяет оценить степень трансформаций художественной манеры Машкова, как и в целом отечественной культуры в ХХ веке. В экспозицию входит ранний шедевр начала века, написанный в период поисков собственной изобразительной системы, еще до сложения бубнововалетской концепции (“Натюрморт. Цветы в вазе” конец 1900-х, ГМИИ РТ). Представление о Машкове-авангардисте, чья самобытная система сплавила элементы примитивизма, сезаннизма, фовизма, кубизма, дает “Натюрморт. Цветы в вазе (с подносом)” (1912–1914, ГМИИ РТ). Он создан во время расцвета “Бубнового валета”, когда к мастеру пришел первый большой успех. Работы советского времени из знаменитой “курортной” серии 1920-х гг. (“Гурзуф. Генуэзская крепость” 1925, ГМИИ РТ; “Гурзуф. Женский пляж (с двумя фигурами)”, 1925, ВМИИ), написанные в период участия Машкова в Ассоциации Художников Революционной России оказались связаны с поиском соответствия новым условиям, попытками создания картины на современный сюжет. Однако и тогда самоценная живопись делает главным невербальным смыслом произведения утверждение мощи и красоты жизни как таковой. Тематический натюрморт “Советские хлебы” (1936), написанный в двух вариантах (ВМИИ, ГМИИ РТ) является частью мифа социалистического реализма, прославляющего действительность, в которой великая земля и великие герои производят феноменальные плоды и продукты. В то же время эти работы воплощают “живописный гигантизм”, тяготение к которому сохранял художник. Фантастическая, грандиозная картина мира, запечатленная в натюрмортах, была подспудной смысловой доминантой его искусства на протяжении всего творчества.
“Абрамцевские” натюрморты (“Пестрый букет в глиняном кувшине на светлом фоне”, 1936, ВМИИ) отражают мироощущение художника, очень отличное от общего настроения масс в 1930-е гг., они воссоздают возвышенную и строгую атмосферу уединенного сосредоточенного труда. Апелляция к классическим прототипам здесь читается как утверждение вечных ценностей. В своем проникновении во внутреннюю жизнь предмета, полноте овеществления живописи, изощренной живописной культуре они утверждают ценность частного бытия. Натюрморты Машкова “абрамцевской” серии являются одними из лучших проявлений камерного слоя советского искусства, противоположного по своим задачам, средствам, идеологии официальному руслу. Как тонко замечает И. Болотина, поздние натюрморты, как и знаменитые ранние, – “это действительно предметы самые узнаваемые и обычные, но поданные [...] в самом радостном качестве, в каком мы воспринимаем их только в самые счастливые моменты нашей жизниї. Машков обладал этой редкой способностью – жадно видеть, как в первый раз.
Встреча произведений из коллекций двух музеев происходит впервые, давая возможность более полно, объемно ощутить могучее биение жизни в искусстве Ильи Машкова.
О.П.Малкова

21 апреля 2011 г. в 15 часов в выставочном зале Волгоградского Музея Изобразительных Искусств им. И.И. Машкова, расположенного по адресу: ул. Чуйкова, 37, откроется экспозиция единственной в России путешествующей выставки буддийского искусства «Сокровища Тибета».
Мероприятие проводится Международной общественной организацией содействия сохранению культурно-исторических традиций народов центральной Азии "Культурное наследие Гималаев", Волгоградским Музеем Изобразительных Искусств им. И.И. Машкова, при поддержке историко-этнографического и архитектурного музея-заповедника «Старая Сарепта», Калмыцкого республиканского благотворительного фонда «Наследие» им. Н. Очирова, Калмыцкого культурного центра им. Н.Очирова.
Посетители смогут увидеть уникальные экспонаты, аналоги которых хранятся лишь в крупнейших мировых музеях - буддийскую свитковую живопись (тханка), различные ритуальные предметы, скульптуру, графику, предметы быта. Также волгоградцы познакомятся с буддийско -калмыцкой ; коллекцией  из  фондов  музея-заповедника «Старая  Сарепта»,  которая отражает присутствие буддийской культурной традиции в нашем регионе начиная с середины 17 в. В рамках программы выставки: лекции и мастер-классы по буддийскому искусству, живописи, показ тематических фильмов и фоторабот.
Впервые экспозиция была представлена в июне 2003 года в рамках международного фестиваля "Буддизм.RU", который был включен в программу официального празднования 300-летия г. Санкт-Петербурга. С тех пор выставка посетила более 38 городов России и по сей день продолжает пополняться экспонатами. Всего будет представлено более 250 экспонатов, созданных в мастерских и монастырях Индии, Непала, Тибета, Монголии, Бурятии, Калмыкии. Экспозицию дополнит фото-галерея священных для буддистов мест и ритуальной архитектуры.
Задача проекта — отразить связь времен, сделать сущность буддийской культуры ближе и понятнее современному человеку.

Лучшие произведения живописи, графики, скульптуры, декоративно-прикладного искусства (из фондов ВМИИ).
Произведения А.П.Антропова, Ф.Я.Алексеева, М.И.Лебедева, М.Н.Воробьева, А.П.Боголюбова, И.К.Айвазовского, К.П.Брюллова, В.А.Тропинина, А.К.Саврасова, И.И.Шишкина, К.Е.Маковского, Н.П.Богданова-Бельского, Ф.А.Малявина, Н.В.Нестерова, В.Д.Поленова, В.А.Серова, К.А.Коровина, Н.К.Рериха, А.А.Рылова, К.С.Петрова-Водкина, М.Ф.Ларионова, П.П.Кончаловского, А.В.Лентулова, А.А.Осмеркина, А.В.Куприна, Р.Р.Фалька, М.Н.Яковлева, Г.Г.Нисского, А.Н.Самохвалова, С.В.Герасимова, Н.Б.Терпсихорова, А.А.Дейнеки, А.А.Пластова, В.Е.Попкова, Д.Д.Жилинского и др.

Совместный международный проект Россия - Германия: «Музей бессонницы» Леонтия Озерникова, Москва (инсталляция, смешанная техника) и «Тоска по совершенству» Инго Тальман. Германия (живопись)
Дорогие друзья!
26 ноября в 20:00 в Волгоградском музее изобразительных искусств (пр.им.Ленина,21) состоялся пресс-бессонник по случаю презентации международного выставочного проекта Россия-Германия:
«Музей Бессонницы» Леонтий Озерников (Россия)
«Поиск совершенства» Инго Тальманн (Германия)
в рамках мероприятий к 50-летнему юбилею музея
Автор «Музея Бессонницы» Леонтий Озерников – один из самых известных в мире художников-дизайнеров. В его творческом багаже работа с крупнейшими музеями нашей страны и мира. Творческая биография Леонтия Озерникова насчитывает десятки экспозиций. С ним сотрудничают музеи современной истории и Политехнический музей, музей музыкальной культуры им. Глинки, и Литературный А.С.Пушкина. Вернисажи Озерникова с блеском проходили Нью-Йорке, Гамбурге, Дюссельдорфе. Он автор декораций к балету Рахманинова «Мадам Бовари» с участием Илзе Лиепа. Один из самых интересных проектов художника стал музей Хо Ши Мина в Ханое (Вьетнам). В 2009 году Леонтий Озерников завершил работу над созданием художественного решения музея «Дом Гоголя» (Москва), открытого к 200-летию со дня рождения писателя, а заново оформленный Озерниковым музей «Часы и время» вошел в «Сто выдающихся музеев мира».
В то же время мало кто знал, что автор работает и над собственным проектом, который стал не только воплощением творческой идеи, но и философией, самой сутью восприятия художником мира.
Дизайн-мистерия, как называет свой новый проект Леонтий Озерников, «Музей бессонницы» включает в себя тринадцать персонажей, которые разыгрывают удивительный мир потустороннего существования вещей. Сакральность и символика – основные линии пространства, в котором существуют тринадцать героинь, вобравшие в себя многочисленные мифические и культовые атрибуты и черты.
Леонтий Озерников лично проведет всех гостей по «Музею Бессонницы», чтобы каждый смог погрузиться в это необычное и удивительное состояние полусна, когда смыкаются грани времени, образов, чувств и возникает ощущение ирреальности происходящего. Те, кто пожелает, смогут пройти через «Ворота счастья» - точную копию ворот счастья древних майя. По преданию проход нужно чем-то символично оплачивать (приносить жертву), майя считали, что во имя счастья нужно чем-то жертвовать. А если Вас интересует не счастье, а сила мысли, Вы можете сделать звонок величайшему Художнику, Изобретателю и Мистификатору Леонардо Да Винчи.
Философию «Музея бессонницы» продолжает Инго Тальманн в двенадцати огромных живописных холстах - «Поиск совершенства».
Инго Тальманн в своих произведениях с помощью света и приемов дизайна создает удивительные переходы от внешнего мира в те неизведанные области, где философия и психология переплетаются перед зрителем и заставляют работать внутренние резервы души и сознания. Его Картины побуждают зрителя к внутренней активности, совершенствованию самосознания и чуткому реагированию на события, происходящие в этом мире.
Бессонной Вам ночи, Дамы и Господа!
(8442) 38-24-30
(8442) 38-59-15

Персональная выставка Президента Российской академии художеств, народного художника СССР и РФ, Посла Доброй Воли ЮНЕСКО З.К.Церетели демонстрирует разные грани творчества художника – живопись, графика, скульптура, малая пластика, эмали. Сила характера и удивительная энергия, дерзость экспериментатора и неожиданный художественный взгляд составляют портрет Зураба Церетели – мастера, который смог объединить своими творческими поисками буквально все виды, жанры, техники изобразительного искусства.
Зураб Церетели родился 4 января 1934 года в Тбилиси (Грузия). В 1958 году окончил Тбилисскую академию художеств. В 1964 году поступил на работу в Институт этнографии и археологии Академии наук Грузии. Уже в конце 1960-х – начале 1970-х годов мастер ярко проявил себя в монументальном искусстве. Его художественное решение курортных пространств Пицунды и Адлера подтвердили высокий статус художника, который берется за самые сложные и масштабные объекты и блистательно завершает работу. Знаменитый художник Давид Альфаро Сикейрос восторженно отзывался о скульптурных мозаиках Церетели в Адлере, как об уникальной форме объемной живописи. «Я утверждаю, что он вошел в необъятные просторы искусства будущего, сочетающего скульптуру с живописью. Творчество Зураба Церетели вышло из национальных рамок и приобретает международное значение», - отмечал Сикейрос.
В разное время Зураб Церетели руководил самыми масштабными художественными проектами. В 1970-1980 он - главный художник МИД СССР, в 1980 году - главный художник Олимпийских игр в Москве, в 1995 году - художественный руководитель строительства мемориального комплекса на Поклонной горе (Москва), с 1995 году — главный художник по воссозданию убранства Храма Христа Спасителя в Москве.
Уникальные произведения художника, созданные в различных видах изобразительного искусства, украшают улицы и площади, государственные и общественные здания Москвы, других городов России, стран СНГ и многих зарубежных государств, включая США, Японию, Великобританию, Францию, Испанию, Италию, Бразилию, Израиль, Сирию, Уругвай и др.
Широкое международное признание получили монументальные скульптуры Церетели - «Счастье детям всего мира» (Брокпорт, штат Нью-Йорк, 1979), композиция «Добро побеждает Зло», (перед зданием ООН, Нью-Йорк, США, 1990), монументальная композиция, посвященная Христофору Колумбу «Рождение Нового Человека» (Испания, Севилья 1995), памятник Н.В.Гоголю (Рим, Италия, 2002), статуя Святого Николая Чудотворца (Бари, Италия, 2003), монумент, посвященный борьбе с международным терроризмом (г. Байонн, штат Нью-Джерси, США, 2006), памятник Папе Римскому Иоанну Павлу II (Плоермэль, Франция, 2006), памятник Итиро Хатояме (Токио, Япония, 2007) и др. Такие работы мастера, как мемориальный комплекс на Поклонной горе (Москва, Россия, 1995-1996), монументально-художественное решение Манежной площади (Москва, 1997), памятник Петру I, посвященный 300-летию Российского флота (Москва, 1997), являются визитной карточкой современной российской столицы и неотделимы от ее внешнего облика.
Среди выдающихся достижений Церетели в области изобразительного искусства – произведения, выполненные в технике перегородчатой эмали. Путем долгих экспериментов, которые художник ведет еще с 1970-х годов, на основе принципов древней техники, мастер вывел искусство создания перегородчатой эмали на качественно иной уровень - обогатил спектр цветов, переработал принципы техники создания эмалей. Сегодня мы можем видеть монументальные эмалевые панно, уникальные объемные эмали, которым нет аналогов в мире.
Многогранный талант выдающегося художника современности проявился в масштабных архитектурно-скульптурных комплексах, величественных монументах и благородных памятниках, мозаике, витраже, рельефах и круглой скульптуре, живописи, графике, эмали. Герои его произведений, словно странствуют из скульптуры в рельеф, из эмали в живопись, из рельефа в графику, то располагаются на плоскости, то собираются в объемы. Они живут в мире неукротимой фантазии художника, где каждый сюжет, персонаж, воплощенный в разных материалах и техниках, видах и жанрах играет все новыми и новыми гранями своей образности.
Для мастера уже давно не существует понятия рамок, границ в изобразительном искусстве - он утверждает свободу творческого поиска. Его эмали теряют свою классическую камерность и становятся монументальными панно, уходя из мира плоскости, обретают скульптурную форму, а живопись становится неким симбиозом средств выразительности сразу нескольких видов изобразительного искусства, подчиняя себе законы монументального искусства, скульптуры.
Художник чтит традиции академической школы, уроки, которые преподали знаменитые мастера Академии художеств Б.Шарлемань, В. Шухаев, Е. Лансере. Вместе с тем, он открыт новым моделям диалога со зрителем, и в пространстве современного искусства работает легко и виртуозно. Каждый рисунок мастера, каждое живописное полотно являет собой некую галактику, созданную смелым воображением художника. Она воплощена в конкретных персонажах, подчинена миру бесчисленных цветов и их разнообразных оттенков, раскрывающих зрителю целую вселенную эмоций и переживаний творца. С одинаковой увлеченностью, мастер исследует реальность и погружается в природу бессознательного, создавая произведения, отмеченные выразительным индивидуальным началом.
В своей яркой, богатой событиями и встречами жизни Зурабу Церетели посчастливилось быть знакомым, работать со многими знаменитыми людьми. Огромное значение имели встречи с Давидом Альфаро Сикейросом, Пабло Пикассо, Марком Шагалом, Сальвадором Дали, Кензо Танге. «Я вижу в нем будущего великого живописца, – говорил о своих впечатлениях после встречи с Зурабом Церетели Пикассо.- Он прекрасно чувствует цвет, обобщает форму». Художнику довелось объездить почти весь мир. Во многих странах он установил свои произведения, украсил многочисленные посольства и представительства России.
Церетели принадлежит инициатива создания и реализации масштабных музейных проектов – создание первого в России Музея современного искусства (Москва) и музейно-выставочного комплекса Российской академии художеств «Галерея искусств». Появление этих двух крупных культурных центров открыли новую грань личности Церетели как художника-мецената. Он не только вложил средства от своих гонораров, но и передал личную коллекцию шедевров, как и сами музеи городу Москве.
Творчество всемирно известного художника отмечено высокими званиями и наградами разных стран мира. Он является почетным профессором Брокпортского университета изящных искусств (штат Нью-Йорк, США, 1979), действительным членом Грузинской академии наук (Грузия, Тбилиси, 1996), членом-корреспондентом Королевской академии изящных искусств Сан Фернандо (Мадрид, Испания, 1998), награжден золотой медалью ЮНЕСКО имени Пикассо (2007). Церетели был избран членом-корреспондентом Академии изящных искусств Франции (Париж, 2002), действительным членом Европейской академии искусств и наук (2009), произведен в Офицеры Ордена искусств и литературы, (Франция, 2006).
Сегодня жизнь и искусство Зураба Церетели являет пример поистине универсальной личности – художник, государственный и общественный деятель, он одинаково смело осваивает разные стороны жизни и искусства, обретает новых друзей и почитателей своего таланта.

Произведения современных художников Италии (г.Турин). Из фондов ВМИИ.
Открытие выставки 19 апреля в 16:00.
2011 год объявлен годом Италии в России и годом России в Италии. В год празднования 400-летия нашего города состоялась выставка «Художники и скульпторы из Турина в Волгограде», в которой приняли участие 50 мастеров искусства итальянского города – побратима Волгограда. После окончания выставки произведения не вернулись на родину, а стали частью коллекции западноевропейского искусства Волгоградского музея ИЗО, значительно обогатив ее.
Подаренные произведения обнажили срез художественных поисков мастеров Турина, представив традиции и разнообразный опыт авторских экспериментов. В этом году Волгоградский музей вновь приглашает зрителей на встречу с творчеством современных художников Италии.
Экспозиция включает более сорока произведений живописи, графики и скульптуры. Туринская коллекция произведений конца XX века представляет картину чередования поколений художников, демонстрируя перетекание эстетического опыта от учителей к ученикам. Любители и знатоки искусства в России осведомлены о проявлениях западных направлений модернизма и постмодернизма в отечественном искусстве XX века. Тем интереснее увидеть преломления постимпрессионизма, экспрессионизма, кубизма, абстракционизма и сюрреализма в сердце центральной Европы – итальянском Пьемонте.
В рамках открытия выставки – выступление солистки театра «Царицынская опера» Дарии Федоровой:
арии из опер Джузеппе Верди
Выставка продлится до конца 2011 года
Время работы музея с 10:00 до 18:00
Выходной день - среда
Основное здание музея (пр.им.Ленина, дом 21)
38-24-44, 38-59-15

ВМИИ приглашает на выставку «Зарипов в кругу друзей». Эта выставка концептуальная. На ней представлено 60 портретов известного московского живописца Аннамухамеда Зарипова, созданные его друзьями, художниками, близкими ему по духу.
Выставка «Зарипов в кругу друзей» знакомит зрителя с пластом отечественной культуры, мало знакомым волгоградскому зрителю. Большинство представленных художников сложилось в 1970-1980-е гг. как нонконформисты, художники андеграунда. В своем творчестве они продолжали развитие традиций русского авангарда начала 20 в. Показательно, что многие из них тогда обращались не к станковым формам, но к концептуальному искусству, акциям. Так, Игорь Макаревич бы одним из лидеров группы московских концептуалистов «Коллективные действия». Большая часть из участников выставки- московские художники. Среди них много выпускников Московского Полиграфического института, института кинематографии, отличавшихся более свободной, творческой атмосферой. Сегодня многие из них проявляют себя как скульпторы, дизайнеры, архитекторы, поэты.
Среди них есть очень известные мастера, такие как Наталья Нестерова, Лев Табенкин, Игорь Макаревич, Клара Голицина, Василий Шульженко, Арон Бух, Натта Конышева. В то же время на выставке представлены и работы молодых художников, таких как Вера Ельницкая, Людмила Воронова, здесь же экспонируются и работы юного художника Саши Зарипова. Их работы впечатляют разнообразием, в них звучат отголоски увлечений искусства 20 в.- экспрессионизма, поп-арта, абстракции, примитивизма. Их объединяет общий круг, дружба с одним человеком, героем их портретов Аннамухамедом Зариповым. Несмотря на разнообразие решений, в их работах ясно ощутим отсвет его личности- щедрой, солнечной, избыточной, его искусства- мощного, раскованного, наполненного символами. На выставке экспонируются и произведения Зарипова из фондов Волгоградского музея- «Молочница», а также 2 графических произведения, подаренные только что.
Дух свободы, ощущение праздника, близкого волшебства освещают эту выставку. Она утверждает красоту и возможность искреннего неповторимого высказывания, своего взгляда на мир. Эпиграфом к ней могут служить стихи участника выставки живописца, дизайнера, поэта Леонида Рабичева:
Живопись
Писать без оглядки — какое блаженство!
Без страха, по чувству избранства, по праву
И просто по нраву, и вовсе без правил,
Невнятно — опасно, понятно — случайно,
Беспечно — навечно, годами, и наспех,
И на смех, и насмерть! Не бойтесь ошибок,
Завидное счастье писать без оглядки.
Зарипов на портретах предстает как маэстро, философ, отшельник, друг, отец, триумфатор и мученик. Аннамухамед Зарипов – не только один из ведущих московских живописцев, но и собиратель. Это тот редкий случай, когда коллекционер- не только покупатель, но и друг, советчик, творец. Коллекционирование, общение с произведениями являются для него неотъемлемой частью собственного творческого процесса. В его уникальное собрание входят произведения таких ведущих мастеров 20 в., как Ташлер, Фальк, Фонвизин, братья Смолины. Коллекция портретов Зарипова, которая начала складываться спонтанно много лет назад, сегодня насчитывает около 400 произведений. Данный выставочный проект с успехов экспонировался во многих городах: Рязани, Ярославле, Пензе, Саратове, Кирове. Выставка представляет большой интерес для студентов, учащейся молодежи, демонстрируя разнообразие исканий современной живописи.
Выставка продлится до 4 мая 2011. в выставочном зале ВМИИ (Чуйкова, 37; выходной понедельник).
12 апреля:
15.00 – Пресс-конференция для представителей СМИ
16.00 – открытие выставки
17.00 – ART-Debate
 Михаил Красилин,
искусствовед
Сотворенный Зариповым художественный мир уникален. Уникален в силу необычности судьбы самого автора — мальчик из далекой Туркмении стал одним из ведущих художников России, уникален своей неординарной тематикой. Ему удалось приобщить нас к созданному им эпосу. Зарипов заставил нас поверить в непреложные общечеловеческие ценности, рожденные иной ментальностью. Он воплотил свои идеи столь своеобразным живописным языком, что позволяет говорить о нем как об одном из ярких востребованных явлений в нашем изобра¬зительном искусстве. Каждая работа художника несет в себе черты ритуала, сакрального действа.
Вера Чайковская
прозаик, литературный и художественный критик, искусствовед,
кандидат философских наук, ведущий н.с. НИИ теории и истории изобразительных искусств РАХ
Зарипов в кругу друзей, или тоска по братству
// Собрание, №1, 2011- С. 40-47
Эту выставку я видела несколько лет назад в галерее А3, сейчас экспонатов стало гораздо больше (около 400 портретов в разных жанрах, стилях, техниках). Ее сейчас показывают в городах нашей страны - Рязани, Ярославле, Пензе, Калуге, Волгограде, Саратове, Кирове… Уф, устала перечислять. В следующем году ее предполагают показать и в Москве. Что же показывают? И неужели это интересно?
В самом деле, трудно в наши дни найти такую выставку современного искусства, которая будет пользоваться успехом в глубинке. Да и в Москве. Художники, приятели, искусствоведы являются на вернисаж. Произносят прочувствованные речи. И все. На следующий день в залах пусто.
Когда-то Лев Толстой наивно полагал, что настоящее искусство обязательно «заразит» зрителя. По его «наводке» один энтузиаст повез картину Н. Ге «Что есть истина?» в Штаты - уж там-то они поймут! (Остатки этой веры сохранились у нас и по сей день). Увы, не поняли. Энтузиаст прогорел. А уж в наши «безинтузиазные» дни - что такое нужно показать, чтобы шли? Едва ли пойдут на «актуальные» экзерсисы - холодно, мудрено, не понятно. Уж скорее на Глазунова и Шилова – слух о них прошел по всей стране. Искусствоведы морщатся, народ валом валит. Неужели у современного искусства только такие перспективы?
Мне кажется, вовсе не зря галеристы художественных музеев разных городов нашей страны схватились за проект этой выставки. Тут представлены чуть ли не все художественные направления современного отечественного искусства, различные его виды - от живописи и графики до скульптуры и мозаики. И при этом есть некое захватывающее и интригующее «игровое» ядро - на выставке показываются портреты одного человека. Их более 400! Рекорд Гиннеса! На это клюнут взрослые и дети, неофиты и разборчивые профессионалы. Им ведь тоже хочется «поиграть», посмеяться, порадоваться, глядя как известные и неизвестные художники кайфуют и испытывают невероятный драйв, изображая своего коллегу - Аннамухамеда Зарипова.
Но что это за личность? Откуда такая популярность?
Сам Анна пишет в альбоме-каталоге об истоках проекта. Они уходят в годы его юности, когда он без денег бежал из туркменского аула в Ашхабад, чтобы заниматься живописью. Для заработка ему пришлось позировать учившимся молодым художникам. Так появились первые портреты, которые он не давал уничтожать. Тут важно два момента - это были его портреты, но это были и произведения искусства. А в Зарипове с детства жил коллекционер. Старинные монеты, осколки глинобитной посуды, амфор древних культур он собирал ребенком. Тяга к древности, видимо, генетического свойства, - ведь по отцу Зарипов (как он рассказывает) - копт. Еще одна фантастическая подробность! Звучит как «шумер» или «вавилонянин».
Когда думаешь об этом проекте, невольно вспоминаешь исследование Николая Евреинова, который, проанализировав множество своих портретов кисти разных художников, пришел к парадоксальному выводу - художники пишут самих себя. Это автопортреты.
Но проект Зарипова заставляет увидеть в многочисленных портретах одной личности еще и нечто иное, характерное именно для нашего времени всеобщей разобщенности и торжества «коммерческого» подхода к искусству. В портретах ощутима огромная художническая жажда «идеального» человека, друга, соратника, поверенного, чудака, мецената, мага. Огромное тяготение к артистической творческой общности, к дружеской среде, к вниманию и пониманию. К задушевному разговору на «своем языке» или вообще без слов. И «харизматическая» личность художника, коллекционера, мецената, человека бурного «восточного» темперамента Анна Зарипова пришлась тут как нельзя более кстати. Иначе как объяснить, что пишут его по собственной охоте, без заказа? Пишут из года в год, изменяя манеру и находя какие-то новые средства выразительности? Изображают запойно, обращаясь то к маслу, то к карандашу, то к камню?
В довольно горьких размышлениях художника Василия Шульженко, представленных в альбоме-каталоге, есть и об одиночестве, и о водке, вместо давнего «чайка», и об отсутствии интереса к другим. Но, оказывается, Зарипова пишут «как дети». Прорывается даже архаическое и какое-то глуповатое по нынешним временам словечко «энтузиазм».
В альбоме – каталоге возникает чудесный миф о пассионарной творческой личности, которой так нам всем не хватает. В начале и в конце альбома на больших разворотах представлен фотоколлаж, где десятки людей, художники, искусствоведы, зрители, представители разных стран, конфессий и национальностей каким-то образом соприкасаются с Зариповым. Входят в «круг его друзей». Поистине магический круг. Но как же Зарипова видят художники?
У того же Василия Шульженко в работах разных лет, стилизованных под академизм, Зарипов предстает то мудрым и темпераментным Кентавром, то философом – суфием, то и вовсе ренессансным патрицием в кругу семьи - тем благородным Меценатом, о котором так истосковалась артистическая душа («Зарипов-кентавр», 2007; «Философ», 2009; «Портрет семьи Зариповых (подражание венецианцам)», 2010).
В таком же «величественном» духе, несколько подражая позднему Малевичу с его замечательным автопортретом в костюме венецианского дожа - изображает его и Игорь Макаревич (портрет Аннамухамеда Зарипова,2010). Полуфигура торжественно предстоит на «космическом» фоне, наряженная в фантастический костюм с преобладанием красного и черного. Но лицо не мрачно-сосредоточенное, как у персонажа Малевича, а неожиданно веселое, с узкими щелочками смеющихся глаз. Ведь это игра «с переодеванием», игра со стилем, игра со зрителем.
В сходном торжественном (и слегка ироническом) ключе изображают нашего героя многие художники. У Е. Гинзбурга на одном из портретов он представлен возрожденческим персонажем («Меценат», 2010), на портретах Н. Ларского увенчан лавровым венком («Портреты Зарипова» №5 и №6), в композиции Л. Рабичева – это уже почти Господь Бог («Великолепному Анне», 2009). Но и тут везде присутствуют элементы праздника и игры. Так, у Н. Ларского «героический» венок смешно контрастирует с синим лицом и повседневной одеждой персонажа. У Рабичева «Великолепный Анна» весь собран из каких-то художнических атрибутов и принадлежностей и сжимает в руках альбом собственной коллекции. Пожалуй, только Лев Табенкин, обычно пристрастно-ироничный и даже саркастичный, изображая Зарипова в образе библейского персонажа, обходится без всегдашней иронии. Это некий воплощенный идеал благородного служения («Жертвоприношение, портрет Анны Зарипова», 2010). Как правило, художник добрее к животным - птицам, собакам, чем к людям. Но тут и стилизованный барашек в руках героя, и сам персонаж в ярко-красном одеянии как бы слиты в едином порыве - оба глядят вдаль, рельефно выделяясь на черном фоне. Здесь есть некая фресковая статуарность и мозаичное сияние красок. Ироничный художник вложил в образ своего друга какие-то очень важные для себя надежды и упования. Кстати, есть у Табенкина и скульптурная голова Зарипова – в таком же «идеальном», мощном и выразительном ключе.
Для Льва Табенкина, оказывается, тоже необычайно важно (об этом он пишет в приведенном в альбоме отрывке), что Зарипов «объединяет людей, художников и прочих». Некоторые работы (обычно это серии) как раз и посвящены проблеме «диалога» художников, их специфического (на визуальном уровне) общения.
Живущий в Берлине В. Николаев пишет на бумаге очень красивую, легкую и остро современно смотрящуюся серию «Диалог художника В. Николаева с Зариповым», 2007). Это, как мы понимаем, диалог «на расстоянии», но не телефонный, а пластический. «Громада пространства», которую необходимо преодолеть, тут представлена образом некоего окна или картинной рамы, сквозь которую, минуя наслоения краски, какие-то изогнутые ленты и тонкие металлические конструкции (есть даже остро заточенный нож) прорывается «фотографическое» лицо Зарипова и сценки московской артистической жизни. Кое-где в просвете окон мелькает и сам художник, но, судя по всему, это тоже некое важное, хотя и «летучее» воспоминание. Акриловые краски в диапазоне спектра создают отчужденно - холодноватую и летуче-неуловимую атмосферу. Было или не было? Может быть, прошлое – сон, хотя и с фотографически запечатлевшимися лицами? Сложный диалог художника с Зариповым и с самим собой…
В рисунках Кирилла Мамонова возникает более непосредственный вариант диалога. Так и представляешь себе какой-нибудь Дом творчества на Сенеже или в Вышнем Волочке, где художник весело и импровизационно запечатлевает друга в процессе общения. Почти везде есть момент озорства и легкого хулиганства. На разлинованной в клеточку цветными карандашами бумаге возникает гривастый профиль художника с очками на лбу и с трогательным аленьким цветочком в руках («Анна с цветочком», 2006). Или же за спинами позирующих друзей-художников виднеется какой-то застарелый плакат с надписью «Спасибо тов. Сталину». На третьем цветном рисунке смеющееся лицо персонажа (Анна) словно бы обращено к художнику с вопросом. Этот краткий диалог, важно имитирующий проблемы «большого» портрета, зафиксирован в углу рисунка: «Не похож?» (это, вероятно, персонаж). И радостный ответ: «Похож!» В выразительных и вроде бы непритязательных рисунках черным карандашом тоже везде появляются надписи, подчеркивающие не только приятельский характер отношений, но и некую поэтическую высоту общения. Двое задумавшихся художников, стоя напротив друг друга, соприкасаются бокалами. И надпись «С днем рождения Анна!» ( В подписи запятая перед именем поставлена, а на рисунке все ясно и так). А вот еще момент какого-то непрекращающегося творческого диалога - рядом с портретом Анна пририсован ангелочек, а подпись гласит: «Анна! Сохраняй ангелов». Что-то из общего художнического фольклора и художнической магии.
Кстати о магии. Она сопровождает образ восточного человека «Анны» повсеместно. Используется стилистика примитива, которая вообще очень пристала нашему персонажу, словно вынырнувшему из фольклорного сказания или современной былички о духах и домовых. В ранней, очень красивой работе Е. Струлева персонаж представлен каким-то «повелителем стихий», лениво возлежащим, почти растворенным в космическом просторе – густых слоях желтой, зеленой и синей краски («Муза летит, море шумит, Зарипов лежит», 1988). На многочисленных холстах Н. Конышевой персонаж представлен восточным магом в окружении экзотических животных - верблюда, осла, удода. Но почти везде есть и палитра - атрибут творческого «волшебства» («Удод и художник», 1995). В тонких по цвету и музыкальных гуашах Б. Бомштейна Зарипов тоже окружен животными, окутан дымкой волшебства и магического ведения («Аксакал на лошадке», «Птица Зарипова», 2010).
Однако пристала «магу» - Зарипову и стилистика современной абстракции и новых технологий, придающих образу некую «астральную» загадочность. Тут часто обыгрывается мотив «взгляда» или «глаза», одновременно магический и намекающий на художественную природу персонажа. Так, А. Панкин в работе «Взгляд Зарипова» (2007), создает какую-то очень праздничную абстрактную композицию в желто-бело-коричневых тонах, где внутри обведенного черным силуэта один над другим изображены «абстрактные» глаза - один круг в другом. Почему это взгляд Зарипова? Вероятно, потому, что это весело, раскованно и «магично». Художник немного «шаманит», отталкиваясь от реального персонажа. Некто Бикапо создает и вовсе шаманский образ «глаза» Зарипова, используя фотографию и компьютерную графику («Глаз Зарипова», 2007). Перед нами «магическая» игра с черно-белым цветом, вспышками света, отражениями и плавными, напоминающими крыло, линиями. В этом же ряду работа автора из Нью - Йорка И. Торшинкова, где «загадочный» взгляд Зарипова моделируется с помощью пуговиц, внедренных внутрь написанного маслом холста (Зарипов, 1990). Как видим, образ Зарипова инициирует всевозможные творческие эксперименты. Художники не боятся обидеть собрата, создавая не «парадные» портреты, а живые, смешные, фантастичные.
В это раскованное действо внесли свою лепту и сами представители семейства Зариповых – Зарипов-старший и Зарипов-младший. В альбоме-каталоге представлена целая серия автопортретов Анна, причем они или дают несколько романтизированный, а иногда даже инфернальный образ художника (что соотносимо с «магическими» штудиями его друзей) или же выдержаны в шутливо-ироничных тонах. Положим, на раннем «Гурзуфском автопортрете» (1980) образ художника строится на контрастном сопоставлении черноты ночи, скрывающей фигуру художника, и выхваченной из этой черноты и данной в тревожном желто - красном колорите части лица. Романтический пейзаж с диском желто-красной луны за спиной художника и светящаяся вертикальная полоса с левого боку добавляют полотну романтической недосказанности. Тут явно не хватает самоиронии, которой в избытке в таких работах, как «Лечу в бездну!» (1995) и «Четыре автопортрета» (1999). В них потеряна та самая портретная «похожесть», о которой спрашивал персонаж рисунка Мамонова, но зафиксированы какие-то критические моменты авторского самоощущения, приправленные юмором. Так, в «Четырех автопортретах» четыре приземистых и смешноватых силуэта вписаны в разно-цветные квадраты. Причем два верхних квадрата изрезаны колючей проволокой, а нижние- решеткой. Ситуация (внутренней?) «несвободы» и «заключения» обыгрывается в шутливом духе.
Композиции юного художника Саши Зарипова, в сущности, ничем не уступают работам представленных в альбоме мастеров-профессионалов. Мальчику, кажется, вовсе не мешает, что он изображает «папу». Он не теряет ни свободной раскованности, ни юмора, ни художнической «хватки». В особенности хочется отметить недавние штудии в технике компьютерной графики, которых не было на предыдущей выставке. Саша Зарипов изображает различные психологические состояния своей модели - удивление, раздражение, задумчивость, веселость, работая с ярким локальным цветом, размытыми пятнами и линиями. («Папа в розовом», «Папа удивлен», «Папа в желтом», «Папа в зеленом», 1910).
Детская непосредственность и взрослая мастеровитость тут счастливо совпали.
Но есть еще один тип портрета, о котором мне хочется сказать под конец. Многоликость художника (иначе, его многогранность и неразгаданность) явлена во многих работах, начиная с его собственного «Двойного автопортрета» (1980) и вплоть до работы Т.Кроля «21 век: Зарипов в трех ипостасях», где автор использует «новую технологию» цифровой печати на холсте (2010). Однако еще более интересны (мне, во всяком случае) работы, где представлено просто лицо Зарипова. Впечатление такое, что современный художник, который вообще отвык от изображения человеческих лиц, на примере Зарипова как бы заново начинает постигать феномен человеческого лица. Отсекается все лишнее, портреты почти монохромны, фон нейтральный (а в портрете Н. Акимова нет не только фона, но даже срезана часть лица по краям), потому что художникам важно вглядеться в лицо без всяких помех и отвлекающих деталей. Эти портреты редкостно серьезны (К. Худяков, «Художник Аннамухамед Зарипов», И. Колесников, С.Денисов, «Аннамухамед» О. Тыркин, «Аннамухамед Зарипов», 2010). Честно говоря, когда смотришь на лица, изображенные на этих портретах с некой въедливой «фотографической» пристальностью, они представляются изображениями разных людей. В них, как ни странно, очень мало характерного и узнаваемого.
Пожалуй, только в работе Колесникова и Денисова (цифровая печать на металле) узнается быстрый и необыкновенно живой взгляд резко повернутого лица. Но все равно остается ощущение монументальной обобщенности. У Акимова - грозная жесткость черт, яростный взгляд героя и творца. У Худякова, использующего смешанную технику по металлу, некая космическая отрешенность в увиденном с дотошной подробностью лице. Тыркин, используя традиционную технику масла и холста, мягче и поэтичнее. Но и тут перед нами словно вовсе и не Зарипов, а некое загадочное человеческое лицо, проступающее из темноты. Лицо вообще. Такими видятся фаюмские портеты- образ человека перед лицом космоса и вечности. Пожалуй, подобный смысловой и пластический оттенок несут в себе все четыре названных мною портрета. Они достоверны и не похожи, пристальны и обобщены. Художники подбираются к тайне лица и одновременно словно бы к тайне космоса, потому что каждый человек-космос. Вот на какие размышления навел художников веселый и игровой проект Зарипова.
А в целом по мановению этого проекта - волшебной палочки мага Анна – современная жизнь повернулась не своим деловым прагматичным лицом, а карнавальным ликом, полным причуд и странностей, артистического легкомыслия и творческой собранности. Альбом (и выставка в целом) явили идею художнического братства, а в широком смысле - братства общечеловеческого. И все это без пафоса – живо, изобретательно, остроумно, а порой глубоко и талантливо.