Волгоградский музей изобразительных искусств им.И.И.Машкова
представляет выставку
ПРАЗДНИК ВКУСА
20 декабря 2017-12 марта 2018
открытие 20 декабря в 18.00
В экспозицию «Праздник вкуса» вошло около ста живописных и графических натюрмортов, созданных отечественными мастерами ХХ-начала XXI века. Это лишь небольшая часть богатейшей коллекции натюрморта в ВМИИ, насчитывающей сотни произведений. Она формировалась на протяжении всей жизни музея. Выставку украшают работы мастеров, получивших широкую известность, таких как Е.Моисеенко, А.Мыльников, З.Церетели, А.Никич. Конечно же, важнейшую роль в проекте играют работы мастеров «Бубнового валета»: А.Куприна, П.Кончаловского, А.Осмеркина, И.Машкова. Илью Машкова называли «королем натюрморта», а в 1930-е гг. к его товарищам по объединению «Бубновый валет» критика применяла ругательный термин «натюрмортисты». Во многом благодаря именно их заслугам натюрморт в нашей стране достиг невероятного расцвета.
Зритель вновь увидит знаменитые гимновые «Советские хлебы» Машкова, ставшие «визитной карточкой» музея и его же «десерты», написанные в духе голландских натюрмортов; хрупкие ирисы Дмитрия Жилинского и бесхитростный «Натюрморт с коромыслом» Раисы Затуловской, неожиданно нежный «Натюрморт с бочкой «нашего земляка Геннадия Котова и горький апофеоз смерти «Печаль вещей» адыгейского графика Феликса Петуваша. В экспозицию вошло большое количество произведений волгоградских художников: А.Бородина, И.Романова, Г.Зотова, В.Тихонова, В.Иванова, Н.Пироговой, А.Егидиса, Л.Гоманюка, П.Зверховского, В.Патрина, Г.Котова, А.Прокопенко, Г.Вяткина. В проект вошло и несколько натюрмортов Павла Шардакова, буквально на днях переданных музею в дар. Выставка дарит возможность открыть для широкой аудитории новые имена, многие работы впервые будут представлены зрителю. В их числе «Секретер» В.Рожнева; «Натюрморт с цветами и шкатулкой» Льва Холмянского, «Натюрморт с глобусом», написанный Марией Алексеевной Клещар-Самохваловой, женой Александра Самохвалова, дружбу с которой музей поддерживал многие годы; «Рябина» Антона Шимановского, зятя Ильи Машкова. Рядом с работами официально признанных мастеров экспонируются произведения опального «формалиста» Федора Семенова-Амурского.
Мир натюрморта- поистине праздник вкуса для ценителей искусства. Экспозиция дает возможность получить представление о поистине безграничных возможностях этого на первый взгляд тихого, «скромного» жанра. Посетитель увидит изящные букеты и горы поразительно «съедобных» плодов, натюрморты концептуальные и штудийные, индустриальные и бытовые, прославляющие материальное великолепие мира и открывающие его бренность и хрупкость. Здесь есть натюрморты праздничные, триумфальные, траурные, лирические, медитативные. Предметы, запечатленные на холстах бездействуют, но каждый из них продолжает нести отпечаток рук своего создателя; вещи здесь выступают как носители идей, духовных ценностей.
Несколько веков натюрморт оставался в тени, почитался жанром малозначительным, ведь здесь трудно развернуть повествование о героических свершениях человека. Так было и в советские годы. Однако в начале ХХ века натюрморт выдвинулся на авансцену художественного процесса, превратившись в лабораторию по созданию новых языков искусства. Здесь художник получает возможность сосредоточиться на собственно художественных задачах, самом языке искусства, проблемах изобразительности, колорита, композиции, фактуры. Натюрморт позволяет поникнуть в «художественную кухню», проследить за ходом творческой мысли, потому особый раздел экспозиции посвящен отношениям «художник и мастерская». Обращаясь к натюрморту, художник чаще всего свободен от заказа, он волен выбрать натуру, которая ему близка. Творец обращается к тем задачам, которые волнуют именно его. Таким образом, натюрморт часто оказывается исповедальным жанром, в котором художник не просто раскрывает свои пристрастия, вкусы и настроения, но в которых он нащупывает правду, ищет ответы на жизненные и творческие вопросы. Неслучайно в натюрмортах часто оказываются выявлены лучшие, сильнейшие стороны таланта мастера. В контексте соцреализма натюрморт стал территорией выживания полноценной живописной культуры.
Натюрморт- жанр, родственный лирической поэзии. Он взывает к самоуглубленному зрительскому восприятию, родственному той работе, что была проделана художником. Послание выставки многогранно. Завершая год экологии, музей предлагает еще раз поразмышлять об отношениях человека и мира. Среди прочих вопросов, задаваемых выставкой и вопрос о том следе, который мы оставляем в мире. Украшаем ли мы его, облагораживаем ли мы его вкус?
Адрес: Волгоград, проспект Ленина, 21.
Время работы 10.00-18.00, в среду 10.00-20.00, выходной вторник. тел.(8442)38-24-44, (8442) 38-59-15

7 декабря в 17:00 в откроется выставка некоторых работ, переданных в дар Светланой Шардаковой.
Это не первый красивый и благородной поступок, совершаемый ценителями прекрасного — ранее мы рассказывали об испанской баронессе, подарившей Волгоградскому музею изобразительных искусств им. Машкова более 20 живописных полотен российских художников XX века.
Теперь речь идёт о другой благородной и щедрой истории. Вдова известного волгоградского мастера, заслуженного художника России Павла Федоровича Шардакова — Светлана Сергеевна передала в дар Волгоградскому музею изобразительных искусств им. И. И. Машкова 349 произведений живописи и графики. Их автором является ее муж — яркий и талантливый художник.
Павел Федорович приехал с супругой в Волгоград в 1965 году по приглашению от Волгоградского отделения Союза художников. С этого времени и до конца 1980-х годов по проектам и при участии Павла Фёдоровича в Волгограде, Волжском и других городах Волгоградской области было оформлено немало объектов. Например, фасад конференц-зала Волгоградского химического комбината «Каустик», интерьер волгоградского Дворца пионеров и многие другие объекты. Одна из интересных работ мастера, которая известна каждому волгоградцу — это мозаичный фасад заводоуправления Волгоградского тракторного завода им. Дзержинского. Кстати, мастер внес в работу немного своего, личного: так, на левом ризалите фасада можно видеть портрет матери художника, Клавдии Тимофеевны.
Как и многие художники, приехавшие в 1950-1960-е года в Сталинград-Волгоград, Павел Фёдорович остался и работал здесь до конца своей жизни. Им было создано много произведений, и после его ухода, Светлана Сергеевна Шардакова скрупулёзно разобрала и систематизировала оставшееся после мужа живописное и графическое наследие и распределила его между нескольких музеев в городах, где жил и работал Павел Федорович Шардаков. Волгоградский музей изобразительных искусств им. И. И. Машкова получил щедрый дар в виде 349 произведений живописи и графики и 26 книг по истории и теории изобразительного искусства из личной коллекции художника.
Экспозиция, которая откроется в музее 7 декабря – это знак благодарности вдове художника за трепетное отношение к творческому наследию автора и анонс будущей большой выставки, - сообщили в музее.
В 2019 году, в честь 90-летия художника Павла Федоровича Шардакова, планируется проведение большой выставки работ, подаренных музею Светланой Сергеевной .
Выставка будет работать в выставочном зале Волгоградского музея изобразительных искусств им.И.И.Машкова по адресу: Волгоград, ул. им. Маршала Чуйкова, 37.
Время работы выставочного зала 11:00-19:00, в четверг 12:00-20:00, выходной понедельник.тел.(8442)38-24-44, (8442) 38-59-15; 24-16-79

С 1 марта в Выставочном зале Волгоградского музея изобразительных искусств им. И.И.Машкова начинает работу фотовыставка «ONTHEROOFS». Открытие состоится 1 марта в 17.00.
«ONTHEROOFS» – это международный проект. Его создатели – Виталий Раскалов и Вадим Махоров – ставят задачи запечатлеть на снимках и показать зрителю удивительную красоту мегаполисов, уникальность и самобытность архитектуры разных стран, исторических эпох и стилей, находя необычные ракурсы и точки обзора с самых высоких сооружений в мире.
Мировая известность пришла к фотографам после акции в Шанхае в 2014 году, в рамках которой появились такие фотоработы как «Мост Нанпу и развязка перед ним», «Ночной вид с Шанхайской башни» и многое другое.
Фотографии Виталия Раскалова и Вадима Махорова – это яркое повествование и необыкновенное приключение, которое сразу привлекает внимание зрителя и оставляет массу впечатлений. Одни снимки поражают величием, стихийной силой и энергетикой кипящей жизни мегаполисов, другие – монументальностью сооружений, третьи – мощью технических достижений человечества.
В разные годы выполнены работы «Вершина Кёльнского собора», «Мост Акаши Кайке. Япония», «Мост на Остров Русский, Владивосток» и многие другие.
Серия фотографий дает возможность увидеть многообразие грандиозных сооружений всего мира – впечатляющую застройку небоскребов на Манхеттене и многолюдные площади Гонконга, почти инопланетный городской пейзаж Токио и средневековые европейские соборы, величаво и спокойно возвышающиеся среди современных зданий. У авторов фоторабот уже состоялось более десяти выставок, которые с успехом прошли в городах России и Европы.
Выставка будет работать с 1 марта по 23 апреля 2018 года в выставочном зале Волгоградского музея изобразительных искусств им. И.И.Машкова по адресу ул. им. маршала Чуйкова, 37.
16+

Время работы выставочного зала 11.00-19.00, в четверг 12.00-20.00, выходной понедельник. тел.(8442)38-24-44, (8442) 38-59-15; 24-16-79

Волгоградский музей изобразительных искусств им. И.И.Машкова
представляет выставку «Камни забвения» Скульптура Роберта Харитонова из фондов ВМИИ
22 февраля - 2 апреля
открытие 22 февраля в 16.00
Выставка отдает дань памяти яркому, талантливому волгоградскому скульптору Роберту Харитонову (1940-1997). Самые известные из его монументальных работ знакомы каждому волгоградцу, это исполненные героического пафоса памятник Михаилу Паникахе и памятник ополченцам- защитникам Тракторного завода. Творческое наследие Харитонова, созданное за его не очень долгий век, разнообразно и неоднородно, оно остается малоизвестным широкой аудитории. Двадцать лет прошло со времени его ухода. В 2009 г. в Волгоградский музей изобразительных искусств наследниками скульптора была передана в дар большая коллекция его работ, включающая более сотни произведений. Половина из них будет представлена на выставке «Камни забвения». В состав экспозиции вошли эскизы монументов, портреты, медали, композиции, выполненные в бронзе, камне, шамоте. Выставка дополняется фотографиями, воспоминаниями о мастере. Она свидетельствует о напряженном, драматическом характере дара скульптора, о пути, который он проделал от 1970-х к 1990-м, о трансформациях реальности, в которой он проживал.
Скульптура Харитонова узнаваема при несомненной включенности в контекст мирового искусства ХХ века. Минуя стереотипы и не стремясь к общепринятой «приятности для глаза», Харитонов добивается силы художественного высказывания. Его работы говорят о мучительных поисках- не только художественных, но и философских, касающихся отношений между людьми, сути жизни, движении времени. Потому родные для него образы- мятущиеся, противоборствующие, ищущие. Среди его излюбленных персонажей- Бетховен, Сократ, Достоевский.
В ранних работах Харитонова напряженная форма, кажется, взрывается динамичными ритмами. В его даже небольших произведениях клокочет жизнь, но это бытие не благостное, но драматическое, раздираемое противоречиями («Диоген», «Пегас»). Неслучайно еще один его любимый образ- поверженный кентавр- существо могучее, опасное и страдающее. Приемы, апеллирующие к кубизму и экспрессионизму, сменяются подвижной свободной лепкой портретов, поисками опоры в традиционной африканской и египетской пластике, исследованиями декоративных возможностей металла, глины. Сдержанные, минималистические, безошибочно выверенные однофигурные композиции выполнены в символическом ключе («Мыслитель», «Смирение»). Какую бы стилистику мастер не избирал, для него была важна энергетика формы, сила воздействия на зрителя. Его ориентирами в искусстве были скульпторы-«тяжеловесы»: Барлах и Королев, Бурдель и Неизвестный.
Роберт Харитонов- неординарное явление на волгоградской художественной арене 1970-1980-х гг. Артистичный, эффектный, интеллектуальный, независимый в каждом своем жесте, - он остался незабываемой и единственной в своем роде фигурой. Говоря о его творчестве, мы вспоминаем период насыщенной, разнообразной жизни нашего союза художников, украшением которого была скульптурная секция, признаваемая самой сильной в Поволжье. Его соратниками по скульптурному цеху были очень разные и талантливые мастера: Н. Павловская, М. Павловский, П. Малков, В. Фетисов, А. Голованов, О. Дедов, В. Рухлин, В. Понамарев, Ю. Юшин, А. Тамаров, А. Ковальчук, В. Безруков, А. Криволапов. Своя насыщенная, интересная жизнь была в то время у молодого поколения художников, тесно общавшихся с архитекторами, музыкантами, искусствоведами. Харитонов был дружен с такими же молодыми А.Шумилиным и П.Чаплыгиным, Г.Вяткиным и П.Зверховским, А.Бровко и И.Лепнуховым, А.Бровко и В.Тихоновым, А.Мамонтовым и Ю.Юшиным.
Художественные решения Роберта Харитонова часто воспринимались как неожиданные, порой коробящие, но всегда искренние. Харитонов- мастер, стоящий на романтической позиции, горячий, страстный. Все его пластические высказывания- от первого лица, они точно воспроизводят его интонацию, его боль, радость и горечь. В состав выставки войдет и композиция «Камни забвения», вызвавшая особый интерес партийных кураторов в момент своего первого показа на выставке молодых художников в 1977 г. Обкатанные камни с полустертыми человеческими лицами- сильная и емкая метафора жизни, времени, истории, которые перемалывают, обтесывают индивидуальность, избавляясь от всего выдающегося.
Последние 14 из своих 57 лет он прожил в Москве, но лучшие его работы были созданы в Волгограде. К несомненным удачам можно отнести композиции, посвященные памяти о Великой Отечественной: «Пьета», «Сталинград», «Встреча», «Прощание», «Ожидание». Младенцем со своей семьей Роберт приехал в предвоенный Сталинград и разделил трагедию мирного населения, остававшегося в городе во время битвы. Роберт начал рисовать и лепить в сталинградском Доме пионеров, в изостудии легендарного художника- педагога Григория Леонтьевича Руднева. Патриотизм Харитонова был глубоким, страстным. Потому после окончания Строгановского училища он вернулся в 1970 г. в Волгоград и искренне хотел посвятить свое творчество подвигу Сталинграда. Размах, драматизм композиционно-пластических решений, словно предназначенный для героических тем, грандиозных проектов, казалось, с трудом оказался втиснут в рамки станковых произведений. В судьбе монументалиста не все зависит от качеств самого художника. Случилось так, что единственный раз- в памятнике Паникахе- талант Харитонова получил возможность зазвучать в полный голос. Оттого при взгляде на его творческий путь остается впечатление недосказанности, неполной реализации, короткой судьбы.
Харитонов выполнял работы Художественном фонде, сотрудничал с керамическим заводом, заводом «Сувенир». В ожидании монументальных заказов, он искал поле для экспериментов в малой пластике, рельефе, искусстве медали. Здесь нашли отражение его пристрастия, увлечения литературой, музыкой, философией, спортом («Эдгар Алан По», «Марк Твен», «Хоккей»). Творческая и человеческая неординарность мастера запечатлены не только в произведениях, но и в его фотографиях, воспоминаниях, которыми его семья и друзья щедро поделились при организации выставки «Камни забвения».
Адрес: Волгоград, проспект Ленина, 21.
Время работы 10.00-18.00, в среду 10.00-20.00, выходной вторник. тел.(8442)38-24-44, (8442) 38-59-15

«Абсолютный цвет» Ольги Соколовой
 к 120-летию художника
В пространстве интерактивной «Мастерской Машкова» в формате «выставка в выставке» работает небольшая экспозиция, знакомящая с произведениями ученицы И.И.Машкова, яркого представителя московской живописной школы Ольги Александровны Соколовой (1898-1991). В выставку вошли четыре живописных работы, архивные документы, фотографии, мемуары художника. Имя Ольги Соколовой редко встречается в книгах по искусству или в составе выставочных проектов. Да и при жизни она не стремилась к громкой славе.За ее почти вековую жизнь состоялось всего две персональных выставки:первая в 1937, а вторая через 40 лет, в 1977. При этом как количество, так ивысочайшее живописное качество ее холстов свидетельствуют о редкой полноценности, целостности, независимостиее творческого пути, чтооказалось возможным осуществить,не взирая внешние регламентации.Работа скромным иллюстратором в научных издательствах давала Соколовой необходимую независимость, позволяя сосредоточиться на разработке задач живописного мастерства- колорита, композиции. Не соприкасаясь с системой координат социалистического реализма (но и не входя с ней в видимые противоречия), Ольга Соколова шла своим собственным путем, последовательно развиваямодернистские, машковские традиции, направленные на поиск живописных метафор жизни, формируя все более утонченный инструментарий для восприятия меняющейся реальности.
Мартитос Сарьян ее безошибочное колористическое видение определил по аналогии с абсолютным слухом как «абсолютный цвет и редкий вкус».
В экспозицию вошли четыре произведения: «Педжикент. Старый город» (1930), «Дождь. Самарканд. Старый город» (1939), «Паруса на малой Невке» (1940), «Сталинград. 1943 год. Восстановление» (1943). Их появление в коллекции было частью большой целенаправленной работы по формированию коллекции. Сорок лет назад, зимой 1978 г., научный сотрудник Волгоградского музея изобразительных искусств Инна Непокупная в журнале «Искусство» случайно обнаружила маленькую заметку о том, что в Москве состоялась выставка О.Соколовой- ученицы И.И.Машкова. В заметке говорилось, что это первая крупная выставка Соколовой. К тому времени уже определились собирательские приоритеты музея, связанные с художниками круга Машкова, уже состоялась выставка произведений Ильи Ивановича в Волгограде. По совету Георгия Рублева, учившегося у Машкова, как и О.А.Соколова во Вхутемасе, была начата работа по собиранию произведений учеников «валетов». Более того,некоторые из них оставили свои воспоминания об Илье Ивановиче. Сегодня эти живые свидетельства времени вызывают огромный интерес. Вскоре И.Н.Непокупная встретилась с мастером,а в 1980 г. удалось приобрести 4 живописных произведения для волгоградского собрания. Не менее важно, что Ольга Александровна написала свои воспоминания о Машкове и о своей работе в Сталинграде. Соколова была участницей поразительного педагогического эксперимента Машкова по созданию художественной «артели» во Вхутемасе. Ее тексты, содержащие множество ярких деталей, запечатлели наполненную героическим энтузиазмом жизнь мастерской Машкова и всего Вхутемаса в трудные 1918-1919 годы. К примеру, она описала занятия физкультурой в перерывах между живописью, в ходе которых сама Соколова вела занятия танцами по системе Айседоры Дункан. «Энтузиазм – это то главное, что двигало нас, голодных, плохо одетых, плохо обутых, но неунывающих, готовых сдвинуть горы…» Именно на основе ее воспоминаний был разработан проект интерактивной экспозиции «Мастерская Машкова», внутри которой расположилась сегодняшняя выставка.
Ольга Соколова, практически ровесник века- была творцом нового типа. В 1916 г. она была в числе первых 11 женщин, принятых в Московский университет, где посещала одновременно отделения философии и истории искусств. Одновременно с занятиями в университете О. А. Соколова поступила в танцевальную студию последовательницы Айседоры Дункан Л. Н. Алексеевой. Танцы «босоножек» давали внутреннюю свободу, музыкальность и чувство ритма. Ольга Александровна говорила впоследствии: «Я ощущала такую моторность внутри себя, которая заставляла меня почти танцевать возле холстов с кистью в руках». С 1918 г. она обучалась во ВХУТЕМАСе— ВХУТЕИНе у А. Древина, И. Машкова, Н. Удальцовой, А.Шевченко. С1928Ольга Александровна была участником выставок,входила в состав общества «Рост».В 1929 г.она уехала с мужем в Самарканд, где прожила до 1940 г.Образ Востока в ее даже небольших работах монументализирован. Соколова унаследовала от Машкова лаконичность композиционных формул и живую, сочную, материально убедительную живопись. Резкий рисунок смягчен изыскано- сложным колоритом. С безошибочной точностью Соколова находит живописную метафору неповторимого характера места, состояния среды, движения. В «восточной» серии сиюминутное, натурное обретает характер вечного; ощущение величия, мерного движения создают циклические ритмы и сдержанный колорит. Манера Соколовой не знает заданности; жадный интерес к изменяющимся явлениям делает ее живопись разнообразной и неожиданной. Картина живет во времени; постепенно обнаруживая скрытую игру слоев живописи, множество ритмических соответствий. В 1940 состоялась поездка Соколовой в Ленинград, запечатленная в серии пейзажей. Сила и напряженность цвета соединяются здесь с выразительностью силуэтов, чувством ритма. Ее почерк определяется мощным и утонченным ощущением органичной целостности мира, выраженной в композиционном, цветовом, ритмическом единстве произведений («Паруса над Малой Невкой» (1940 г.). Из многочисленных поездок по стране она привозила пейзажи, отражающие жадный интерес к жизни людей, природы. Этот энтузиазм, увлеченность, искренность, звучащие и в картинах, и текстах, очень роднит ее с Машковым. Заслуживают внимания ее слова, сказанные мимоходом в 1978 о времени ученичества: «нас не учили быть ремесленниками в искусстве, как в ту безрадостную эпоху, которая наступила вслед за ВХУТЕМАСом», подтверждающие абсолютную независимость автора.
Последняя по времени создания работа на данной выставке была написана у нас, в Сталинграде, осенью 1943. Соколова предприняла эту поездку, руководствуясь собственными убеждениями и на собственные средства. «На протяжении примерно 20 километров вдоль берега и километра 4 в ширину мимо нас тянутся сплошные белые развалины, громадные белые остовы, - мертвый город, своеобразная мертвая, молчащая архитектура, - зрелище трагическое и вместе с тем величавое»,- читаем в ее воспоминаниях. «Прожила около 1,5 месяца, без квартир и без денег... Переменила 11 квартир: под открытым небом, на полу в бараке» Вообразите, в Сталинград Ольга Соколова привезла 8 довольно крупных холстов, намереваясь написать картины! Дописывала свою сталинградскую серию Соколова на неразминированной территории, рискуя жизнью.
После войны Соколова обосновалась в Москве, но много путешествовала, принимала активное участие в коллективных выставках. До конца жизни ее творческая активность не ослабевала. Остро, темпераментно, страстно чувствовала она живописную структуру мира, его звучную гармонию. Ее пейзажи и натюрморты содержат точно подобранный цветоритмический ключ к пониманию живой природы. В ее облике и поведении читались воля, цельность, достоинство. С огромным пиететом о ней отзываются современники. В предисловии к единственному каталогу ее выставки художник Илларион Голицын пишет: «Два слова: молодость и преданность — пришли вместе, когда я попытался представить себе творческий характер художника Ольги Александровны Соколовой. Молодость темперамента, живая реакция на окружающий ее яркий движущийся мир — это еще и еще продолжение напряженной творческой работы. Преданность, духовная чистота художника — вся ее жизнь (иногда очень трудная), которая была направлена, нацелена на творчество».
Экспозиция будет работать с 16 февраля по 19 марта 2018 г. в интерактивной экспозиции «Мастерская Машкова» в Волгоградском музее изобразительных искусств имени И.И.Машкова по адресу: Волгоград, проспект Ленина,21. тел.(8442)38-24-44, (8442) 38-59-15

С 9 февраля по 4 марта в Выставочном зале (ул. Чуйкова, 37) Волгоградского музея изобразительных искусств им. И.И.Машкова можно увидеть уникальные документы и фотоматериалы, которые легли в основу международной выставки «Путь к общей Победе над нацизмом: от Сталинграда до Праги». Цель проекта: напомнить о гуманитарной катастрофе в Европе в годы Второй мировой войны, о нашей общей победе над нацизмом, когда народы разных стран смогли объединиться в борьбе с мировым злом.
Выставка «Путь к общей Победе над нацизмом: от Сталинграда до Праги» была инициирована муниципалитетом города-героя Волгоград и получившая поддержку депутатов фракции GUE/NGL Европейского парламента. В реализации экспозиции участвовали города-побратимы Волгограда из Великобритании, Польши, Франции и Чехии, представители гражданского общества, ученые, эксперты.
Название выставки подчеркивает ход исторических событий: после подписания нацистской Германией в Берлине акта о безоговорочной капитуляции в окрестностях Праги ещё продолжали греметь выстрелы, а военные действия завершились 12 мая 1945 года.
У выставки «Путь к общей Победе над нацизмом: от Сталинграда до Праги» яркая экспозиционная история. Открывшись в Страсбурге в здании Европарламента 28 апреля 2015 года, она с успехом экспонировалась в крупных городах Чехии: в побратиме Волгограда – Остраве (июнь 2015 г.), Брно (сентябрь 2015 г.), а также столице Германии – Берлине (февраль 2016 г.). В июне 2016 года выставка открылась в Мемориальном музее г. Лидице (Чехия), в феврале 2017 г. – в г. Нитра (Словакия), в марте 2017 г. – в Национальном культурном памятнике - мемориальном комплексе Лежаки (Чехия).
Данную выставку по праву можно считать подлинным проектом народной дипломатии.
Выставка будет работать в выставочном зале Волгоградского музея изобразительных искусств им.И.И.Машкова по адресу: Волгоград, ул. им. Маршала Чуйкова, 37.
Время работы выставочного зала 11.00-19.00, в четверг 12.00-20.00, выходной понедельник. тел.(8442)38-24-44, (8442) 38-59-15; 24-16-79

1 февраля, накануне 75-й годовщины празднования Победы советского народа в Сталинградской битве, Волгоградский музей изобразительных искусств им.И.И.Машкова представит виртуальную выставку «Образ военного Сталинграда как изобразительный феномен советского кинематографа 1940-х». Она пройдет в основном здании музея Машкова на пр. Ленина, 21. В режиме non-stop видеоинсталляция будет идти все время работы музея до 26 февраля. Сопровождается видео-иллюстративный текст аутентичной ораторией композитора Ю.Шапорина «Сказание о битве за русскую землю », написанной в 1944 году в честь Первой годовщины Сталинградской битвы.
3 февраля (суббота) в 14.00 часов состоится лекция «Снято в Сталинграде: Сталинград в советских фильмах 1940-х годов». Она пройдет в пространстве видеоинсталляции. Вниманию посетителей будут представлены документальные материалы и публикации военного времени о процессе создания этих фильмов, творческих биографиях операторов, режиссеров, художников, актеров, интересные факты со съемочных площадок и многое другое. Видеоинсталляция подготовлена на основе кадров-скриншотов из знаменитых произведений киноискусства, где образ Сталинграда – «утеса», «крепости», «жертвенника» войны возникает из пламени пожарищ, и человеческого высокого «горения»-подвига - проявляется с необычайной силой, является подлинным документом военной эпохи.

Волгоградский музей изобразительных искусств им. И.И.Машкова представляет выставку Старинная гравюра. Западноевропейская графика XVII-XIX веков из частной коллекции Александра Осипова и фондов Волгоградского музея изобразительных искусств им. И.И. Машкова.
Открытие 1 февраля в 17.00
Проект «Старинная гравюра» можно назвать экспериментальным. В одном экспозиционном пространстве встречаются предметы искусства из частной коллекции и экспонаты музейного фонда. Старинная гравюра - явление неординарное и многоплановое. Начиная с XV века виртуозные оттиски на бумаге вызывают горячий интерес профессионалов, знатоков и любителей изобразительного искусства. За несколько веков развития к гравюре обращались самые известные художники Западной Европы и России. Некоторые страницы истории гравюры раскроет новая выставка.
Фонды Волгоградского музея изобразительных искусств им.И.И.Машкова включают значительную коллекцию зарубежной и отечественной графики XV- первой половины XX века. Мы храним более 1500 листов как оригинальной, так и печатной графики. Особая страница в истории старинной гравюры – так называемая репродукционная гравюра, которая получила европейскую известность, начиная с XVI века. В то время это был единственный способ познакомить широкую публику с шедеврами великих художников. Подлинный расцвет переживает репродукционная гравюра в XVIII и XIX веках, когда многие как музейные, так и частные коллекции стремились опубликовать лучшие картины и рисунки старых мастеров из своих собраний. Самые известные итальянские, французские, немецкие граверы, а с XIX века и литографы воспроизводили шедевры на досках, а крупные издательские дома Европы печатали альбомы и серии, сборники и выпуски гравюр и литографий , посвященные Дрезденской и Флорентийской картинным галереям, музеям Парижа, Берлина, Лондона, Санкт-Петербурга.
Выставка «Старинная гравюра» представляет 75 произведений XVIII-XIX веков из фондов музея, в том числе, листы из выпусков гравюр и литографий «Дрезденская картинная галерея» (Дрезден, 1830-е гг.), «Картинная галерея Флоренции» (Флоренция,1840-е гг.), «Королевская Прусская картинная галерея» (Берлин, 1850-е гг.). Музей впервые имеет возможность показать «Альбом гравюр с оригиналов итальянских мастеров», изданный в Риме в 1764 году, включающий 26 офортов с оригиналов Гверчино. Также впервые зритель увидит Альбом «Итальянские боги в колесницах», изданный в Риме в 1800-е годы (гравер Пьетро Бонато) с оригиналов Рафаэля.
Отдельная часть экспозиции – это первое представление частной коллекции Александра Осипова (Волгоград). Коллекционер предоставил для выставки семнадцать прекрасно оформленных старинных гравюр XVII-XIX веков, а также более 60-ти старинных монет и наград Англии XVIII-XIX веков, предметы фаянсовой старинной английской посуды, редкие издания книг, документы, написанные пером на пергаменте. Характер его собрания определил интерес к британскому искусству и взаимному влиянию культур Англии и России, прежде всего в первой половине XIX века, в "пушкинское время". В состав выставки вошли и листы из знаменитой «Шекспировской галереи» лондонского издателя Бойделла. «Казалось бы, обычные повседневные предметы: посуда и монеты, книги, журналы, документы, награды - позволяют ощутить атмосферу времени, проникнуться духом традиций и обычаев»,-говорит коллекционер.
Старинные оттиски, выполненные на специальной бумаге в технике резцовой гравюры и офорта, меццо-тинто и литографии, чрезвычайно требовательны к условиям хранения и экспонирования - они боятся солнечного света и повышенной влажности, "устают" от длительного нахождения вне стен специализированных хранений графики. Выставочные пространства музея, открытые в 2017 году, оборудованные специальными климатическими и световыми системами, позволяют безболезненно демонстрировать предметы графики. Сегодня зритель получит возможность для качественного просмотра тончайших и изысканных по технике исполнения графических листов - старинных гравюр.
Выставка будет работать с 1 по 25 февраля 2018 г. в выставочном зале Волгоградского музея изобразительных искусств им.И.И.Машкова по адресу: Волгоград, ул. им. Маршала Чуйкова, 37.

Персональная выставка волгоградского художника, Заслуженного художника Российской Федерации Владислава Коваля «Твердь» включает более 60 живописных произведений. Она является данью памяти подвигу нашего города и приурочена к 75-летию Победы в Сталинградской битве. Основу ее составил полиптих «Твердь», состоящий из 24 частей. Он посвящен сюжетам Ветхого и Нового Заветов: от сотворения мира до Воскресения Христова и деяний апостолов. Автор стремился найти способ современной интерпретации Библейских текстов.
- На полотнах я стремился соединить твердь и свет, - рассказывает о своей работе на серией «Твердь» Владислав Коваль. Надо было решить сложную задачу: превратить статичные, каменные объекты в живые.Библейские сюжеты – вечны, они всегда будут притягивать художников, каждый из которых по своему будет их интерпретировать. Их смысл невозможно постичь до конца, их емкие формулы снова и снова проживаются в каждой человеческой жизни.
В серии «Твердь» художник развивает разрабатываемые на протяжении последних двадцати лет методы «Т-арта»- искусства трансформации, отражающего неоднозначность устройства мира, живые связи конкретного и всеобщего. Картины, как буквы способны складываться в различные слова, образуя всякий раз новый текст и обнаруживая новые смыслы. Варианты их взаимодействия представлены на дополняющих экспозицию полотнах. Живописная манера художника в этой серии очень строга – она практически монохромна и воспроизводит формы древних рельефов, высеченных в камне, но при этом излучающих свет.
При объединении проект приобретает монументальный формат и по мысли автора может быть реализован в монументальном рельефе, органически сращенном с ландшафтом меловых гор, встраиваясь в формы, созданные природой, временем.
Масштабный проект «Твердь» создавался Владиславом Ковалем на протяжении трех лет и был завершен девять лет назад. В экспозицию вошли как произведения начала 90-х XX века, так и совсем свежие, только что написанные работы. В большинстве своем они созданы в авторской технике «Т-арта», фиксирущей таинственные взаимодействия различных планов бытия. Так пейзаж оборачивается портретом, кажущееся неживым оживает, в крупице обнаруживается сложно устроенный мир.
Владислав Коваль пишет на холсте темперой, при этом сам склонен расценивать свои работы как графические. Коваль график по образованию, для него важна красота линии, выразительность пятна, взаимодействие линейных ритмов. В 1976 году он окончил Московский полиграфический институт, активно работал в книжных издательствах, им было создано полсотни книг. Это человек книги, мастер книжного синтеза. Сейчас, выйдя за пределы книги, он продолжает последовательно разворачивать истории на холстах, веруя в великую силу Слова. Он привык внимательно вглядываться в реальность, словно сквозь лупу, вчитываться в знаки жизни, расшифровывая их послания.
Осознанность каждого движения кисти свойственны масштабным полотнам «Георгий Победоносец», «Молитва Ноя», «Реквием по «Черному квадрату». Среди представленных произведений немало работ, посвященных биографии нашего города, к которой художник относится с огромным уважением и любовью: «Царицын на Волге», «Порт пяти море», «Сталинград. «Ласточка». 1942-й год».
Много лет Владислав Эдуардович Коваль преподает, с 2001 года является профессором Волгоградского государственного социально-педагогического университета. Проводя большую общественную работу, с 1988 года много лет возглавлял Волгоградский Фонд Культуры, является членом Областного Совета по возрождения народных промыслов. Коваль прилагает немало усилий как общественный деятель в очень важной сегодня работе по формированию образа нашего города, сложению местной идентичности.
Сегодня имя Владислава Коваля хорошо известно в мире, его произведения находятся во многих музейных и частных собраниях. Он отмечен почетным званием Заслуженного художника Российской Федерации, дважды становился лауреатом Государственной премии Волгоградской области, является Почетным членом Российской Академии художеств, Почетным гражданином Волгоградской области.
В работах Коваля, несмотря на стремление к изображению Вечности нет консерватизма – художник чувствует дыхание времени, ищет художественные метафоры для его воплощения. Необходимо учитывать, что это лишь малая часть творческой лаборатории художника, кажется, только и успевающего схватывать на лету идеи, посылаемые вселенной.
Огромные и интереснейшие пласты творчества составляют его книжные работы и плакаты, марки и гербы, знаки и изобретенный им метод «ювелиризма». Художник уже начал готовиться к предстоящей юбилейной выставке, на которой зритель увидит совсем незнакомого, необычного, нового Коваля.
Работа персональной выставки продлится до 25 февраля 2018 года.
Выставочный зал музея Машкова - +7 (8442) 24-16-79
г. Волгоград, ул. Чуйкова, 37

Волгоградский музей изобразительных искусств им.И.И.Машкова представляет выставку Георгий Нисский. В поисках совершенного человека.
К 115-летию со дня рождения художника
Открытие 18 января в 17.00
С 18 января по 12 февраля 2018г. в Волгоградском музее изобразительных искусств имени И.И. Машкова открыта выставка произведений живописи и графики Георгия Григорьевича Нисского. Выставка приурочена к 115-летию со дня рождения художника.
Г.Г.Нисский (1903 – 1987) оставил яркий след в отечественном искусстве. Его жизнь и творчество совпали с переломными вехами истории России: революция, индустриализация, Великая Отечественная война, «оттепель».
Он – один из тех наблюдательных и умных творцов, которые смогли осмыслить «крутые виражи» нашего ХХ века и прекрасную мечту своего поколения о новой, совершенной стране и новом, совершенном человеке.
Сам Георгий Нисский, с его впечатляющими достижениями в спорте, в искусстве, в теоретических трудах о живописи, воспринимается как образец строителя новой жизни, советский «сверхчеловек» - талантливый, целеустремленный, трудолюбивый, оптимистичный.
 Ранние произведения и работы зрелого мастерства привлекают зрителей прекрасно переданным чувством ритмов, масштабов и смыслов своей эпохи. А также искренним восхищением и любовью к своей стране, которую этот неутомимый путешественник – художник хорошо знал и изображал, от бескрайних просторов сурового Севера, до старых русских городов Центральной России и ласкового Черноморского побережья.
Г.Г.Нисский заслуженно снискал славу мэтра советского пейзажа, в первую очередь- индустриального. Он – обладатель громких титулов, званий и наград: лауреат Сталинской Государственной премии, Бронзовой медали на Всемирной выставке в Париже, Народный художник РСФСР.
И хотя в современной России его начали забывать, слишком не похожи современные россияне на то героически стойкое и созидательное поколение, ностальгия по радостному энтузиазму и бескорыстной влюбленности в свою Родину все ещё чувствуется в нас.
На юбилейной выставке представлена небольшая, высокого художественного уровня коллекция работ Г.Г.Нисского из фондов ВМИИ. Это пять живописных и пять графических произведений 1930-х и 1950-х годов. Кроме того, зритель может познакомиться с фотографиями и эпистолярным наследием художника, его высказываниями об искусстве и творческом методе пейзажиста. В состав экспозиции вошла знаменитая, ставшая знаковой для своей эпохи работа и, безусловно, ключевая для творческого пути самого художника- «На путях. Весна. Май», написанная в 1933 г. Она поступила в Волгоградский музей в 1968 году из мастерской живописца. Удивительным образом в ней совмещаются черты индустриального пейзажа и нежная человечность, могучая устремленность в будущее и радость переживания мгновения, интеллектуальности и эмоциональности. Произведения периода оттепели («За полярным кругом», 1955г.)- точно вписаны в свое время и стали максимально полным выражением «сурового стиля».

Адрес: Волгоград, проспект Ленина, 21.
Время работы 10.00-18.00, в среду 10.00-20.00, выходной вторник. тел.(8442)38-24-44, (8442) 38-59-15

Волгоградский музей изобразительных искусств им. И.И.Машкова представляет выставку в выставке Федор Алексеев- русский мастер ведуты.
11 января- 20 февраля
Выставка предлагает обратить внимание на личность и творчество русского живописца 18 века Федора Яковлевича Алексеева (1753-1824). Его можно назвать основоположником русской пейзажной живописи, ее первопроходцем и учителем нескольких поколений пейзажистов. Выставка приурочена к 265-летию со дня рождения художника. Талантливый мастер, выпускник Петербургской Академии, происходил из простой семьи, он был сыном отставного солдата, сторожа Петербургской академии наук. Долгие годы его роль в русском искусстве оставались незаслуженно обойденной вниманием. В то же время произведение Федора Алексеева «Морской пейзаж» (1780-е), поступившее в 1980 г. в Волгоградский музей изобразительных искусств в составе коллекции Н.А.Арнинг-Зайцевой, практически никогда не покидало экспозиции и является своеобразной «визитной карточкой» музея. Данная выставка предлагает более пристально вглядеться в шедевр 18 века.
Алексеев- мастер прежде всего городского пейзажа, к которому художник обратился во время своего пребывания в Венеции. Он воспринял типологические свойства особого типа венецианского пейзажа- ведуты, особенностями которого были точность в передаче архитектуры, ювелирная тонкость письма, внимание к перспективе и состоянию воздуха. Никто лучше Алексеева не был способен запечатлеть взаимодействие неба, воды и архитектуры. Мир в картинах Алексеева кажется сверхреальным, но это реальность опоэтизированная, возвышенная. За всего лишь одним произведением стоит неординарная, во многом загадочная личность, непростая судьба и целая эпоха.
Выставка будет работать во втором зале Волгоградского музея изобразительных искусств им. И.И.Машкова
по адресу: Волгоград, проспект Ленина,21.
тел.(8442)38-24-44, (8442) 38-59-15

Волгоградский музей изобразительных искусств им. И.И.Машкова
Детская школа искусств №5 г. Волгограда
представляют
Юбилейную выставку «Учителя и ученики», посвященную 30-летию со дня основания ДШИ № 5
22 декабря 2017 г. в 17:00 часов в Выставочном зале Волгоградского музея изобразительных искусств им. И.И.Машкова состоится открытие выставки «Учителя и ученики», посвященной 30-летию Детской художественной школы № 5 и праздничный концерт. 
Детская школа искусств № 5 открылась в 1987 году. Её основателем и первым директором был Виктор Николаевич Князев. Через два года эстафету принял Вячеслав Алексеевич Милованов, который возглавлял ее почти три десятилетия. Он сумел создать профессиональный творческий коллектив. Почти сразу с момента создания школа серьезно о себе заявила в городе. В 1994 году на базе Детской школы искусств № 5 открывается художественное отделение Волгоградского училища искусств (ныне Волгоградская консерватория им. П.А. Серебрякова). ДШИ стабильно занимает высокие места в рейтинге школ дополнительного образования. А в 2009 году в конкурсе на «Лучшую муниципальную детскую школу искусств», учрежденном Волгоградской городской Думой и администрацией города, Детская школа искусств № 5 стала победителем и обладателем муниципального Гранта.
Ежегодно учащиеся Детской школы искусств № 5 принимают участие в фестивалях, конкурсах, выставках, концертах различного уровня, где показывают отличные результаты, становятся лауреатами и дипломантами, в том числе и на Дельфийских играх. Лучшие ученики школы становились стипендиатами городской и областной Думы, Министерства Культуры Волгоградской области.
За годы существования школу окончили более 1000 учащихся, многие из которых связали свою жизнь с искусством, стали профессиональными музыкантами, художниками, педагогами, являются членами Волгоградского отделения Союза художников РФ.
На выставке «Учителя и ученики» представлено 99 работ, выполненных различными поколениями художников. Среди них есть и признанные мастера, и молодые творцы: Милованов В.А., Князев В.Н., Мещеряков В.М., Мукасеева Н.В., Князева В.И., Олейник Л.А., Дидык В.М., Мелихова М.М, Белова М.В., Мамардашвили Н.В, Потрясова А.С., Плахова Е.О., Азарова Т.И., Савинова И.С., Сабельников Н.А., Тулупова А.В. Особенно ценно, что среди экспонентов присутствуют преподаватели, трудящиеся в родной школе. Выставка позволяет судить о жизнеспособности и плодотворном развития художественной традиции школы.
Выставка будет работать с 22 декабря 2017 г. по 21 января 2018 г. в выставочном зале Волгоградского музея изобразительных искусств им. И.И.Машкова по адресу: Волгоград, ул. им. Маршала Чуйкова, 37.
Время работы выставочного зала 11:00-19:00, в четверг 12:00-20:00, выходной понедельник.
тел.(8442) 38-24-44, (8442) 38-59-15; 24-16-79

Название выставки, которую вскоре покажет Волгоградский музей изобразительных искусств им.И.И.Машкова, подчеркивает суть новой экспозиции. Все лучшие произведения отечественного изобразительного искусства, которые хранятся в фондах музея, из хранилища переместятся в залы и раскроют перед зрителями – волгоградцами и гостями города – особенности русской художественной школы.
В истории русского искусства воплотились бурные перипетии неординарного исторического процесса развития нашей страны. Сегодня не менее чем три века назад актуальны споры и дискуссии по поводу сущности культуры России: является ли она своеобразным воплощением западноевропейских традиций или представляет собой совершенно особый, оригинальный феномен. Самобытное художественное творчество России имеет ряд отличительных черт: яркий колорит, асимметрия форм, духовность содержания, порой переходящая в идеологизацию искусства, резкие и частые смены от реалистической манеры мировосприятия к абстракции в формах воплощения в произведениях искусства окружающего мира.
Традиционная иконопись и предметы мастеров народных художественных промыслов, классическая живопись, оригинальный рисунок и станковая скульптура в различных материалах – более 150 предметов разместятся в двух залах музея по адресу: пр.Ленина, дом 21. Произведения разных видов искусства известных художников XVIII – XIX- начала XX веков позволят зрителю не только восхищаться шедеврами из фондов музея, но и самому, каждому для себя, сделать вывод о месте русского искусства в мировом художественном процессе и о непреходящих ценностях отечественной культуры.
Экспозиция будет работать с 1 июня 2018 г. по 30 сентября 2019 г. в Волгоградском музее изобразительных искусств им.И.И.Машкова по адресу: Волгоград, проспект Ленина, 21. тел.(8442) 38-24-44, (8442) 38-59-15, 38-01-91

В интерактивной экспозиции «Мастерская Машкова» в формате «выставка в выставке» вниманию зрителей представлены 4 живописных произведения Александра Шевченко: «Малютин сад» (1941), «Окраина» (1943), «Прохладный двор» (1944), «Автопортрет» (1945). Это часть небольшой, но очень красивой коллекции его работ, поступившей в музей от наследников в 1986 г. Это поздние работы мастера, известного зрителю прежде всего как художник-авангардист. Но авангардист это был особенный. «Пластическим художником» Шевченко назвал живописец-символист Павел Кузнецов. На протяжении всей творческой жизни, не взирая на перемены художественного языка, Шевченко сохранял первостепенный интерес к красоте пластической формы, воплощающей понимание изначальной гармонии мира.
«Малютин сад», «Окраина», «Прохладный двор»- скромные, лишенные внешней эффектности пейзажи; они обитаемы, окутаны мягким светом. Невероятно тонкие нюансы цвета передают понимание драгоценной сложности и ценности мира. На теплую землю ложатся кружевные прозрачные тени. С автопортрета смотрит куда-то мимо зрителя, думая о своем художник. Его мощно вылепленное светом лицо исполнено благородства и внутренней силы. К лацкану куртки прикреплен цветок кораллового цвета. Нечто рыцарственное есть и в е служении идее красоты, которую Шевченко пронес через свой век.
12 мая мастеру исполнилось 135 лет. Александр Васильевич Шевченко (1883-1948) вошел в историю искусства как один из создателей нового языка искусства ХХ века, теоретик искусства. Он начал длинный путь в профессию в Строгановском училище, затем учился в Париже. После, как и Илья Машков, Шевченко учился в Московском училище живописи, ваяния, зодчества, из которого был отчислен. Как и Машков, это был мастер, отличающийся невероятной способностью к развитию, консервация приемов была для него невозможной.
Его ранние работы основаны на принципах примитивизма, лучизма. Они принимали участие в выставках модернистских объединений «Бубнового валет», «Союз молодежи», «Ослиный хвост», «Мишень», «Мир искусства». В 1913 выходят в свет его теоретические работы «Неопримитивизм. Его теория. Его возможности» и «Принципы кубизма и других современных течений в живописи всех времен и народов». В искусстве он шел своей дорогой, свободно используя весь арсенал средств искусства старого и нового. "Нет искусства старого и нового, ибо оно вневременно, внепространственно,"- писал художник.
После революции А. Шевченко активно занимался организационной работой: в Комиссии по охране памятников, Всероссийской коллегии по делам изобразительного искусства, «Музее живописной культуры», был профессором ВХУТЕМАСа. В 1920 е гг. участвовал в выставках московского общества «Маковец», культивировавшего идеи духовности в живописи, развивавшего традиции символизма. В конце 1926 года в Москве по инициативе А. Шевченко было основано общество «Цех живописцев», куда входили главным образом ученики художника.
В 1932 г. Шевченко вступил в Общество московских художников. С началом 30-х гг. к художнику пришла мировая известность – его полотна демонстрировались на выставках советского искусства в Германии, Швейцарии, Англии, Венеции. Именно творчество Шевченко было предъявлено Сталину в качестве образца формализма. Его юбилейная выставка в апреле 1933 года в Музее изобразительных искусств была внезапно и преждевременно закрыта через 10 дней после открытия. С начала 40-х гг. А. Шевченко жил очень замкнуто. Умер в 1948 году в Москве.
Адрес: Волгоград, проспект Ленина, 21.
Время работы 10.00-18.00, в среду 10.00-20.00, выходной вторник. тел.(8442)38-24-44, (8442) 38-59-15

Образы русских писателей на выставке "За мной, читатель!"
Волгоградский музей изобразительных искусств имени И.И.Машкова
Благотворительный фонд «7ветров»
Галерея «Аrt- Ra»
11 мая - 27 мая
Открытие 11 мая в 17.00
Выставка посвящена образам русских писателей в творчестве известного волгоградского художника, представителя посткубизма Глеба Вяткина. 
«За мной, читатель!» Так начинается девятнадцатая глава второй части гениального романа М. А. Булгакова « Мастер и Маргарита». За мной, читатель- призывает Глеб Михайлович Вяткин, представляя на ваш суд семь портретов русских литераторов. Эта небольшая экспозиция событие редкостное- современное искусство подобной темы сторонится. На вопрос кому нужны в наш коммерциализированный век эти работы (над диваном не повесишь!), художник отвечает: «Я буду дарить их музеям, чтобы языком современной живописи привлечь внимание к русской словесности. В душе большая тревога поселилась за судьбу России». 
Портрет - один из любимых жанров художника. В рисунках, печатной графике, живописи, на протяжении всего творческого пути, он создает образы СВОЕГО современника. Как правило, это люди созидающие, живущие сложной, напряженной жизнью творца, новатора, мыслителя. Наряду с музыкой ( по первой профессии Г. Вяткин скрипач) ,литература всегда была важной составляющей духовной жизни художника. Однако, галерея портретов русских писателей начала складываться только с середины 2000-х. В 2006г Г. Вяткин пишет первый вариант картины «М. А. Булгаков, читающий главы романа «Мастер и Маргарита коту Бегемоту». В 2009 году появляется портрет Н.В.Гоголя, который сегодня получил прописку на Никитском бульваре, в музее писателя в Москве. Каждый раз мотивацией для портрета было углубленное и всестороннее погружение в творчество того или иного автора, изучение документов, писем, дневников, литературоведческих статей. В портретах любимых писателей, властителей дум его, художник стремиться не столько к портретному сходству, сколько к передаче собственных постижений судьбы и творчества своих героев. Ну что ж, попробуем и мы приобщиться к точке зрения художника и найти свои трактовки, что предполагает пластическая многомерность. И так- вперед, читатель! 
Экспозиция будет работать с 11 по 27 мая 2018 г. в Волгоградском музее изобразительных искусств имени И.И.Машкова по адресу: Волгоград, проспект Ленина,21. тел.(8442)38-24-44, (8442) 38-59-15, 38-01-91

Фестиваль графики: от Дюрера до минимализма.
4 мая 2018 году в 17.00 в выставочном зале ВМИИ открывается выставка работ, принимающих участие в II Международный фестиваль графики «VITA-ART-TIME». Свои графические произведения представят художники Вьетнама, Израиля, Италии, России, Чехии и Эстонии.
На открытии будут присутствовать приглашенные члены жюри. Председатель –график, заслуженный художник РФ, заслуженный художник Республики Башкортостан, директор Башкирского государственного художественного музея имени Михаила НестероваАйрат Рауфович Терегулов (Россия, Уфа). В состав жюри международного фестиваля графики вошли – московский график, заслуженный деятель искусств РФ, член-корреспондент Российской Академии художеств, Член Правления Московского Союза художников, профессор МГАХИ им. В.И.Сурикова, руководитель Мастерской графического дизайнаМихаил Николаевич Аввакумов; московский искусствовед, заслуженный работник культуры РФ, член Международной федерации Художников, член Московского Союза художников Ирина Николаевна Сягаева, а также волгоградские графики - заслуженный работник культуры РФ, доктор педагогических наук, кандидат искусствоведения, директор Института художественного образования ВГСПУ Николай Николаевич Таранов и профессор Института художественного образования ВГСПУ Рудольф Васильевич Паранюшкин.
Учредителем фестиваля является Комитет культуры Волгоградской области. Организатор фестиваля: ГБУК «Волгоградский музей изобразительных искусств им. И.И.Машкова».
В конкурсном мероприятии будут представлены произведения различных видов печатной графики: офорт, сухая игла, линогравюра, ксилография, литография, шелкография, созданные художниками за последние 5 лет (2013-2018 годы).
В экспозиции, но, конечно же, вне конкурсных баталий, будет представлен зрителю шедевр Альбрехта Дюрера - резцовая гравюра на меди «Похищение на морском чудовище» (1498), входящая в состав фонда музея Машкова.
- Шедевр стал одним из первых произведений, поступивших в молодой сталинградский музей в 1960 году из Государственного музея изобразительных искусств им. А.С.Пушкина, - рассказывает директор Волгоградского музея изобразительных искусств им. И.И.Машкова Варвара Озерина. - Фестиваль позволяет не только наблюдать за развитием современных художественных процессов, но и развивать коллекцию современной графики волгоградского музея. Сегодня шедевр Дюрера включен в экспозицию фестиваля современной печатной графики, давая возможность ощутить незримый диалог культур, эпох, художественных языков.
Первоначально, на первом этапе в конкурсную комиссию было прислано 300 графических работ, но после просмотра непосредственно до фестиваля дошло намного меньше. В конкурсной экспозиции примут участие 126 работ более 50 авторов, каждый из которых представил на мероприятие от 1 до 8 своих произведений. В Выставочном зале музея Машкова будут экспонироваться графические работы из Вьетнама, Израиля, Италии, России, Чехии и Эстонии.
Искусствоведы музея Машкова отмечают высокий профессиональный уровень поступивших, на конкурсный проект, работ. Также отмечают и особое тяготение современных мастеров графики к минимализму и чистоте линии и форм. Подобная «экологичность» композиции нередко является осознанным выбором художника. Так, график из Турина (Италия) Берсини Приска, обучавшаяся в Академии Изящных Искусств Турина и прошедшая стажировку в Академии Изящных Искусств Мадрида так объяснила свой стиль: «Вопрос, который я ставлю перед собой как художник-график, живущий в современном мире, не отличается от вопроса, который я ставлю перед собой как перед личностью. Вопрос этот таков: как мне нужно жить, чтобы не добавлять хлама к уже имеющемуся в обществе, страдающем от передозировки изображений, смыслов, посылов. …Нет одного ответа на этот вопрос - у каждого художника он свой. Лично я пытаюсь докопаться до глубинного «я», чтобы добраться до изначальных основ и архетипов».
Напомним, первый фестиваль графики состоялся в 2013 году, и он прошел настолько успешно, что ему придали регулярный характер; периодичность его проведения составляет один раз в пять лет. Второй международный открытый фестиваль графики «VITA-ART-TIME» приурочен к 75-летию Победы в Сталинградской битве и 55-летию со времени открытия Волгоградского музея изобразительных искусств имени И.И.Машкова. Он проводится в рамках Федеральной Целевой программы «Культура России» (2012-2018 годы).
КРАТКИЙ ТВОРЧЕСКИЙ ОТЧЕТ О ПРОВЕДЕНИИ
МЕЖДУНАРОДНОГО ОТКРЫТОГО ФЕСТИВАЛЯ ГРАФИКИ
«VITA-ART-TIME»
Время проведения: 4 мая-6 июня 2018 г.
Место проведения: Волгоградский музей изобразительных искусств им. И.И.Машкова, выставочный зал
Адрес: Волгоград, ул. Им. Маршала Чуйкова, д. 37
Количество посетителей выставки и мероприятий фестиваля – более 5000 человек
Количество участников выставки (художников) – 51 человек
Количество членов жюри – 5 человек
Количество зрителей, посетивших церемонию открытия фестиваля – около 300 человек
Количество участников мероприятий фестиваля (мастер-классы, круглый стол, творческие встречи) – 450 человек
Второй Международный Открытый Фестиваль графики городов-побратимов Волгограда «VITA-ART-TIME» был приурочен к двум юбилеям: 75-летию Победы в Сталинградской битве, 55-летию со времени открытия Волгоградского музея изобразительных искусств им.И.И.Машкова.
Проведение Международного фестиваля предполагало работу независимого жюри, организацию выставки, мастер-классов, круглого стола по проблемам развития современной графики, лекций, издание каталога.
Фестиваль проводится во второй раз, планируется его регулярное проведении.
Произведения, отобранные для участия в фестивале, вошли в собрание Волгоградского музея изобразительных искусств им. И.И.Машкова.
На выставку принимались произведения всех видов печатной графики (резцовая графика, офорт, сухая игла, гравюра на картоне, линогравюра, ксилография, литография, шелкография и др.), созданные за последние 5 лет.
Не ставя тематических ограничений, фестиваль был призван отразить современное состояние искусства графики как способа постижения жизни и преодоления границ. Произведения должны раскрывать идеи мирного созидания и дружественных отношений между народами, отражать общечеловеческие ценности, лучшие традиции стран и народов.
Учредители и организаторы фестиваля
Министерство Культуры Российской Федерации
Комитет культуры Волгоградской области
Волгоградский музей изобразительных искусств им.И.И.Машкова
Фонд развития современного искусства «Арт Слой»
Итоговая выставка проходила в 4 мая-6 июня 2018 г. в выставочном зале Волгоградского музея изобразительных искусств имени И.И.Машкова (ул. Им. Маршала Чуйкова, 37).
Жюри конкурса формировалось из числа наиболее авторитетных профессиональных художников-графиков.
Председатель:
Терегулов Айрат Рауфович (Россия, Уфа). График. Заслуженный художник Российской Федерации. Заслуженный художник Республики Башкортостан. Директор Башкирского государственного художественного музея имени Михаила Нестерова
Члены жюри:
Аввакумов Михаил Николаевич (Россия, Москва). График. Заслуженный деятель искусств Российской Федерации. Член-корреспондент Российской Академии художеств, Член Правления Московского Союза художников. Профессор МГАХИ им. В.И.Сурикова, руководитель Мастерской графического дизайна.
Сягаева Ирина Николаевна (Россия, Москва). Искусствовед. Заслуженный работник культуры РФ, член Международной федерации Художников, член Московского Союза художников.
Таранов Николай Николаевич (Россия, Волгоград). График. Заслуженный работник культуры Российской Федерации, Доктор педагогических наук, кандидат искусствоведения. Директор Института художественного образования ВГСПУ.
Паранюшкин Рудольф Васильевич. (Россия, Волгоград). График. Профессор Института художественного образования ВГСПУ.
Критериями для отбора произведений были:
- творческая новизна и оригинальность;
- художественно-образная выразительность;
- композиционная целостность;
- стилевая завершенность.
Федеральная значимость Проекта заключается вегомеждународном уровне и тематике, которые объединяют культурные интересы разных стран, сохранения мира и согласия между народами в современной ситуации.
Установление тесных культурных связей художников позволит в будущем создавать широкое поле научной, выставочной, просветительской и иных видов практической деятельности художественных объединений и музеев. Обмен опытом и использование коммуникационного подхода в культурном взаимодействии между художниками, творческими объединениями отразилось на развитии международной музейно-выставочной деятельности, сохранении мирового культурного наследия, координации деятельности в проведении совместных международных выставок, конференций и иных мероприятий.
Региональная значимость проекта
Для жителей и гостей Волгограда Проект стал крупным культурным событием международного масштаба, что способствовало активизации, обогащению и повышению качества художественной деятельности и культурной жизни Волгограда, повышению привлекательности города, развитию современного искусства, национального аспекта в нем, что особенно важно для молодого поколения художников. Проект несет воспитательную и познавательную миссию, идеи мира, содружества, толерантности, информируя об актуальном художественном процессе в международном масштабе.
Достигнуты цели, получены результаты
- широкая презентация современных творческих достижений графиков из разных регионов России и зарубежных стран.
- демонстрация творческих достижений российских и зарубежных графиков и привлечение к проекту новых талантливых авторов;
- укрепление международных и культурных связей;
- комплектование музейного фонда графическими работами российских и зарубежных художников;
- знакомство широкой общественности с современными возможностями искусства графики;
- формирование зрительской аудитории, грамотно воспринимающей современное искусство графики;
- содействие культурному обмену, росту мастерства и развитию творческого потенциала художников;
- консолидация творческой общественности (художников, искусствоведов, музейных специалистов), профессионально занимающейся искусством графики и проявляющей к нему интерес.
- популяризация музея среди жителей и гостей города, в России и за рубежом.
- привлечение в музей дополнительной аудитории

3 мая 2018 года в Выставочном зале Волгоградского музея изобразительных искусств имени И.И.Машкова (ул.им. В.И. Чуйкова, 37) откроется персональная юбилейная выставка народного художника СССР, академика РАХ Александра Максовича Шилова.
 Этого художника заслуженно считают одним из самых виртуозных живописцев современности. Выставочный проект посвящается 75-й годовщине Победы советских войск под Сталинградом, годовщине Победы в Великой Отечественной войне и 55-летию со дня открытия Волгоградского музея изобразительных искусств.
В экспозиции представлено 35 произведений из фондов московской Галереи народного художника СССР А.Шилова, которая в 2017 г. отметила 20-летие со дня своего создания. Фонды Галереи насчитывают более 1200 произведений живописи и графики, подаренных А. Шиловым государству.
Проведение персональной выставки всемирно известного художника в Волгограде стало возможно благодаря недавно проведенной масштабной реконструкции Выставочного зала музея имени И.И.Машкова. Специалисты Галереи А.Шилова предъявляют высокие требования к экспонированию произведений мастера, которым волгоградский выставочный зал соответствует. 
На выставке представлены работы разных жанров, но основная часть - портреты. В портретной галерее предстает история нашей страны, дилеммы и судьбоносные события, связанные с этими людьми. Психологизм, который успешно достигается мастером, помогает максимально приблизиться к реальной жизни.
На выставке в Волгограде зрители увидят портреты представителей творческой элиты, галерею женских портретов, образы Церкви и духовенства и другие.
Особый вклад в русскую живопись внес Александр Шилов серией картин, посвященных Великой Отечественной войне. Например, это портреты «Героя Советского Союза, летчика-разведчика, генерал-майора авиации И.И. Лезжова», картина «За Веру и Отечество (разведчица, участник Великой Отечественной войны Н. В. Малышева, в последствии - монахиня Адриана, насельница Пюхтицкого подворья)», «Блокадница Ленинграда Е.Н. Иванова», «В День Победы. Пулемётчик П.П. Шорин», «Ветеран Черноморского флота В.А. Стратонович», «Они сражались за Родину! Участник военного парада 7 ноября 1941г. В.С. Чумаков», картина «Дай Бог вам здоровьица!».
Произведения, представленные на выставке, объединены классическими традициями, наследником и прекрасным продолжателем которых является Александр Шилов.

Выставка Александра Шилова в Волгограде продлится до 12 июня 2018 года.

Выставочный зал ВМИИ: Волгоград, ул. им. В.И. Чуйкова, 37. Телефон: 24-16-79

Выставка художника, выбирающего солнечную сторону улицы
12 апреля в 17.00 в Выставочном зале (ул. Чуйкова, 37) музея Машкова состоится открытие 15-й юбилейной персональной выставки «Солнце на ладони» известного волгоградского художника, члена Союза художников России - Ирины Тур.
Самая первая персональная выставка мастера «Август. Прелюдия» состоялась в 2003 году в Пушкинском зале Союза писателей. Потом были персональные экспозиции «Цветной декабрь», «Краски казачьего края» (передвижная), «Мир дому твоему», «Живопись для Героя», «Они ковали Победу», «Казачий край», «От сердца к сердцу», «Герои родной земли», «Закон звезды и формула цветка» и многие другие, которые проходили на самых разных площадках города Волгограда и районных центрах. На ее счету участие в более чем 70-ти выставок регионального, всероссийского и международного уровней, прошедших в различных городах России: Москве, Санкт-Петербурге, Нижнем Новгороде, Вологде, Сочи, Краснодаре, Майкопе, Плёсе, Екатеринбурге, Железноводске, Орле и др.
Свою новую, 15-ю по счету, юбилейную персональную выставку Ирина Тур назвала «Солнце на ладони». Выбор подобного, столь романтического названия, не случаен.

- Через все мое творчество проходит линия солнца, дающего энергию моей живописи, - признается художник. - Будучи ребенком, я как-то рассматривала альбом художника Аркадия Пластова, и меня поразило, сколько солнца в его произведениях, они будто сотканы солнечными нитями. Меня настолько поразило волшебство, что я неукоснительно стала следовать за солнцем, предпочитая в творчестве солнечную сторону улицы.
На выставке автор представит более 100 произведений живописи и графики из своей мастерской. В основном это работы, созданные за последние три года, для которых новая выставка станет дебютом, но есть и ранние произведения, написанные, к примеру, в 1997 году.
В экспозиции можно будет увидеть живописные пейзажи, выполненные в поездках по монастырям русского православия: Ростов Великий, Торжок, Тверь, Покров, Старица, также можно будет увидеть пейзажи серии «Южный берег», выполненные в творческих поездках в теплые зарубежные страны: Италию, Францию, Турцию, Грецию, Черногорию и в российские города Сочи и Геленджик.
Также в рамках новой персональной выставки «Солнце на ладони» посетители увидят красивые натюрморты цветочной тематикой.
- Фруктовое и цветочное изобилие с одной стороны показывает красоту цветения, с другой - демонстрирует скоротечность этой запечатленной красоты, - делится автор. - На выставке я представлю серию работ, где главные герои – ирисы. Я ее создавала несколько лет подряд в короткую пору их цветения - во второй половине мая.
На выставке будут представлены новые жанровые работы, посвященные воспоминаниям из детства.
- Будучи ребенком я проводила лето у бабушки в деревне, где находился конезавод имени Буденного, - рассказывает Ирина Тур. – И все ностальгические детские воспоминания вдохновили меня на создание новых работ из серии «Краски казачьего края» - «Джигитовка», «Посиделки», «Молодость».
Графика будет представлена в виде пастельных листов с образами таких городов, как Волгоград, Петербург, а также мест путешествий в различные страны Европы: Португалию, Черногорию, Францию, Голландию, Люксембург, Латвию.
- Выставка для меня - это разговор со зрителем, установка контакта с единомышленниками, - говорит Ирина Тур. - Если выставка будет рождать положительные эмоции, приподнимать зрителя, наполнять его добротой, желанием любить, творческой активностью, то я считаю свою миссию выполненной.
Персональная выставка волгоградского художника Ирины Тур «Солнце на ладони» продлится до 29 апреля 2018 года.

Телефон Выставочного зала: 24-16-79

Для справки: Ирина Тур является членом Союза художников России с 2002 года. Она - автор нескольких художественных творческих проектов и лауреат Государственной премии по Волгоградской области в номинации «Изобразительное искусство» 2013 года. Награждена почетным дипломом Союза художников России «За успехи в творчестве и содействие развитию изобразительного искусства России». В Волгоградском музее изобразительных искусств им. И.И.Машкова Ирина Тур проводит занятия в рамках проекта «Арт-подготовка», в ходе которых обучает живописи всех желающих, независимо от возраста и уровня художественного образования.

Волгоградский музей изобразительных искусств им. И.И.Машкова
Представляет выставку
«От архетипа»
печатная графика Анны и Виктора Филимоновых
5 апреля - 9 мая
Пр. Ленина, 21.
Открытие 5 апреля в 17.00
На выставке представлено около 30 новых работ, созданных известными волжскими графиками Виктором Павловичем и Анной Филимоновыми. Эта знаменитая художественная династия, для города Волжского можно сказать легендарная. Виктор Павлович- заслуженный работник культуры РФ, ученик С.Т.Подчайнова. По его рекомендации по окончании Саратовского художественного училища им. А.П.Боголюбова он стал организатором детской художественной школы Волжского. Он оставался руководителем школы на протяжении 22 лет. В 1999 г. его сменила на этом посту его дочь Анна, к тому времени окончившая Украинский Полиграфический институт. Сегодня она доцент кафедры живописи, графики и графического дизайна Волгоградского государственного социально-педагогического университета, за плечами- кандидатская диссертация, несколько выпусков молодых художников-графиков. Невозможно сосчитать, для какого числа юных художников открыла дверь в искусство школа Филимоновых, привила способность видеть красоту, размышлять. Искусство графики - предельно условное, заставляющее увидеть самое главное. Техника высокой печати заставляет вырезать, удалять с доски (у Филимоновых это линолеум или пластик) все лишнее, оставляя то, что должно оставить след, без чего нельзя обойтись. Если ошибся, ничего исправить нельзя, надо брать новую доску.
Представленные на выставке «От архетипа» произведения- результат работы удивительного тандема, где над каждым произведением, над каждой печатной доской работали оба художника. Виктор Павлович впервые увлекся гравюрой в 1964 г., Анна активно стала заниматься линогравюрой в 2007. С 2009 г. отец и дочь работают вместе. Каждый привносит что-то свое, в диалоге, порою споре происходит рождение образа, возникают новые решения. Виктор Павлович – по образованию и по призванию живописец. Эмоциональность, сердечность, щемящая нота в общих листах- от него. Анна - художник философского склада, за конкретикой проявлений действительности она видит прежде всего общие закономерности, костяк мироустройства. Ею движет поиск новых технических средств для создания образа, максимально полно отражающего все богатство живых впечатлений в сжатой, емкой графической формуле. Основу выставки составили четыре серии: «Балтика», «Чудь», «К началу», «Несущий свечу». Их характер можно определить как вневременной, архетипический. Оттого каждый зритель может расшифровывать их послание по-своему, вкладывая собственное содержание. Цикл «Чудь»- переосмысливающий древние произведения пермского звериного стиля, про изначальное единство мироздания, связь прошлого, настоящего и будущего. «К началу»- это и о брошенной деревне, и о хрупкости, бренности человеческого мира, сиротстве человека на свете. В «Балтике»- впечатления от пребывания на Куршской косе, здесь звучит мощь пространства, таинственным образом перетекающая в движение времени. Триптих «Несущий свечу» - полет, воздух, ликующее юное счастье. Малость формата, хрупкость бумажного листа, ограниченность цветовой палитры (оттенки серого, черного, белого) – вызов для художников, ищущих воплощения больших идей. Тем удивительнее впечатление достоверности среза реальности, компактно разместившегося на бумаге. Филимоновы - художники, погруженные в контекст мирового искусства, в процессе создания их гравюр в диалог вступают японские ксилографы, средневековые европейские мастера, модернисты. Филимоновы активно экспонируются; Анна регулярно участвует в международных конкурсах и фестивалях печатной графики. Последние годы художники выступают, как правило, вместе. Выставка адресована самому широкому кругу зрителей и направлена, в первую очередь, на популяризацию искусства печатной графики.
Адрес: Волгоград, проспект Ленина, 21.
Время работы 10.00-18.00, в среду 10.00-20.00, выходной вторник. тел.(8442)38-24-44, (8442) 38-59-15;

На «театральной» выставке в музее Машкова представлены более 100 произведений из фондов ВМИИ и производственных мастерских волгоградских театров. Здесь зритель сможет познакомиться с живописью, графикой, скульптурой, декоративно-прикладным искусством, с настоящими театральными костюмами, которые были задействованы в известных постановках волгоградских театров, а также увидеть предметы театрального реквизита, эскизы декораций и костюмов.
О каждом из представленных экспонатов можно написать целый захватывающий роман. Вот, к примеру, бюст Ф.И.Шаляпина из коллекции музея Машкова. Произведение было создано в 1904 году П.П. Трубецким (1866-1938). Наследник морганатического брака русского князя, дипломата Петра Трубецкого и американской пианистки Ады Винганс Паоло Трубецкой родился и вырос в Италии. «Очень самобытно умный человек», как о нем сказал Л.Толстой, Трубецкой большую часть своей жизни провел за пределами Российской империи, но прославился как импрессионист в скульптуре. Он является автором целой галереи произведений, посвященных известным российским персонам: конный памятник Александру III, скульптурные портреты Льва Толстого, Исаака Левитана, Сергея Витте, Федора Шаляпина...
- Учитывая театральную тематику экспозиции, мы, конечно же, и само открытие выставки подготовим в театрализованном стиле, - рассказывает куратор выставки «Театр навсегда» - старший научный сотрудник ВМИИ Ирина Васильевна Преображенская. - Церемония открытия состоится в основном помещении музея Машкова (проспект Ленина, 21), 15 марта в 17.00 часов. Всех деталей программы открытия рассказывать не буду - пусть это до поры до времени останется тайной.
Выставка «Театр навсегда» будет работать по 3 июня включительно и за это время любители театра смогут не только познакомиться с лучшими образцами художественного сценического мира, но и более детально узнать театральные профессии, посетив лекции, теоретические и практические занятия в выставочном пространстве музея Машкова.
Адрес: Волгоградский музей изобразительных искусств им. И.И.Машкова, пр. Ленина, 21, тел.: 38-24-44

Волгоградский музей изобразительных искусств им.И.И.Машкова и
ГТРК «Волгоград-ТРВ» представляют выставку, посвященную 60-летию ВГТРК
ГЕННАДИЙ ПРИВАЛОВ. ОТ ТЕЛЕСТУДИИ ДО ПЛЕНЭРА 
Открытие 6 марта в 17.00 
С 6 марта по 9 апреля 2018г. в Волгоградском музее изобразительных искусств имени И.И. Машкова будет работать выставка произведений живописи и графики Геннадия Ивановича Привалова - художника, который более 40 лет своей профессиональной творческой жизни отдал Волгоградскому телевидению. Отличительная черта Выставки определена идеей целостного взгляда на творчество Геннадия Ивановича Привалова через создание общего пространства, представляющего как жизнь художника-живописца, который писал на пленэре, так и жизнь художника-постановщика телепрограмм, фильмов и мультфильмов. Цель - через знакомство с миром и личностью художника Привалова дать посетителю выставки новую возможность почувствовать красоту родной земли, увидеть историю края в кадре и на картине. 
Геннадий Иванович Привалов родился 26 марта 1939 в районном центре Новоаннинском Сталинградской области. Художник в нем пробудился во многом благодаря красоте казачьего края, любимой речки Бузулук. До конца жизни он сохранял беззаветную любовь к своей малой родине. В экспозицию вошло около 30 произведений, среди которых пейзажи и натюрморты, рисунки и наброски, которые в полной мере проявили чувство цвета, свободу, искренность, восхищение красотой природы Геннадия Ивановича. «Картина должна жить. Поэтому каждый раз частица твоей души остается на полотне… Ну как не любить все это, как не удивляться красоте природы снова и снова ведь это наша душа, наше счастье. А до чего хороши с детства знакомые места: мосты через Бузулуку, Филоновская церковь на взгорке, одинокое дерево, раздетое ветром»,- говорил художник. 
В 1957 Геннадий Иванович поступил в Одесское государственное театральное художественно-техническое училище, в 1961 совсем юношей выпускник училища переступил порог Сталинградской студии телевидения. Он начал работу с должности гримера-постижера, позже работал художником-постановщиком программ, фильмов и мультфильмов. Геннадий Иванович прекрасно делал характерные гримы, сам изготавливал парики для телеспектаклей и фильмов, считал, что в целом телевизионная практическая работа является второй важной школой профессионализма. В 60-е годы телевидение как самостоятельное искусство еще только начинало развиваться, шел поиск собственных выразительных средств и возможностей, выработка изобразительного языка. Поэтому обязанности художника были чрезвычайно важными. Геннадию Ивановичу Привалову приходилось одновременно работать декоратором, скульптором, бутафором, мастером шрифтов, заниматься изготовлением памятных кубков, сувениров, медалей. 
Геннадий Иванович работал художником-постановщиком во всех редакциях студии, ему довелось оформить сотни телепрограмм, цикловые передачи, переносные театральные спектакли, телеинсценировки. Небольшая часть из этих работ представлена на выставке: музыкальный фильм «Моряна» (1983); кукольный мультфильм «Бабушка-метелица»(1971); Фрагменты ТВспектаклей «Вянет-пропадает»(1994), «Жил-был Кирсан»(1996) и музыкальных программ. 
Ветеран труда, более двадцати лет главный художник студии телевидения на общественных началах, Г.И.Привалов ушел на пенсию в 2001 году. Его профессионализм, доброту и настоящие дружеские качества до сих пор вспоминают коллеги. Художник ушел из жизни в 2016, однако остался в памяти многих и многих людей. Бескорыстие – это богатство души, чистой и все еще, несмотря на годы, по-детски наивной – так родные, друзья и коллеги, не сговариваясь, характеризуют творчество, жизнь и мироощущение Геннадия Ивановича Привалова. Мы приглашаем на Выставку всех, кого заинтересовало творчество художника Привалова, отразившего в своих работах живую историю края и вписавшего свое имя в историю телевидения.
Выставка будет работать в выставочном зале музея изобразительных искусств им. И.И. Машкова, тел.: +7 (8442) 24-16-79 по адресу: г. Волгоград, ул. Чуйкова, 37

Волгоградский музей изобразительных искусств им. И.И. Машкова
представляет выставку
«Пейзаж по правилам и без»
Ольга Конорова, Антон Успенский. Живопись
2 марта-8 апреля 2018 г.
открытие 2 марта в 17.00
Выставка впервые представляет волгоградскому зрителю работы двух современных художников - петербуржца Антона Успенского и москвички Ольги Коноровой. Это их первый опыт совместного выступления. Их творческий диалог посвящен феномену современного города, его особой поэзии и жизненным ритмам, отношениям со временем и своими обитателями. В состав выставки вошло 80 новых произведений художников. Само название проекта подчеркивает несходство авторских позиций, разнообразие аспектов восприятия города. Пейзажи А. Успенского, решенные во вполне традиционном ключе- захватывающие красочные, эффектные, переливающиеся огнями и их отражениями,- были написаны в Петербурге, Крыму, во французской глубинке. На выставке они встречаются с ироничными работами «Блочной серии» О.Коноровой, сочетающими живопись и коллаж, удивляющими необычными конструктивными решениями. Ее пейзажи посвящены «спальным» районам, которые есть в каждом городе.
Для Антона Успенского важны, прежде всего, живописные задачи. В центре его внимания- сам город, его характер, который возможно выразить в колористических решениях. Урбанистический ландшафт для Успенского в первую очередь - прекрасный объект любования. Его постоянная и самая любимая натура- Петербург. Пейзажи точно фиксируют сложное состояние неба, среды. Особенно им любим тот трудноуловимый миг, когда в синеющем небе зажигаются фонари («Лебяжья канавка», 2016). Живописные образы Успенского - романтически приподнятые, праздничные; энергичная живопись строит метафору жизни мегаполиса («Белая ночь. Симеоновский мост», 2017).
Ольга Конорова рассматривает город сквозь призму человеческого бытия. Ее пейзажи в большей степени опосредованны, искренность в них соседствует с элементами игры, по-детски наивный рисунок - со сложной живописью. Художника занимает бытие города во времени, свидетельства обживания, очеловечивания районов массовой застройки, изначально воспринимавшихся как нечто безликое и скучное. С течением лет они стали привычным ландшафтом, покрылись трещинами и граффити, обросли свидетельствами быта, обрели свою неповторимую физиономию («Дом №1», 2010). Зрителю предоставляется возможность домыслить их историю, «прописать» в них своих персонажей. Образы города Коноровой то щемяще-беззащитные и трогательные, то монументализированные («Наблюдение за облаками», 2008). При этом они сохраняют таинственность, воспоминание о странности явления урбанистических объектов в природном ландшафте. Несмотря на яркость передачи жизненных впечатлений, ее образы живут в диалоге с историей искусства, перекликаются то с Климтом, то с метафизическим пейзажем де Кирико, то с Магриттом («Прятки», 2012)…
Сам творческий дуэт Коноровой-Успенского выглядит неожиданно. Антон Михайлович Успенский- не только живописец и график (кстати, только что завершилась его персональная выставка в Белгороде). Он известный искусствовед, арт-критик, куратор, исследователь искусства ХХ-XXI вв., ведущий научный сотрудник отдела новейших течений Русского музея (Санкт-Петербург). Ольга Конорова- художник-практик - живописец, график, дизайнер. Их объединяют не только дружеские отношения, но общие корни- оба начинали свой путь в искусстве в Рязанском художественном училище, более того, в юности Ольге Коноровой довелось быть ученицей Антона Успенского. Оба много путешествуют, широко и свободно реализуют себя в различных творческих сферах. Выставка «Пейзаж по правилам и без» - их творческий эксперимент. Возможно, он станет началом нового этапа в творчестве каждого из художников. Экспозиция представляет интерес как для ценителей качественной живописи, так и для аудитории, интересующейся вопросами современного искусства.
2 марта в 15.00 перед открытием выставки состоится творческая встреча с А.М.Успенским, посвященная современным художественным процессам «Современное искусство: не страшно, не скучно, не обидно». Приглашаются все заинтересованные.
Сведения об авторах:
Антон Успенский — историк искусства, критик, куратор, литератор, художник.
В 1989 г. окончил Рязанское художественное, в 1995 – факультет истории и теории искусств Санкт-Петербургского института живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е. Репина Академии художеств. В 2002 г. защитил кандидатскую диссертацию на тему «Живописная система Роберта Фалька. Формирование и эволюция». С 2004 г. работает в Государственном Русском музее, ведущий научный сотрудник отдела Новейших течений. Автор около 200 публикаций, в т. ч. книги «Между авангардом и соцреализмом. Из истории советской живописи 1920–1930-х годов» (2011). В 2006 г. вступил в Союз Художников России. С 1987 г. участвовал более чем в 70 выставках, из них 9 персональных.
Ольга Конорова – художник. Специализация: живопись, графика, роспись по коже.
В 1994–1999 гг.- учёба в Рязанском Художественном Училище (которому позже было присвоено имя Г. К. Вагнера). В 2005г. окончила Московский Университет Сервиса (Институт дизайна и прикладного искусства) по специальности дизайн. С 2002 г. — член молодежной секции Международного Союза Дизайнеров. С 2010 г. — член Творческого Союза Профессиональных Художников. Участник более 50 выставок, в т. ч.: персональная выставка в выставочном зале «Ходынка» (Москва, 2004); выставка «Сновидческие сюжеты» (Катманду, Непал, 2010); «Прекрасные лица» - персональная выставка (Москва, Музее Востока, 2015).
Выставка будет работать со 2 марта по 8 апреля 2018 г. в выставочном зале Волгоградского музея изобразительных искусств им.И.И.Машкова по адресу: Волгоград, ул. им. Маршала Чуйкова, 37.
Время работы выставочного зала 11.00-19.00, в четверг 12.00-20.00, выходной понедельник
тел.(8442)38-24-44, (8442) 38-59-15; 24-16-79

Открытие выставки 19 октября в 17:00.
Выставочный проект «Роковая встреча» представляет уникальную возможность соприкоснуться с творческим наследием выдающихся художников - Винсента Ван Гога и Поля Гогена. Они жили и творили в одно время. Поэтому эти два великих мастера и два огромных мира не могли не встретиться. Но встреча эта стала роковой...
Ван Гог и Поль Гоген не были признаны при жизни, но стали классиками после смерти. Их отношения, которые они пережили в конце 1888 года в Арле на юге Франции, оказались очень бурными и плодотворными.
Всего лишь в течение девяти недель они работали вместе без отдыха, обмениваясь полотнами и идеями. Но этого времени хватило для того, чтобы оба художника оставили неизгладимый след и в жизни, и в творчестве друг друга.
Их встреча могла закончиться лишь битвой титанов.
Ван Гог писал естественно и с неиссякаемой энергией. Это отчасти ранило Гогена, которому требовалось время для того, чтобы заставить работать свою фантазию, и он не испытывал необходимости каждым своим мазком вникать в суть подлинной трагедии своего друга. Более того, преклонение, которые испытывал перед ним Ван Гог, заставляло Гогена нередко пересматривать в поисках ошибок свою технику письма. Не говоря уже о предметах, становившихся темами картин обоих. Несмотря на совместную работу, дискуссии и споры об искусстве, разногласия между двумя художниками привели к невыносимости жизни вместе.
Столкновение Гогена и Ван Гога в эти недели было драматическим столкновением двух людей, которых разделяло практически все. Будучи полярными в жизни и в искусстве, их творческий союз был обречён. Один - жёсткий, упрямый, сознательный эстет с утонченным воображением, классик-варвар. Другой - не менее упрямый, но увлекаемый страстью, исполненный бурь и порывов, сжигающий себя в творчестве, точно в пламени костра.
То, что начиналось как прекрасная идиллия, полная надежд и творческих восторгов, в завершении оказалось написанным темными, и даже кровавыми тонами. В ночь, когда Ван Гог отрезал себе ухо, стало ясно, что Гоген был больше не в состоянии выносить поклонения этого мечтателя. Он хотел продолжать свой путь, а напряжённый, моральный и художественный союз с голландцем был бы для него тяжкой ношей.
Жизнь Винсента Ван Гога трагична и противоречива. Она, как легенда наполнена сиянием, таким же необыкновенным, как и его картины. Голодное, почти нищенское существование, одиночество и непонимание окружающих, после смерти превратилось во всемирную известность и всеобщее признание. Великий художник, прошедший через отречение, сумасшествие и закончивший свой путь самоубийством, все свои недолгие годы был в постоянном поиске и развитии. Ван Гог прожил всего 37 лет, но лишь последние 7 лет были посвящены живописи в полной мере.
Его творческое наследие поразительно. Это около тысячи рисунков и почти столько же картин, созданных в результате вулканических творческих извержений. Однако при жизни было продано лишь несколько полотен. Ван Гог стал последним истинно великим художником в истории своего времени, недосягаемым примером для других, самоотверженное и героическое искусство которого, словно факел, словно радуга, сияет теперь над человечеством. Его картины стали потрясающим, полным любви и страдания диалогом с самим собой, с миром и с Богом...
Поль Гоген начал заниматься живописью в 1871 году, а с 1883 всецело посвятил себя искусству, что привело его к нищете, разрыву с семьёй, скитаниям. Неприятие современного общества пробудило у Гогена интерес к традиционному укладу жизни, к искусству архаической Греции, стран Древнего Востока, первобытным культурам.
Еще во Франции поиски обобщённых образов, таинственного смысла явлений сблизили Гогена с символизмом и привели его к созданию живописной системы “синтетизма”, в которой светотеневое моделирование объёмов, световоздушные и линейные перспективы замещаются ритмичным сопоставлением отдельных плоскостей чистого цвета, целиком заполнявшего формы предметов и играющего ведущую роль в создании эмоционально-психологического строя картины.
Эта система получила дальнейшее развитие в картинах, написанных Гогеном на островах Океании. Изображая сочную полнокровную красоту тропической природы, естественных, неиспорченных цивилизацией людей, художник стремился воплотить утопическую мечту о земном рае, о жизни человека в гармонии с природой. Полотна Гогена по декоративности цвета, плоскостности и монументальности композиции, обобщённости стилизованного рисунка, несли многие черты складывавшегося в этот период стиля модерн, оказали большое влияние на творческие поиски живописцев начала XX века.
Талант обоих художников проявился не только в живописи. Ван Гог оставил после себя большое эпистолярное наследие. Наибольшую ценность имеют его письма к брату Тео, в которых он предстает не только во всем своём душевном смятении, болезненности, но и в величии духовного богатства и художественного таланта. Обширное литературное наследие оставил и Гоген в исследовательском труде о таитянской культуре и мифах «Ноа-Ноа», мемуарах «Прежде и потом», критических статьях и письмах. Отрывки из этих писем и дневников стали основой информационного фона проекта. Все работы, представленные на выставке, сопровождаются текстами только от первого лица.
На выставке представлено почти 80 литографий и ксилографий с картин Винсента Ван Гога и Поля Гогена, выполненных в США в 1948-1952 годах. Они несут современному зрителю дух великих открытий двух гениев.
Выставка будет работать со 19 октября по 16 декабря 2018 г. в выставочном зале Волгоградского музея изобразительных искусств им.И.И.Машкова по адресу: Волгоград, ул. им. Маршала Чуйкова, 37. 0+
Время работы выставочного зала 11:00-19:00, в четверг 12:00-20:00, выходной понедельник. тел. 24-16-79

Современные художники покажут красоту парков Марьино и французских замков.
17 октября в 17:00 в Волгоградском музее изобразительных искусств им.И.И.Машкова на пр. Ленина, 21 состоится открытие выставки «Из Марьино во Францию». Выставка организована Волгоградским музеем изобразительных искусств им.И.И.Машкова совместно с музейно-выставочным центром «Петербургский художник».
Из Марьино во Францию» - это яркий, оригинальный и самобытный российско-французский проект, показывающий красоту природы России и Франции, очарование старинных русских усадеб и французских замков.
В экспозицию вошло около 100 работ современных художников - выпускников академии им И.Е.Репина. В течение двух лет русские живописцы творили в тех местах, где создавали свои бессмертные шедевры Клод Моне, Пьер Боннар, Василий Поленов, Константин Коровин и другие русские и французские мастера прошлых лет.
Художники создавали свои этюды и картины в долине реки Луары, Северной Нормандии, в парках усадьбы Марьино. И вот результатом двухлетнего сотрудничества российской и французской сторон волгоградскому зрителю и предстоит познакомиться на выставке «Из Марьино во Францию».
Специалисты отмечают, что проект позволил художникам почувствовать и перенести на полотно природные и архитектурные особенности двух стран. Во Франции - яркая освещенность и насыщенные цвета, и совсем иное впечатление производят марьинские этюды. Архитектура Палладианской виллы с характерной северной строгостью и сдержанностью колорита, внутренняя настроенность пейзажа и обращение к поэтическим мотивам - извилистые дорожки, берег реки, березовая роща, уединенный уголок старинного парка — явились их основой. Именно эти черты составили исключительную прелесть и красоту, подчеркивая глубину лирического образа в созданных произведениях.
Посмотреть красоту парков Марьино и французских замков в экспозиции «Из Марьино во Францию» можно будет до 2 декабря 2018 года. Именно до этого времени будет действовать выставка «Из Марьино во Францию» на пр. Ленина, 21.
Тел.: (8442) 38-24-44 

Персональная выставка Народного художника Российской Федерации Действительного члена Российской Академии художеств
Дмитрия Санджиева
4 октября-9 декабря
Выставочный зал
Открытие выставки и встреча с художником 4 октября в 17:00
На выставке «Мифы планеты» зритель увидит более 60 произведений Дмитрия Санджиева- одного из самых необычных и узнаваемых современных российских художников. Мастер живет и работает в Москве, но его работы хорошо известны во всем мире. В сегодняшнем прагматичном мире Санджиев удивляет нас, превращая сиюминутное в бесконечное, словно маг и волшебник.
Среди представленных на выставке работ- графические листы, которые принесли Санджиеву первую известность в начале 1980-х. Им, как и творчеству мастера в целом, присущи глубокий психологизм и общечеловеческий масштаб, личные интонации и дыхание вечности, чувство юмора и философичность. Универсальное дарование Санджиева, проявившееся в различных областях графики - от развернутых тематических циклов до книжной иллюстрации, с не меньшей силой реализуется в живописи. В экспозицию войдут более 30 живописных панно, выполненных в последние десятилетия на левкасе и дереве, подобно иконам. Они поражают фантастическим сплетением мифологических образов, роскошью цвета, драгоценной фактурой, образованной сверкающими красками, элементами рельефа, позолотой, полудрагоценными камнями. Эта уникальная техника, сочетающая приемы иконописи, древних рельефов, современные материалы была разработана Д.Н.Санджиевым и впервые применена в 1990-е. Она, как прекрасный ребус, заставляет вглядываться в каждый квадратный сантиметр поверхности и открывать двери в загадочный диковинный мир, в котором возможно перемещаться от праистории человечества к отблескам научных открытий и волшебным снам.
Проект «Мифы планеты», воплощающий идеи единства и одухотворенности всего мироздания, родился из путешествий мастера, изучения искусства древнейших цивилизаций- Мексики, Египта, Индии, внимательного всматривания в общие основания язычества, буддизма, ислама, христианства. Причудливая орнаментальность, символика цвета, растительных и звериных мотивов сообщают работам художника острую декоративность и живописную изысканность. Глубокая ассоциативность, метафоричность творчества Санджиева основывается на собственном жизненном опыте, и опыте поколений, пришедших к мастеру из глубины веков и из истории калмыцкого народа.
Судьба Санджиева сложилась так, что в его мироощущении переплелись природа и город, Восток и Запад. Калмык по национальности, он родился и вырос в суровой Сибири. Д.Санджиев родился в 1949 г. в Новосибирске в семье известного скульптора Никиты Амолдановича Санджиева. На историческую родину - Калмыкию - Дмитрий попал уже юношей. В 1974 окончил Ярославское художественное училище, в 1981 г. - МГХИ имени В.И.Сурикова, в 1984 г.- творческую мастерскую графики под руководством О.Г.Верейского при Академии художеств СССР. На II Международной триеннале рисунков в Нюрнберге (Германия) графические листы из дипломной работы Санджиева «Вдова чабана» были удостоены премии «Фабер-Кастель». Шесть листов этой серии приобрела Государственная Третьяковская галерея. С 1984 г. член Союза художников СССР. В 1999 г. художник получил приз за лучшую экспозицию на Всемирной художественной выставке в Шанхае (Китай). В 2001 г.- избран членом-корреспондентом Российской Академии художеств. В 2005 г. - присвоено звание «Заслуженный художник Российской Федерации». В 2007 г. избран Действительным Членом Российской Академии художеств. Награжден орденом М.В.Ломоносова за заслуги в области изобразительного искусства. В 2008 г. творчество художника было отмечено золотой медалью и дипломом Российской Академии художеств.
Д.Н.Санджиев – активно экспонируется, уже состоялось более 180 выставок с его участием. Ведет значительную благотворительную работу. Для Волгоградского музея изобразительных искусств им. И.И.Машкова это уже не первая встреча с художником. В 2013 г. он был у нас председателем жюри I Международного Фестиваля графики «Vita-Art-Time». Работы Д.Н.Санджиева находятся в собраниях крупнейших музеев России, США, ФРГ, Швеции, Австрии, Норвегии и других стран, во многих частных коллекциях.
Выставка будет работать с 4 октября по 9 декабря 2018 г. в выставочном зале Волгоградского музея изобразительных искусств им.И.И.Машкова по адресу: Волгоград, ул. им. Маршала Чуйкова, 37.
Время работы выставочного зала 11:00-19:00, в четверг 12:00-20:00, выходной понедельник. тел. 24-16-79; http://mashkovmuseum.ru
«Муниципальное телевидение Волгограда»

Если вы зайдете в интернет и попытаетесь воссоздать список знаменитых людей нашего края, то найдете там имена героев, полководцев, актеров, модных певцов и спортсменов, но вряд ли встретите имя Виктора Федосеевича Губко. Замечательный скульптор, живописец, график, кандидат искусствоведения, профессор Строгановки, заслуженный художник России, скульптор, участвовавший в воссоздании Храма Христа Спасителя. Произведения Виктора Губко находятся во всех крупнейших музеях страны и в частных собраниях по всему миру. Он участник множества престижных выставок в Греции, Италии, Франции, Египте и. т. д. А родился Виктор Федосеевич в поселке Майском в Сталинграде в 1948 году. Учился в средней школе N59 в Кировском районе Волгограда. Его школьная учительница Зоя Михайловна Игнатова в своих воспоминаниях пишет: «Жизнь В.Ф.Губко является примером того, чего может достичь русский человек, опираясь только на свои силы». Давайте познакомимся поближе. В школу N59 Виктор пришел после серафимовичского детского дома. Он занимался в изостудии и мечтал стать художником. В семье никто не имел никакого отношения к искусству. Отец и мать всю жизнь были привязаны к земле, домашнему хозяйству. О чем-то возвышенном думать было некогда. А вот дед очень любил рисовать лошадей, особенно, когда они играют, трутся шеями, встают на дыбы или валяются на траве. Пройдет много лет и Виктор Федосеевич создаст композицию «Танец», которую вы увидите на нашей выставке. Вздыбленные кони, словно юные одухотворенные существа, кружатся в фантастическом танце и радостном и тревожном. Словно память о деде- его душа живет в искусстве внука. В одном из интервью Виктор Губко рассказывал: «Я не могу сказать, как относились мои родственники к творчеству моего деда, но вот мои детские рисунки мать не одобряла. Она всегда говорила, что, дескать мужик должен иметь настоящую профессию- быть механизатором, слесарем-авторемонтником, электросварщиком. Я был послушным и все эти профессии освоил. И все же в свободное время рисовал. После службы в армии четырежды поступал в Московское высшее художественно-промышленное училище (бывшее Строгановское). Мне говорили, что у меня есть талант, интересные неординарные решения. Но не принимали. Было время, когда в престижные вузы принимали в первую очередь детей престижных родителей». Понимая, что помощи ждать неоткуда, Виктор учился и работал не покладая рук. В Строгановку он все же поступил. Окончил с отличием, защитил диссертацию, преподавал и был любим студентами. Но была и другая сторона творческой жизни- напряженные поиски собственного языка, круга тем, приемов, переосмысление наследия прошлого.
В. Губко пришел в искусство в сложную пору. Уже канул в Лету ленинский план монументальной пропаганды, рухнула социалистическая система госзаказов, хотя по-прежнему патриотизм был последним прибежищем скульптуры. Правда, по большому счету, как заметил еще Поль Валери «Живопись и Скульптура - брошенные дети. У них умерла мать -Архитектура. Пока она жила, она указывала им место назначения и пределы»... 80-е начало 90-х в России - время активного отстаивания искусством своей независимости, переставая поучать, искусство не желало больше быть ничем иным, кроме как самим собой. Решительно обогащается палитра скульптурных жанров, в скульптуре появляются новые аспекты выразительности, новые темы и явления жизни, новые взаимоотношения с классикой и традицией. И в этом смысле В. Губко был «героем своего времени», времени преобладания личного стиля над коллективным, предельной индивидуализации творческого материала. «Когда вступал в Союз художников, принес именно то, чем нас пичкали все эти годы- вспоминает Виктор Федосеевич- а мне сказали: да, это хорошо, профессионально, но покажи что у тебя для души?» А для души уже были и «Ожидание» и «Танец» и «Продавец птиц». Работы, в которых главным становиться проекция его эмоциональных состояний, чувств переживаний, воплощенных в живой и теплой фактуре, сотканной чередованием сглаженной формы с мелкими подвижными мазкам. Скульптура, как самодавлеющее целое, как замкнутый в себе мир души. Но при этом он отстранен от сиюминутности. При всей жанровости сюжетов, ему чуждо бытописательство- это, скорее, раздумья над вечными темами добра и зла, духа и плоти, чувства и рассудка. Отсюда неоднозначность звучания - светлое лирическое начало включает драматические интонации и в «Танце» и в «Ожидании» и в «Продавце птиц». Его тяга к многомерности образа находит продолжение в обращении к мифологическим сюжетам, которые он трактует по- своему. Его « Пегас» с опаленными, разорванными крыльями драматичен. Этот спутник поэтического вдохновения всегда несет сквозь обжигающее пламя творчества. Без этого пламени нет творчества. Мифологические модуляции В.Губко внеисторичны. Авторская концепция превалирует над традиционным прочтением его. Поэтому «Пентесилея»- это не символ любви, которая сильнее смерти, как для греков и поздних римлян. Это символ торжества и непобедимости сильного духом. Диалог с мифом необходим ему для утверждения собственной философской и пластической идеи. Художник уходит от сложившихся штампов. Так образ Н. В. Гоголя далек от традиционных для отечественного искусства воплощений писателя. Непривычная некоторая гротесковость трактовки, позволила автору создать образ, вобравший, кажется, и черты героев произведений писателя и особую интонацию его прозы. И вместе с тем это трагичная фигурка, шагающего по российскому бездорожью человека в поисках ответов на вечные вопросы «Русь! Чего же ты хочешь от меня… И зачем все, что ни есть в тебе обратило на меня полные ожидания очи..?» Позиция, приближающая его к «Ревизской сказке» Ю. Любимова и «Гоголь-сюиты» А. Шнитке. Гротеск, как особый взгляд на мир, позволяющий охватить всю многомерность бытия.
В 1998-1999 г. Виктор Федосеевич принял участие в воссоздании Храма Христа Спасителя, где вместе с другими скульпторами выполнял горельефные группы на фасаде собора. «Дебора»- по модели А.Логановского на южном фасаде, «Воскресение Христова»- на восточном фасаде храма, «Встреча Авраама с Мельхиседеком» на южном фасаде, «Св. Георгий» по модели П.Клодта на северном фасаде. Обращение к сюжетам Ветхого и Нового Заветов, работа над скульптурой собора позволили уже зрелому мастеру по-новому взглянуть на традиции русской монументальной пластики. И кто знает, во что бы вылился этот опыт, но... судьбою ему было отпущено совсем немного времени. В 2005 году в расцвете творческих сил и постижений он ушел из жизни. 11 сентября ему бы исполнилось 70 лет. Эта небольшая экспозиция дань памяти и признательности талантливому художнику, простому парню с берегов Волги, покорившему Олимп. В экспозицию включены работы из коллекции Волгоградского музея, которые созданы в 80-е годы ХХ века и относятся к раннему периоду творчества художника. В пронизанных воздухом силуэтах, в интерпретации натуры, в мягкой живописной фактуре, в импрессионистических приемах трактовки поверхности- его взволнованность, его эмоциональность, его духовное напряжение, его своеобразный мир, волнующий нас и сегодня.
«Творец уйдет природой побежденный, но образ, им запечатленный, веками будет согревать сердца». (Микеланджело Буонарроти)/
Открытие выставки состоится 11 сентября в 17:00.
Выставка будет работать с 11 сентября по 11 ноября 2018 г. в выставочном зале Волгоградского музея изобразительных искусств им.И.И.Машкова по адресу: Волгоград, ул. им. Маршала Чуйкова, 37.
Время работы выставочного зала 11:00-19:00, в четверг 12:00-20:00, выходной понедельник. тел. 24-16-79

Выставка–ретроспектива выдающегося московского живописца Юрия Николаевича Ларина (1936–2014). В экспозиции представлено около 70 живописных и графических работ 1968–2014 годов: пейзажи, портреты, натюрморты. Дополняют экспозицию фотографии и документальный фильм о художнике. Открытие выставки 3 августа в 17.00.
Юрий Николаевич Ларин прожил исключительно нелёгкую, но счастливую жизнь, встречая каждый день как дар: возможность ещё раз вслушаться, вдохнуть, всмотреться, удивиться, и написать на белого грунта холсте то новое, что понял именно сегодня. Яркий дар живописца, личное обаяние, любовь и жадный интерес к людям притягивали к нему незаурядных современников: известных философов, историков, художников, искусствоведов. Художник рассказывал: «Оптимизм вообще характерен для русского человека, хотя горя было очень много. В том числе и в моей жизни. Но мне всегда везло на хороших людей и друзей».
Судьба не располагала Юрия Ларина не то что к счастью, но даже к выживанию. Он родился в элитарной советской семье. Отец - Николай Иванович Бухарин и мама - Анна Михайловна Ларина (Бухарина) принадлежали к партийной «верхушке». Младенчество в Кремле, счастливый брак родителей - всё рухнуло в 1937-м с арестом отца, матери, а затем всех родственников. Отца расстреляли, мама выжила, но смогла впервые встретиться с сыном лишь в 1956 году, после освобождения из лагеря, находясь на поселении.
Приемную семью Гусманов, которую Юра считал родной, репрессировали в 1946 году. Оставшиеся от детства годы Юрий Ларин (в то время по документам Юрий Борисович Гусман) провёл в детдоме в Средней Ахтубе, под Сталинградом. Мудрых учителей, любимых товарищей, скудный детдомовский быт художник вспоминал с теплотой всю свою жизнь.
О том, что он - сын Н. И. Бухарина, Юрий узнал лишь через несколько лет после первой встречи с матерью, в 1960 году. В 1957 году, после реабилитации мамы, и разрешения вернуться с ней в Москву, взял материнскую фамилию: Ларин. После реабилитации отца в 1988 году смог вернуть себе настоящее отчество: Николаевич.
Получил высшее образование инженера-гидротехника, работал по специальности, в том числе на строительстве Саратовской ГЭС. Всегда стремился рисовать.
После встречи со знатоком русского искусства, московским искусствоведом Е. Б. Муриной окончательно решил стать художником.
В 1965-1970 годах учился в Московском высшем художественно-промышленном училище (б. Строгановском), закончил факультет художественного конструирования.
Как профессиональный художник работал с начала 1970-х годов. Выставлялся с 1981 года. Первая персональная выставка (совместно с Е.Кравченко) состоялась в 1982 году в Московском драматическом театре им. М.Н.Ермоловой. Впоследствии участвовал в более чем в 25 выставках, получая известность, аудиторию, признание.
Персональные выставки проходили в галерее «Books & Company Art» (Нью-Йорк, 1987), Центральном Доме художника (Москва, 1989), галерее «Raissa» (Эрфурт, Германия, 1992), редакции журнала «Наше наследие» (Российский фонд культуры, Москва, 1993 и 2006), Московском отделении Всемирного банка и в Государственном институте искусствознания (Москва, 1996), Московском государственном музее Вадима Сидура (1997), галерее «Junge» (Дортмунд, Германия, 2000), Болгарском культурном центре (Арт-студия «TAGRY». Москва, 2002), Саратовском государственном художественном музее им. А.Н.Радищева (2004 и 2011), Государственном музее–заповеднике «Царицыно» ( Москва, 2011), Галерее «Кино» (Москва, 2013), «Галерее Назарова» (Липецк, 2015), Государственном литературном музее (Москва, 2015), Музее истории Санкт-Петербурга (2015), Ярославском художественном музее (2015), Новом Манеже (Москва).
В 1970-1986 годах преподавал рисунок в Московском художественном училище памяти 1905 года. Был членом Союза художников с 1977 года. Побывал и писал в Магадане, на Кавказе, в Прибалтике, Армении, в подмосковном доме творчества «Челюскинская».
Судьба отпустила Ларину лишь 15 насыщенных творческих лет, резко оборванных болезнью. В 1985 году нейрохирургическая операция сохранила жизнь, но привела к инвалидности. В 1987 году умерла первая жена, журналист Инга Баллод, оставив 13-летнего сына Николая. Опорой, самым близким человеком в 1989 года стала врач Ольга Максакова. Операция привела к ограничению движений, походки и - к невозможности работать правой рукой: все картины с 1986 года Ларин писал левой.
В 1990-е - 2000-е годы в сопровождении жены дважды побывал в Германии (как стипендиат Фонда Генриха Белля), работал также в Италии, Каталонии, Болгарии, на Кавказе, и в любимой им Ниде (Литва). В 1998 году был награжден Дипломом Академии художеств за вклад в развитие отечественного искусства, в 2001 году получил Серебряную медаль Академии художеств.
Последние три года акварельные сезоны проводил в подмосковном дачном поселке Малаховка. Скончался в Москве в ночь на 15 сентября 2014 года.
Живопись Ларина, корнями уходящая в традицию «новейших» течений начала ХХ века (от Сезанна до русского поставангарда), имеет неповторимое и сходу узнаваемое лицо. В творчестве Ларин был столь же бесстрашен как в жизни, общаясь с натурой один на один: без опоры на группу или школу. Он в одиночку прошел честный путь личных открытий, мысленно советуясь разве что с единственным безусловным для себя авторитетом: Полем Сезанном.
Художественный язык Ларина сложился к концу 1970-х годов, преимущественно в пейзаже – любимом жанре художника. Свой метод Ларин характеризовал как «концепцию предельного состояния», которое наступает, когда «работа еще остается узнаваемой литературно, но музыкальный, цветопластический момент уже настолько сильно овладел ею, что предельное состояние наступило». Художник переживал натуру, опуская рациональные, литературно-описательные возможности изображения и добиваясь того чувства меры, которая и есть суть художественного образа. Со временем палитра художника высветлялась: исчезали тени, цвет становился светоносным, что приводило к дематериализации и «прозрачности» изображенного мотива. В последние годы жизни художник минимализировал средства выражения, достигнув знаковости образа. Живопись Ларина сплавлена из эмоциональной непосредственности и интеллектуальной дисциплинированности. Его ландшафты поражают планетарностью, натюрморты - способностью увидеть в малом объекте всю красоту мира. Гармония его произведений исполнена множеством смыслов, раскрывающихся зрителю при доверительном и неспешном общении с ними.
В разные годы о Ларине писали известные искусствоведы, историки и художники: Г.Ельшевская, Е.Мурина, А.Каменский, Б.Фрезинский, М.Митурич, Д.Бернтштейн, Н.Козырева и др. Творчеству художника посвящено два альбома-монографии: 2006, 2013, Москва.
Произведения Ю.Н.Ларина находятся в собраниях Государственного Русского музея, Государственной Третьяковской галереи, Государственного Музея изобразительных искусств, Музея искусства народов Востока, Государственного Литературного музея, Саратовского художественного музея им. А.Н.Радищева, Ярославского художественного музея, Нижнетагильского музея изобразительных искусств, Волгоградского музея изобразительных искусств им. И.И.Машкова, Историко-архитектурного и художественного музея «Новый Иерусалим», Музея истории Санкт-Петербурга, Музея Андрея Сахарова, и др., а также в многочисленных частных собраниях России и за рубежом.
Выставка будет работать с 3 августа по 30 сентября 2018 г. в выставочном зале Волгоградского музея изобразительных искусств им.И.И.Машкова по адресу: Волгоград, ул. им. Маршала Чуйкова, 37. Время работы выставочного зала 11.00-19.00, в четверг 12.00-20.00, выходной понедельник; тел.: 24-16-79;

«Зимние крылья» и «Семья кашалотов», «Оленевод» и «Лев в ночи», «Детеныши песца» и «Портрет черного ворона» - эти и многие другие фотоработы скоро можно будет увидеть в выставочном зале музея Машкова.
Со 2 августа по 14 октября в выставочном зале музея изобразительных искусств им.И.И.Машкова (ул.им.Чуйкова, 37) будет проходить международная фотовыставка "Золотая Черепаха", посвященная дикой природе . Торжественная церемония открытия состоится 2 августа в 17.00.
В экспозиции представлено 70 работ фотохудожников со всего света: из России, Испании, Норвегии, Бельгии, Швеции, Франции и многих других стран. На фотографиях запечатлены удивительные мгновения из жизни дикой природы самых разных уголков мира: озеро Байкал (Россия), ущелье Мижирги в Кабардино-Балкарском высокогорном заповеднике (Россия), Ямал (Россия), Доврефьель-Сунндалсфьелла (Норвегия), Азорские острова (Атлантический океан), Тибетское нагорье (Китай), Зиманга (Южная Африка), река Адаха (Испания), национальный парк Бирунга (Руанда) и многих других географических мест.
"Золотая Черепаха" является крупнейшим культурным эколого-просветительским проектом в мире и одной из самых масштабных фотовыставок, посвящённых дикой природе. Фотопроект дает возможность фотографам, художникам и дизайнерам поделиться своими лучшими произведениями с общественностью, пропагандируя бережное отношение к окружающему миру.
"Золотая Черепаха" - это ряд творческих конкурсов, лауреаты которых являются участниками Фестиваля дикой природы. На фотовыставке представлены работы художников, победивших в номинациях фестиваля "Подводный мир", "Микромир", "Поведение животного", "Человек и природа", "Портрет животного", "Пейзаж".
С 2017 года организатором фестиваля "Золотая Черепаха" является благотворительный фонд социальной поддержки "Мой экватор". К экологической миссии Фестиваля добавилась еще одна важная социальная задача – помощь детям с тяжелыми заболеваниями.
В рамках фотовыставки будет реализована большая обучающая и развлекательная программа с игровыми и познавательными квестами, мастер-классами по искусству фотографии, ландшафтному дизайну, лекциями о путешествиях и экологии, конкурсами для детей, а также вручением призов от спонсоров.
Фотовыставка будет интересна широкой аудитории, для посещения с семьей, детьми, для молодежи, а любителей путешествий может вдохновить на новые приключения.
Выставочный зал ВМИИ (ул. им.Чуйкова, 37)
Телефон: (8442) 24-16-79

2018 год был провозглашен перекрестным Годом Японии и России. К этому знаменательному событию Волгоградский музей изобразительных искусств им. И.И.Машкова подготовил выставку, знакомящую с произведениями искусства Японии из своих фондов.
Это одна из самых ранних коллекций в составе музейного собрания, она стала формироваться, начиная с 1960 г., вскоре после организации ВМИИ. Значительная часть вещей поступила из Государственного музея искусства народов Востока и Государственного музея изобразительных искусств им. А.С.Пушкина. Позже собрание дополнилось произведениями из частных коллекций.
На выставке экспонируются 9 ксилографий (гравюры на дереве) и 9 произведений декоративно-прикладного искусства. Они были созданы в эпоху позднего средневековья, в период развития культуры, именуемый Эдо (1600-1868). Экспозиция дает возможность познакомиться с техниками, являющимися традиционными для культур Востока, секреты которых оттачивались тысячелетиями. Украшением коллекции являются произведения из фарфора. В Японии фарфор появился в 10 в., фарфоровое производство достигло расцвета к 18 в. Японский фарфор отличает стремление к виртуозности выполнения, выявлению возможностей материала. Японский фарфор в 19 в. активно вывозился в Европу. Древний японский принцип сибуи (излишнее безобразно) сменяется в это время стремлением к пышности, изощренности, избыточности декора, что происходило во многом под воздействием европейского искусства. Подглазурная роспись часто сочетается с надглазурной- яркими эмалевыми красками. В то же время в прикладном искусстве периода Эдо ощутима измельченность форм, стремление сделать предметы предельно изящными. Эти качества демонстрируют блюдо, ваза с красно-зеленым узором.
Японская цветная ксилография- уникальное явление в истории мирового искусства. Ее технику японцы заимствовали из Китая, но придали ей глубоко самобытный характер. В городской культуре 17-19 вв., когда и были созданы представленные работы, на первый план выдвинулось понятие ики- дух обольстительной красоты, яркой и чувственной. Именно в этот период достигла высшего подъема гравюра на дереве укиё-э («картины изменчивого мира»), прославившая в странах Европы японское искусство. Ее главной темой была повседневная жизнь самих горожан.
Выставка знакомит с такими мастерами укиё-э 19 в., как Сюмман, Сори, Хоккэй, Гакутэй, Синсай, Тоёхиро, Сигэнобу. Среди представленных авторов есть очень известные мастера ксилографии. Зритель может увидеть ксилографию «Бэнтэн и Эбису- боги счастья», выполненную первым учителем прославленного Хиросигэ- Утигава Тоёхиро (1773-1828).
Лист «Ткачиха» принадлежит Сигэнобу Янагаве (1787 – 1832. Сигэнобу был родом из Эдо, но жил и работал в Осаке. Известно, что в начале творческого пути он занимался изготовлением кукол. Впоследствии, около 1803 г., стал учеником и приемным сыном Хокусая и прославился как книжный иллюстратор. Ясима Гакутей (1786-1868), представленный работой «Натюрморт с чайником», высоко ценился как один из лучших мастеров укиё-э своего времени, но он был более известен как поэт и писатель. Свои стихи он, как правило, помещал рядом с изображением. Он почитается как один из самых квалифицированных мастеров своего времени.
Прекрасная ксилография «Бабочка» принадлежит знаменитому графику, живописцу и поэту Кубо Сюмману. Это одна из его многочисленных поздравительных открыток (суримоно), сочетающих рисунки со стихами, обычно доброжелательного символического содержания. Сюмман ограничил свою палитру глухими зелеными и серебристо-серыми тонами. Эта гамма красок называлась в Японии «страх перед розовым». Его работы отличает подчеркнутой изощренностью линейного ритма, определяемой принадлежностью к знаменитой школе гравюры Эйси.
Гравюра показана на выставке во всем разнообразии жанров: бидзинга (изображение красавиц), катёга (цветы и птицы), фудзокуга (бытовой жанр), натюрморты. Графика периода Эдо глубоко эмоциональна, излюбленными здесь являются образы природы. Особый способ художественного мышления, сложившийся в Японии, давал возможность через образы природы передать тончайшие оттенки переживаний и настроений. Каждый лист представляет собой идеальным образом организованную плоскость. Иероглифы, написанные тушью, составляют одно целое с отпечатанным с деревянных резных досок изображением. Поэтичность здесь сочетается с динамичностью. Необходимо отметить, что дух времени, обретший вкус к переменам, нашел отражение не только в графике, но и в батальной сцене росписи, казалось бы, совсем обыденного предмета- подставки для светильника.
Рядом с образами, выхваченными из современной действительности (например, женщина, любующаяся луной, или ткачиха), мы видим в японских произведениях и образы глубоко символичные, вечные. Так, бабочка в японских верованиях могла быть душой как живого, так и мертвого человека, потому с ней необходимо обращаться вежливо, доброжелательно. На одной из ксилографий изображены боги, приносящие удачу: Бэнтон и Эбису. Эбису- покровитель рыболовов и торговцев, бог удачи и трудолюбия, он изображается с удочкой и рыбой. Бэнтэн- богиня удачи, мудрости, искусств, любви и тяги к знаниям. Она изображается в облике девушки. Бэнтэн-любимая и очень почитаемая богиня. Она покровительствует женщинам, охраняет семейное счастье, кроме того, Бэнтэн считается богиней красноречия, а также всех видов музыкального и театрального искусства. И Эбису, и Бэнтэн входят в число Семи богов счастья (Ситифукудзин). Рядом с Бэнтэн часто изображается дракон. По преданию, дракон, очарованный ее красотой, посватался к богине, и та дала свое согласие.
Изображение золотого дракона украшает величественную темно-синюю фарфоровую вазу. На Востоке дракон является символом силы и доброты. Дракон- это дух изменения, а потому дух самой жизни. В Японии дракон намного более реален, ближе к людям, чем в Китае. Местом особого почитания Дракона как божества издавна считается префектура Канагава, в которой «пребывают» два самых известных дракона Японии – пятиглавый на острове Эосима и девятиглавый- в озере Асиноко в городе Хаконэ. Изображение дракона является оберегом.
Выставка дает возможность прикоснуться к поэзии, мифам, истории ремесел и искусства прекрасной Японии.
Выставка будет работать с 26 июня по 2 сентября 2018 г. в выставочном зале Волгоградского музея изобразительных искусств им.И.И.Машкова по адресу: Волгоград, ул. им. Маршала Чуйкова, 37. Время работы выставочного зала 11.00-19.00, в четверг 12.00-20.00, выходной понедельник; тел.: 24-16-79; 

Даты проведения: 15 июня – 29 июля 2018
Открытие и кураторская экскурсия: 15 июня 17:00
Место проведения: Волгоградский музей изобразительных искусств им. И.И. Машкова, г. Волгоград, ул. Чуйкова, 37.
Фонд развития современного искусства, ГМВЦ «РОСИЗО», Волгоградский музей изобразительных искусств им.И.И.Машкова и Фонд развития современного искусства «АРТ СЛОЙ» представляют проект «Актуальная Россия» — ежегодную коллективную выставку, которая демонстрирует главные тенденции современного российского искусства. Открытие выставки даст старт масштабной акции «Футбольная ночь», которую Волгоградский музей изобразительных искусств им. И.И.Машкова проводит в рамках культурной программы чемпионата мира по футболу в Волгограде. Выставка на равных представляет начинающих авторов и классиков. Звёзды российской арт-сцены в экспозиции соседствуют с молодыми экспериментаторами. Более 50-ти художников, существующих в искусстве параллельно и независимо друг от друга, более 100 работ — от медиа-инсталляций до академической живописи. Знаковые произведения, представляющие географию отечественного арт-процесса от Петербурга и до Владивостока, теперь объединены в масштабную передвижную экспозицию. Лейтмотив выставки «Актуальная Россия» — «игра в классиков». Новаторские приемы, когда-то претендовавшие на переворот в искусстве, переходят в сферу традиционной визуальности, авангардные тенденции соединяются с искусством старой школы, молодые художники стремятся стать классиками, а опытные мастера, напротив, идут на радикальные эксперименты. Михаил Розанов и Алексей Беляев-Гинтовт, Дамир Муратов и Глеб Косоруков, Алексей Политов и Марина Белова, Константин Худяков, Юлия Малинина, Анна Красная, Егор Плотников, Анна Селина и другие демонстрируют широкий срез современного искусства России. Впервые в рамках масштабной экспозиции представлено новаторское технологическое направление современного искусства - цифровая живопись с дополненной реальностью (AR) художников Алексея Андреева, Александры Железновой, Андрея Сурнова и других участников онлайн проекта Malzoff`s gallery. Куратор выставки Арсений Штейнер намеренно не разделяет проект на тематические и жанровые зоны, показывая работы традиционных и авангардных художников единым потоком: это сплав, неоднородный, но не противоречивый. Задача проекта «Актуальная Россия» — представить объемный образ современного искусства страны самой широкой аудитории.
Справка
Арсений Штейнер — художественный критик, куратор, организатор более 20-ти выставок современного искусства в России и за рубежом. Вице-президент Творческого Союза художников России.
Фонд развития современного искусства
ФРСИ – некоммерческая организация, специализирующаяся на актуальных исследованиях и проектах в области современной культуры, искусства, кинематографии, литературы и народного творчества. Миссия фонда — улучшение качества культурной политики в общественной жизни путем исследований, анализа и прогнозирования, проектов и мероприятий. ФРСИ реализует самостоятельные научные, исследовательские и культурные проекты, ведет издательскую и просветительскую деятельность.
«РОСИЗО»
Государственный музейно-выставочный центр «РОСИЗО» был основан в 1959 году. 1 ноября 2016 года в состав «РОСИЗО» вошел Государственный центр современного искусства. Сегодня «РОСИЗО» является разветвленным федеральным музеем с сетью в девяти субъектах Российской Федерации и играет важную роль в процессе включения российского искусства в международный контекст. Это многопрофильная институция, которая разрабатывает и реализует выставочные и культурно-просветительские проекты по всему миру. Фонд «РОСИЗО» насчитывает более 45 000 единиц хранения. Одна из главных задач «РОСИЗО» — популяризация художественного наследия России и новейшего российского искусства.
ВМИИ
Волгоградский музей изобразительных искусств им.И.И.Машкова - единственный художественный музей региона - был основан в 1960 году. Сегодня фонды музея насчитывают 10200 произведений отечественного и зарубежного искусства. Русское искусство XVIII-начала XX веков представлено произведениями К.Брюллова, И.Репина, И.Айвазовского, А.Саврасова, И.Шишкина, К.Коровина, В.Серова, М.Ларионова и др. Особую ценность представляет собрание произведений отечественного искусства XX века, дающее представление о наиболее значимых фигурах нашей художественной культуры: К.Петров-Водкин, А.Самохвалов, П.Кончаловский, А.Лентулов, Р.Фальк, А.Дейнека, А.Пластов, А.Тышлер, Е.Моисеенко, В.Попков, Э.Неизвестный, Э.Белютин и др. Зарубежное искусство представлено произведениями А. Дюрера, Хогарта, Рембрандта, Рубенса и др. Предметом особой гордости ВМИИ является коллекция произведений Ильи Ивановича Машкова (1881-1944) - одна из наиболее обширных и своеобразных, вторая в мире по количественному составу. Именно эта уникальная коллекция определяет лицо музея. В 2010 году ВМИИ было присвоено имя художника.
«АРТ СЛОЙ»
Фонд развития современного искусства «АРТ СЛОЙ» (до 23.12.2014 - Фонд развития современного искусства «МОСТ») основан в сентябре 2013 года. Реализует творческие гражданские инициативы, направленные на популяризацию современного искусства, развитие негосударственного образования и повышение престижа профессий, связанных с искусством. Значимые события Фонда: 2013 – в Волгограде открыта Галерея современного искусства «ТРАПЕЦИЯ» 2014 – учрежден на постоянной основе международный фестиваль «АРТ СЛОЙ», мероприятия которого направлены на формирование культурного многообразия и генерирование культурных инноваций, музеефикацию современного изобразительного искусства, создание музея современного искусства в Волгограде 2015 – Международная научно-практическая конференция «Искусство и право: тенденции развития и формы интеграции» в Галерее искусств З.Церетели 2015 – открыто направление «Дизайн» в негосударственном образовательном частном учреждении высшего образования «Волгоградский гуманитарный институт»

«Слава труду» - почти буквальная реконструкция типичной выставки советских времен. Она предъявляет грандиозный и неоднородный по составу пласт отечественного искусства, раскрывающий суть главного достижения СССР- феномена советского человека. Героический труд- его основная доблесть. Труд понимался как способ достижения светлого коммунистического будущего, в то же время труду отводилась роль формирования человека будущего. Труд стал стержневой мифологемой социалистического реализма, главным предназначением художника виделось отражение коммунистического строительства, а главным героем советского искусства был человек труда. «Слава труду», следуя традиции, предлагает зрителю совершить воображаемое путешествие по стройкам, среди которых особое место отведено послевоенному восстановлению Сталинграда и строительству Волжской ГЭС, встретиться с хлеборобами и доярками, рыбаками и плотогонами, оказаться в заводском цеху и на взлетной полосе.
Для экспозиции были отобраны более 100 произведений живописи, скульптуры, графики, декоративно-прикладного искусства 1920-х- конца 1980-х гг. из фондов музея. Среди экспонатов шедевры самых ярких представителей социалистического реализма: А.Дейнеки и А.Самохвалова, И.Машкова и Ф.Богородского, В.Васильева и П.Оссовского, Вл.Серова и Ю.Пименова. Многие работы экспонируется впервые, в том числе рисунки, сделанные А.Самохваловым на строительстве московского метро в 1934 г.
Выставка «Слава труду»- представляет не только художественный интерес. Это образ идеологически выверенной мечты трех поколений и летопись побед нашей страны- от первого трактора до освоения космоса. Воплощая лозунг «страна должна знать своих героев», художники отправлялись на стройки, заводы, в колхозы и лаборатории для того, чтобы запечатлеть образы тех, чьими руками строится самое совершенное общество и сами процессы труда. Героев труда знает вся страна, их достижения чествуют, они являются образцами для подражания. Значительная часть экспозиции представляет портретные образы ударников производства. Так, И.Машков в 1935 г. на съезде делает портрет легендарной Паши Ангелиной, первой женщины- бригадира тракторной бригады, выступившей с призывом «Сто тысяч подруг- на трактор!».
Индустриальные пейзажи, картины работающего завода художниками воспринимались прежде всего как фантастическая реальность, техногенная среда, поражающая масштабами преобразований (А.Куприн, Х. Блунавс, А.Михайлов, А.Пантелеев).
Богато, разносторонне оказался представлен Волгоградский Союз художников- работами таких мастеров, как А. Червоненко, П.Малков, П.Шардаков, М.Павловский, А.Быков, Л.Голуб, П.Гречкин, С.Зиман, А.Николаев, А.Печенников, Г.Печенников, Н.Пирогова, В.Стригин, Ю.Боско, А.Бурлай, А.Егидис, Э.Завьялова, Г.Котов, В.Кудряшов, А.Михайлов, А.Прокопенко, И.Романов, Н.Черникова и др.
Выставка объединяет разные жанры, виды, масштабы произведений, демонстрируя универсальность сложившейся системы. Она дает почувствовать размах работы художника, создающего сотни зарисовок, этюдов на производстве, чтобы потом на их основе написать монументальные полотна. Зритель увидит рисунки А.И.Бородина, из числа создававшихся им в течение 10 лет на заводе «Красный Октябрь», наброски П.Ф.Шардакова, привезенные с аэродрома и из калийных шахт.
Небольшой раздел экспозиции посвящен детям, воспитывающимся в труде, мыслящих свое будущее в рамках профессии, ведь «завод, фабрика, стройка, совхоз, колхоз должны стать для молодежи второй школой, призванной дать им не только профессиональную подготовку, но и привить уважение к труду, к рабочей профессии, коммунистическую мораль». О всеохватности пропагандистского подхода свидетельствуют и изящные шкатулки, украшенные федоскинской и мстерской миниатюрой на производственную тематику («День шахтера», «Сбор плодов»).
В проекте соседствуют работы разных десятилетий. В 1920-е-1930-е тема труда получала романтическое прочтение. В просветленных произведениях Ф.Богородского, А.Самохвалова, А.Дейнеки- труд- это проявление свободы, сверхчеловеческих возможностей нового человека. Хозяева земли и творцы новой индустрии: «Колхозница с тыквами» И.Машкова, «Рабочий» В.Серова, «Доярка» К. Фролова - наделены титанической силой. Культ освобожденного труда формировал образ ударника, «живого человека, по облику которого чувствуешь, что труд для него стал делом чести и славы, а отдых - радостным развитием всех физических и умственных сил». Сразу после войны мирный труд- это символ возвращения к жизни, восстановления нормального порядка вещей (Ю.Пименов). У шестидесятников тема труда приобретает смысл сурового противоборства, покорения природы. Их любимые персонажи- брутальные строители, геологи и нефтяники (В.Фомин, П.Малков, Ю.Боско). Спасительный юмор приходит на помощь художнику, когда запасы мечты и веры оказываются недостаточными (Е.Струлев, цикл «Гитарные песни БАМа»). Завершает экспозицию концептуальная композиция Н.Паниткова «Монумент», предъявляющая зрителю пустующий постамент с оставленными серпом и молотом, а также узнаваемыми серебристыми комбинезонами и башмаками, давая понять, что труд не исчерпывает все потребности человека.
Оставаясь в рамках госзаказа, художник мог успешно избегать штампов, опираясь на искреннее уважение к своему герою, интерес к выбранной теме, внятно сформулированные собственные творческие принципы. Это выставка - приглашение к воспоминанию и размышлению. Именно искусство стало памятником ушедшей эпохе. Искусство воспевало героев и воспитывало героев. Выставка дает возможность прикоснуться к ценностям и вере тех поколений, их великим целям, их испытаниям и победам. Сегодня, по прошествии тридцати лет со времени создания последней из работ, представленных на выставке, становятся очевидными как безусловная значительность наследия той культуры, обеспеченная профессионализмом и высокими представлениями о человеке, так и результаты расхождения союза искусства и труда.
Адрес: Волгоград, проспект Ленина, 21. Время работы 10.00-18.00, в среду 10.00-20.00, выходной вторник тел.(8442)38-24-44, (8442) 38-59-15; 

Открытие 7 июня в 17.00
С 7 по 12 июня в Выставочном зале музея Машкова будет работать фотовыставка «Золотой год собаки».
В Год Собаки самое время признаться в любви к четвероногим друзьям, которые покоряют своей преданностью и желанием всегда быть рядом.
Выставка рассказывает о взаимоотношениях людей и животных, об особенностях характера наших друзей, об интересных случаях из жизни питомца и хозяина.
В рамках фотовыставки Анна Кувычко, Владимир Ефимов, Руслан Шарифов, Николай Лукьяненко, Виталий Лихачев и многие другие известные волгоградцы познакомят зрителей со своими питомцами – леонбергерами, вест-хайленд-уайт-терьерами, немецкими овчарками, лабрадорами, хаски, кане-корсо, а также шотландскими прямоухими котами...
Несмотря на то, что проект представляет немало породистых собак, его целью является привлечение внимания к брошенным животным. 
В рамках выставки виртуальная экспозиция фотографа Екатерины Куликовой познакомит зрителей с жителями приюта «ДИНО», в котором каждая собака очень ждет своего хозяина. Если хотите сделать доброе дело, то у вас есть такая возможность: на открытии выставки - 7 июня в 17.00 - приют «ДИНО» принимает подарки! 
Фотовыставка интересна не только для тех, кто сам является владельцем собаки или кошки, но и для всех, кто любит животных и ОТВЕТСТВЕННО к ним относится.
Автор проекта – Егор Осипов, авторы идеи – Александр Осипов, Наталья Семенова, фотограф – Роман Юкляевский.
Время работы выставочного зала 11.00-19.00, в четверг 12.00-20.00, выходной понедельник. тел.(8442)38-24-44, (8442) 38-59-15; 24-16-79

01 марта (пятница) в 17:00 часов в Волгоградском музее изобразительных искусств им.И.И.Машкова на пр. Ленина, 21 состоится открытие масштабной выставки "ТЕАтр-THEАrt", посвященной Всероссийскому Году Театра.
На ней будут представлены работы современных волгоградских художников, в произведениях которых имплицитно или прямодушно затрагивается тема театральности. Фэнтези и многодельные натюрморты, изобразительные квесты и диалогичные пейзажи, портреты и жанровые картины, эскизы декораций и костюмов к спектаклям воссоздадут реальную атмосферу театра. Живописные полотна будут соседствовать с графическими листами, скульптурные композиции с инсталляциями, театральные костюмы с редкими макетами театральных декораций.
На фоне яркой и разнообразной экспозиции в музее будут проводиться лекции по истории изобразительного искусства (поговорим о театральном творчестве художников, чьи произведения есть в фондах музея), философии, истории мирового, российского и волгоградского театра. Насыщенную программу дополнят мастер-классы, встречи с художниками и мастерами театрального искусства.

Волгоградский музей изобразительных искусств им.И.И.Машкова с 20 февраля по 27 мая 2019 представляет экспозицию «Любимец своих единоземцев» к 250-летию Ивана Андреевича Крылова (в формате выставка в выставке).
13 февраля 2019 г. исполнилось 250 лет со дня рождения писателя Ивана Андреевича Крылова. Сторонник классицизма и наследник баснописцев 18 века (А.И.Сумарокова и др.), Крылов является создателем реалистической басни, и вместе с А.С.Грибоедовым и А.С.Пушкиным стоит у истоков литературы русского реализма.
Из-под пера Ивана Андреевича Крылова вышло больше 200 басен. В одних он обличал русскую действительность, в других – людские пороки, третьи – просто стихотворные анекдоты. Множество метких крыловских выражений со временем вошли в разговорную речь и обогатили русский язык.
Официальное признание Крылова царским двором можно сравнить лишь с признанием Н.М.Карамзина и В.А.Жуковского. В феврале 1812 ему была назначена пожизненная пенсия, в 1820 он получил ордена св. Владимира IV степени, в 1838 — Станислава II степени, в 1830 в нарушение правил без университетского образования и сдачи экзаменов писателю был присвоен чин статского советника. В 1838 было торжественно властями и общественностью отмечен юбилей Крылова — 70-летие со дня рождения и 50-летие литературной деятельности. Крылов стал первым писателем, которому в России поставили памятник по подписке: 12 мая 1855 памятник работы Петра (Петера) Карловича Клодта «Дедушке Крылову» был поставлен в Летнем саду в Петербурге.
Сам И.А.Крылов чем дальше, тем больше воспринимался современниками, а потом и потомками как своего рода литературный персонаж. Эта ситуация была еще и результатом того, что сам писатель подчеркнуто отстранялся от всех общественных событий, в обществе нарочито подчеркивал свои пороки: лень, чревоугодие, увлеченность картами. И уже в 1820-е годы он стал персонажем многочисленных анекдотов, правда, благожелательных.
В рамках юбилейной Выставки из фондов ВМИИ экспонируются работы мастеров, которые живут в разное время, работают в разных техниках, представляют разные виды искусства, но объединены не проходящим интересом к моральной теме, решение которой для них является не только литературной, но и общей задачей искусства. В Выставку вошли работы В.А.Серова, И.И.Теребенева, С.И.Гальберга, Д.Ю.Митлянского, Г.А.Гиппиуса, Е.Б.Обухова и др.
Н.В.Гоголь назвал басни Крылова «... книгой мудрости самого народа» и неослабевающий интерес к личности и творчеству Ивана Андреевича вновь и вновь подтверждает правоту этой оценки.
Выставка проходит по адресу: Волгоградский музей изобразительных искусств им.И.И.Машкова, пр. Ленина,21 тел: 38-59-15, 38-24-44
Режим работы
Ежедневно 10:00-18:00
Среда 10:00-20:00
Выходной Вторник

Выставкой «Художник и город» открывается серия монографических экспозиций в рамках проекта «Первая улица Мира», ставшего победителем грантового конкурса «Музей 4.0» Благотворительного фонда Владимира Потанина. Они будут знакомить с творчеством художников, для которых наш город стал значимой творческой доминантой, стремящихся прочувствовать его красоту и характер. Совсем недавно, в январе этого года отметил свое 75-летие Юрий Богданович Колышев. Это один из признанных волгоградских мастеров архитектурного пейзажа, знаток рисунка и акварели.
На персональной выставке, которая станет для автора восьмой по счету, экспонируется около ста работ, представляющих весь его творческий путь от 1960-х гг. до нашего времени. Главной для него является тема города. Юрий Колышев - художник лирического склада. Его образы эмоциональны, архитектура в них живет в неразрывном единстве со средой. Его творчество теснейшим образом связано с любимой им преподавательской профессией, которой он служит вот уже почти полвека. Ю.Б.Колышев - профессор Института архитектуры и строительства Волгоградского государственного технического университета, он выпустил несколько поколений волгоградских архитекторов. Таким образом, Ю.Б.Колышев самым непосредственным образом причастен к делу созидания города.
Со своими студентами он объехал нашу область, русский Север, старинные русские города, Сибирь, был в Грузии, Армении, Средней Азии, Прибалтике, Франции, Испании, Италии. Большая часть его акварелей и рисунков была им создана во время студенческих живописных практик. Его пленэрные пейзажи составляют энциклопедию шедевров архитектуры: дворцы Петербурга, храмы Новгорода и Ярославля, мечети Шахи-Зинды запечатлены очень точно, в безошибочно узнаваемой атмосфере. Он автор известных во всей стране учебников по рисунку архитектуры. Однако его работы, его взгляд на мир далеки от сухого документализма. Он не только познает, но сопереживает, изумляется, восхищается. Это мастер нюанса, в его пейзажах нет ярких цветов, четких линий, однозначных суждений. Как нет и настойчивого самоутверждения, в этом смысле это художник сегодня редкий. Он словно вслушивается во внутреннюю речь старой архитектуры, природы и подбирает ей аналоги в сложных движениях полупрозрачных сред. Оттого чаще он изображает не яркий полдень, а сумерки, туман, небо в набухших тучах, когда все в мире кажется не до конца оформившимся и оттого беззащитным и родным. Думается, в этой глубоко человечной интонации и кроется обаяние и ценность искусства Юрия Колышева.
Работы Ю.Б.Колышева, посвященные Волгограду и Волгоградской области, даже когда он изображает, казалось бы, хрестоматийные виды с классицистскими архитектурными ансамблями, или широчайшим панорамным охватом Заволжья, глубоко трогают своей искренностью, правдой родства. Хотя родился художник далеко от наших мест – в городе Чулыме Новосибирской области, потом жил в Ростовской области, а в Волгоград приехал в 1963 году. Он пробовал силы в разных специальностях: был маляром-штукатуром, оператором геофизической партии. Рисовал с детства, унаследовав это пристрастие от бабушки и матери, школьного учителя рисования. Путь в профессию лежал через Ростовское художественное училище, заочный народный университет искусств, Кубанский государственный университет, стажировки в институте живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е.Репина. В молодости Юрий занимался не только живописью и графикой, но и чеканкой, даже работал чеканщиком на Волгоградском заводе «Сувенир». На первых волгоградских выставках участвовали и его акварели, и чеканки. Красоту нашего города он видит в разнообразии обличий: вот посреди города притаилась речка, а вот строгий почти готический костел, тут орудуют разгрузочные краны, снуют моторки, а над лязгом вагонов вырастает купол планетария. В своей автобиографической книге он пишет о Волгограде как о городе, где монументальное и героическое можно соизмерить с нежной и вечной красотой природы. Не случайно среди волгоградских художников ближе всего ему оказались лирики Виктор Лосев, Алексей Легенченко, Алексей Криволапов.
Первая персональная выставка Ю.Б.Колышева состоялась в 1978 г. В Союз художников он вступил в 1996 г. Художник уже более сорока лет принимает активное участие в международных, всероссийских выставках. Его работы отмечены дипломами IV и V Международных конкурсов по архитектурному рисунку. Готовность восхищаться, азарт заядлого путешественника, помноженные на невероятную трудоспособность стали причиной труднообозримой многочисленности его работ. Сегодняшняя выставка представляет только самые значительные из его пейзажных серий: «Север России», «Ленинград», «Волгоградская земля», «Европа» и др. В своих лучших работах Юрий Колышев достигает удивительной проникновенности интонаций, открывающей каждому зрителю что- важное в себе самом. «Каждый пишет, что он слышит, каждый слышит, как он дышит, как он дышит, так и пишет…».
Открытие выставки 7 февраля в 17:00.
Телефон выставочного зала музея Машкова: 24-16-79

18 января в 17:00 в выставочном зале музея изобразительных искусств им.И.И.Машкова на ул. Чуйкова, 37 состоится открытие коллективной выставки «Романтики-XXI».
Коллективная выставка «Романтики-XXI» представляет зрителю две связанные между собой группы художников: современных авторов, работающих с футуристическим нарративом, и членов группы «Новые Художники», центрального объединения Ленинградского художественного авангарда 1980-х.
Современные художники в этом проекте рассказывают истории о фантастическом будущем, во многом основанные на мотивах Русского Авангарда. Таковы серия «Соль» Антона Чумака, представляющая романтичский ордер городов России, цикл «Третья Утопия» Михаила Заикина, супрематический калейдоскоп Кирилла Кипяткова. Работы Алексея Беляева-Гинтовта в уникальной авторской технике ручной печати по холсту типографской краской объединяют сегодняшних авторов с исторической частью выставки, «Новыми Художниками» из собрания Сергея Бугаева-Африки.
Выставка «Романтики-XXI» рядом с авангардистами 1980-х, которые, как и было запланировано их стратегией, сегодня обратились классиками, представляет современных авторов, в той или иной степени наследующих как романтизму «Новых Художников», так и неоклассицизму «Новой Академии» и использующих в работе те же принципы: сочетание классической образности и новых технологий. Классика, та незыблемая традиция, на которую под своим углом смотрит всякий очередной – «изм», в живописи и графике А. Чумака, С. Липгарта, К. Кипяткова, М. Заикина и др. не скрывается под современными приемами и новыми технологиями. Их работы - не копии с воображаемой реальности, а открытый взгляд в будущее через оптику как европейской, так и нашей недавней культуры. Гармония нового, романтического ордера в искусстве становится все определенней.
В рамках выставки состоятся встречи с художниками и показ фильма «Асса» с комментариями Сергея Бугаева-Африки, сыгравшего главную роль в этой легендарной ленте.
Выставка создана при поддержке:
Творческий Союз художников России
Фонд Развития Современного Искусства
Атомная галерея
Экспозиция будет работать с 18 января 2019 года по 3 марта 2019 года, по адресу ул. Чуйкова 37.
Выставочный зал ВМИИ - ул. им. Чуйкова 37
Телефон: + 7 (8442) 24-16-79

Волгоградский музей изобразительных искусств им.И.И.Машкова с 16 января по 18 февраля 2019 представляет экспозицию «Добро побеждает Зло» к 85-летию Зураба Церетели (в формате выставка в выставке).
4 января 2019 г. исполнилось 85 лет со дня рождения Зурба Церетели- художника-монуметалиста, живописца, скульптора, педагога. Трудно найти в современной художественной жизни имя более громкое, споры вокруг него не утихают ни на минуту. Творчество Зураба Константиновича –путь художника-экспериментатора, не боящегося рецензий арт-критиков.
В честь его юбилея ВМИИ экспонирует три работы мастера, хранящиеся в музейной коллекции. 
Девять лет назад в ВМИИ с успехом прошла его персональная выставка, после который музей получил в дар скульптурную композицию «Добро побеждает зло». Это модель монумента, установленного перед зданием ООН в Нью-Йорке (США) в 1990 г.
Тогда же, во время мастер-класса, проведенного Зурабом Церетели для учащихся художественных школ прямо на экспозиции, был написан «Натюрморт с арбузом». Самый первый по времени создания из всех представленных и самый драматичный по решению натюрморт «Цветы» был написан в 1987 г. В ВМИИ поступил из Всесоюзного художественно-промышленного объединения им. Е.Вучетича в 1990 г.
Зураб Константинович Церетели- Президент Российской Академии художеств, Герой Социалистического труда, Лауреат Ленинской премии, двух Государственных премий СССР, Государственной премии России, полный кавалер ордена «За заслуги перед Отчеством». Он автор более 5 000 произведений живописи, скульптуры, монументально- декоративного искусства, графики.
Сегодня жизнь и искусство Зураба Церетели дают пример поистине универсальной личности – художник, государственный и общественный деятель, он одинаково смело осваивает разные стороны жизни и искусства, обретает новых друзей и почитателей своего таланта.
Еще студентом Тбилисской академии художеств он выбрал сюжет интересный ему, а не рекомендованный академическим художественным советам. В качестве выпускной дипломной работы Церетели написал картину «Песня о Тбилиси», выполнив ее в духе Сезанна, которым он всегда восхищался. Однако работа была снята с защиты, несмотря на то, что получила одобрение Мартироса Сарьяна.
В своей яркой, богатой событиями жизни Зурабу Церетели посчастливилось быть знакомым и работать со многими знаменитыми людьми. Огромное значение имели встречи с Давидом Альфаро Сикейросом, Пабло Пикассо, Марком Шагалом, Сальвадором Дали, Кензо Танге. «Я вижу в нем будущего великого живописца, – говорил о своих впечатлениях после встречи с Зурабом Церетели Пикассо.- Он прекрасно чувствует цвет, обобщает форму». Сам Церетели так вспоминает о встрече с Пикассо: «Он меня ошеломил, он на меня сильно подействовал. Тогда я понял, что художник может делать все- и скульптуру, и фарфор, и мозаику. …. Из Парижа вернулся домой перерожденным».
 Знакомство с великими художниками укрепляло его в уверенности идти своей собственной дорогой. Поэтому уже первые крупные монументальные работы представляют его как нестандартного автора, не следующего принятым шаблонам. Монументально-декоративные решения курортного комплекса в Пицунде, парка «Ривьера» в Сочи, постоянной миссии СССР при ООН характеризуют Зураба Константиновича, как яркого и самобытного художника европейского уровня.
Художнику довелось объездить почти весь мир. Во многих странах он установил свои произведения, украсил многочисленные посольства и представительства России.
Памятник «Добро побеждает Зло» установлен в Нью-Йорке рядом со штаб-квартирой ООН в 1990 году. Скульптура задумывалась как символ окончания холодной войны. Она представляет собой образ Георгия Победоносца, попирающего дракона, и символизирует борьбу со злом. Для фигуры поверженного дракона Церетели использовал фрагменты ракет (американских "Першингов" и советских СС-20), уничтоженных по договору об ограничении стратегических наступательных вооружений. 
Зураб Церетели так рассказывает о создании скульптуры: «Святого Георгия я отлил в Москве, перевез его в США, и там уже добавил детали ракет «Першинг» и «СС-20». По поручению министерства обороны СССР мне предоставили детали, и американцы сделали то же самое. Над созданием скульптуры трудился в Америке. Я считаю, что когда я поставил памятник, в мире воцарился мир. Ведь два государства дали возможность создать скульптуру, где добро побеждает зло. Если делать что-то с добром, то можно победить все. Так в скульптуре я выразил свое творческое мышление. Мне было радостно, у меня поднялось настроение, когда утвердили мою идею, и работать над созданием памятника было радостно... Я абсолютно не слежу за политикой - добрыми глазами смотрю на мир, на окружающую среду, знаю только красоту и создание искусства».
Уменьшенная в 10 раз копия нью-йоркской скульптуры находится около мастерской Церетели на Большой Грузинской улице в Москве. Один из вариантов модели скульптор подарил Московскому Союзу художников России. 
По мнению Зураба Церетели, «весь мир должен шагать через искусство, как Россия шагала от времен Петра I до сегодняшнего дня. Тогда будет больше доброты, будет здоровый народ, здоровая нация».
Выставка проходит по адресу: Волгоградский музей изобразительных искусств им.И.И.Машкова, пр. Ленина,21 тел: 38-59-15, 38-24-44
Режим работы
Ежедневно 10:00-18:00
Среда 10:00-20:00
Выходной Вторник

Скоро открытие выставки Бориса Чепкасова «100 симфоний на масляных красках».
20 декабря в 17:00 в выставочном зале музея Машкова на ул. Чуйкова, 37 состоится открытие персональной выставки Бориса Чепкасова «100 симфоний на масляных красках».
Выставка Бориса Чепкасова завершает музейно-выставочный сезон года 2018 и предваряет новый 2019 в Волгоградском музее изобразительных искусств им. Машкова. В экспозиции будет представлено 100 работ известного волгоградского художника, созданных за последние годы. Его излюбленный жанр - пейзаж. В любое время года, в любую погоду Чепкасова можно встретить в разных уголках родного города с этюдником. Увлеченно работая мастихином, он создает свои неповторимые картины, которые являются настоящими симфониями в красках. По убеждению художника - живопись, как и музыка, имеет свою цветовую мелодию. Как композитор из небольшого сюжета может создать симфоническое произведение, так и художник из трех, четырех пятен сиюминутно запечатленных на холсте сочиняет свою цветовую симфонию.
Борис Александрович Чепкасов родился в 1952 году в Сталинграде, начал заниматься живописью в изостудии известного художника-педагога Г.Л.Руднева. Художник учился в Пензенском художественном училище имени К.А.Савицкого и Московском полиграфическом институте. В 2002 году вступил в Союз художников России, а с 1975 года является постоянным участником всероссийских, региональных и областных выставок.
Художник Борис Чепкасов - певец родного края. Он пишет Волгоград, Волгу, затоны, поймы, хутора и речушки, и всякий раз воспринимает их по-новому, создает свою неповторимую мелодию. Поэтическим творчеством художник, как бы приглашает зрителя погрузиться в музыку красок и, возможно, услышать свою симфонию.
В его пейзажах есть удивительное чувство безграничной свободы и счастья, ощущение легкости творения. В них отсутствует видимость кропотливого труда, хотя их автор великий труженик. Он наделен способностью остро воспринимать характер местности, чувствовать свет, цвет, воздух и пространство в их единстве. Их освещает покой и наслаждение от самого процесса живописи, общения с краской, от гармоничного и счастливого пребывания в профессии.

Экспозиция будет работать с 20 декабря 2018 года по 4 февраля 2019 года, по адресу ул. Чуйкова 37. 

Выставочный зал ВМИИ - ул. им. Чуйкова 37
Телефон: + 7 (8442) 24-16-79
Программа мероприятий в рамках выставки - "Субботние лаборатории от Бориса Чепкасова":

• 05 января в 17:00 - "Академический рисунок и технологии материалов"
• 12 января в 17:00 - "Художник в городе" 
• 19 января в 17:00 - "Композиция"
• 26 января в 17:00 - "Будущее живописи"

На выставке представлено более 60 картин Георгия Грантовича Матевосяна. Это лишь крохотная часть того, что было сделано художником за 45 лет творческого пути. Это уже седьмая по счету персональная выставка мастера. Она получила название «Обнимая время» и раскрывает свойства особой художественной вселенной художника, где ничто не прекращается, но имеет развитие, где все явления взаимосвязаны. Матевосян- художник –философ, он вглядывается в то, что лежит под поверхностью вещей. Его работы отмечены тонкой живописностью, но в них присутствует и драгоценная ювелирная тонкость, и театральный размах, и архитектурное понимание пространства как носителя идей - и все это является отражением разных сторон его творческой личности. 
Он вырос в семье с художественными корнями, получил архитектурное образование, работал дизайнером, получил известность в качестве ювелира. Европейскую известность приобрел своими живописными произведениями. За пределами проекта остались и его опыты в акварели и графика тушью. Сегодня его дар нашел приложение в театре. Что бы он ни делал, он создает таинственные и прекрасные пространства, особые «миры Матевосяна». Они наполнены музыкой, одухотворенным светом, прихотливым движением, несут дыхание единого космоса. Его картины похожи на ландшафты: там есть горы, моря, облака и светила. Но это пейзажи внутренние, те, что глазами не увидишь. Они представляют собой слепок приключений духа, воспоминаний, чувств. В жизни за пеленой событий художник обнаруживает скрытые связи. Даже в маленьких вещах присутствует ощущение пульсации вселенских сил. За рождением своих работ он также наблюдает с долей удивления, как алхимик, смешивая цвета и вслушиваясь в полученные созвучия.
На нашей художественной сцене Георгий Матевосян- фигура экстраординарная и харизматичная. Его имя окружено авторитетом и всеобщей симпатией. Тому, безусловно, способствует его счастливый характер, его открытость, способность ценить достижения другого, искренний доброжелательный интерес к самым разным сторонам жизни. В наши непростые десятые он дважды переизбирался председателем правления Союза художников, боролся, отстаивая права творцов.
Георгий любит наш город, считает Волгоград своим, хотя родился в Баку (17 октября 1948 года). Художественный взгляд, подход к жизни сформировался в семье. Прадед Георгия по отцовской линии Мирза был бакинским ювелиром, а бабушка по материнской линии была живописцем. Отец работал мелиоратором, его перебрасывали с одного горячего участка на другой. Семья жила в Москве, потом в Албании, затем снова в Москве, пока, наконец, в 1961 г. не перебралась в Волгоград. Наш город 60-х Георгий запомнил солнечным, очень чистым, благополучным, зеленым, с прекрасной Волгой, где мальчишками сутками пропадали. Рисовать начал еще в детстве, заканчивал школу №84 вместе с будущим графиком Юрием Тепловым, с которым дружил всю жизнь. Мальчишкой ходил в наш музей. Там запомнил зал ХХ века, яркие выставки Нариманбекова, современных чешских художников.
Окончил инженерно-строительный институт в 1975 г., учился у замечательных преподавателей Г.Руднева и Ю.Колышева. Живописные и графические работы Георгия уже тогда отмечали как имеющие самостоятельную художественную ценность. Студентом предпринимал частые поездки в Москву, Ленинград, где настоящим открытием стало копирование картин старых мастеров, чудесное проникновение в реставрационные мастерские Эрмитажа и изучение классических живописных технологий.
Фантастичность, смешение пластов реальности присутствовали уже в самых ранних его работах. Неудивительно, что среди его любимых писателей Булгаков, Стругацкие, Азимов. Уже тогда определились его авторитеты и в области искусства: Поль Сезанн, Сальвадор Дали, Фернан Леже. Многому Георгий научился у работ графика- виртуоза Артура Фонвизина. Важные фигуры в его мире- архитекторы Райт, Тангэ, Гауди. Вот где свобода оперирования пространством!
После окончания института в 1975 г. Г.Матевосян трудился архитектором в Норильске, вернулся в Волгоград и работал в институте Гражданпроект (вместе с В.Масляевым, А.Леушкановым, Ю.Коссовичем). Потом работал в качестве дизайнера в мастерских художественного фонда, что дало опыт решения самых разнообразных интерьерных и экстерьерных задач. Параллельно с работой в фонде с 1980 г. начал разворачиваться его роман с ювелирным искусством. Как ни странно, в этом сложном деле у него не было наставников. Технологии пришлось осваивать по книгам, двигаясь путем проб и ошибок. Хотя тяга к миниатюре, тонкой, сложной разделке деталей была свойственная изначально даже его архитектурной графике. Георгий вспоминает, что в шестом классе на уроке труда, когда все учились делать обычные молотки, он сделал крохотные трехсантиметровые плоскогубцы.
В качестве ювелира Георгий Матевосян принимал участие в многочисленных областных, зональных, всесоюзных, международный выставках. На крупном форуме ювелирного искусства «Ювелир-Экспо» в 2009 г. его работа была отмечена дипломом I степени. В тех крохотных драгоценных шедеврах, которые сегодня можно увидеть только на фотографиях, также присутствуют неизменные композиционные мотивы, которые сегодня мы встречаем в его живописных полотнах. Здесь царит живой порядок, все охватывает органическая связь. Из капли вырастает вселенная, растения подобны нервным стволам или скоплениям небесных тел. Пространство Матевосяна причудливо извивается, имеет карманы и воронки, странные пещеры- но не пугающие, а таинственные. Это может быть формула структуры галактики, а может и музыкального произведения, устройство макрокосма и микрокосма.
В 1989 г. Г.Г.Матевосян вступил в члены Союза Художников России. О нашем Союзе он отзывается с огромным уважением, тепло вспоминает мастеров старшего поколения: Суханова, Павловского, Дедова, Малкова, Черноскутова. С 1990 г. Георгий Грантович стал заниматься живописью и сразу обрел успех. В 1991-1993 г. в составе творческой группы (А.Выстропов, В.Коваль, Г.Матевосян) три года работал над выставочными проектами в Чехии. Команда базировалась в городе Тахове, но выставки проходили в Праге, Франкфурте-на-Майне, Кельне. Живопись Матевосяна была отмечена, как имеющая несомненную самобытность ведущими критиками (в т. ч. в журнале «Шпигель»). Работы Матевосяна разошлись по всему миру. Сегодня они находятся в музеях и частных коллекциях Германии и Австрии, Бельгии и Швеции, Италии и Франции, Чехии и Швейцарии, Канады, Америки и Японии. Это был один из первых примеров успеха волгоградских художников на мировой сцене. Однако красивая Чехия так и не стала своей, хотя Георгий даже выучил чешский язык.
С 1984 г. Г.Г.Матевосян принимает активное участие в выставках, в том числе таких крупных проектах как «Победа». (Москва, 2010), IV Международная бьеннале современного искусства «диалог: цвет и линия» (2011), «Пленэр Италия-Россия» (2011). Дважды (2003 и 2008.) он становился лауреатом конкурса «Царицынская муза». В 2009 году работы Матевосяна были отмечены государственной премией Волгоградской области.
С 2010 г. Георгий Грантович служит в театре «Царицынская опера» в качестве художника-постановщика. Здесь его фантастические миры, объединяющие свет, пространство и действие, обретают масштаб. Среди наиболее ярких спектаклей, осуществленных в его оформлении: «Алеко», «Спящая красавица», Свадьба Фигаро», «Травиата» и др. Художник говорит, что в своих сценических решениях, он не стремится к точной исторической реконструкции, ставя целью связать пьесу с современным моментом и обнаружить ее скрытые послания. Здесь, как и везде, он сохраняет стремление к сложной живописи, тонким нюансам, понимание взаимопроникновения всех слоев реальности.
Георгий Матевосян, несмотря на взрослый возраст (в это невероятно поверить, но ведь ему 70!), сохраняет юношескую легкость и способность удивляться. Он увлечен работой с детьми, к нему в мастерскую приходят рисовать совсем маленькие ребята. Говоря о них, он переполнен восхищением и изумлением той тайной жизнью, что происходит в голове ребенка. Нечто рыцарственное свойственно его гордой способности не замечать грязь и мелочи повседневности, его философской сосредоточенности на главном, чуткости к внутренней музыке мира. Георгий Матевосян- художник по-настоящему счастливой судьбы, и это обстоятельство опирается на полновесность профессионального мастерства и чистоту этического строя его искусства.

Экспозиция «Большое дерево» открывает серию необычных выставок «Вещество искусства», которая на протяжении ряда лет будет знакомить с произведениями из фондов ВМИИ, отобранными в соответствии с материалом, послужившим для них основой. Дерево, стекло, металл, глина- не просто безразличные материи, но стихии, в диалоге с которыми рождается искусство. Именно они в значительной мере определяют характер образа и выбор художественных приемов.
Выставка «Большое дерево» посвящена излюбленному в России материалу- живому, теплому и богатому смыслами. Обращение к нему связано с древними традициями, но дерево охотно допускает и новаторские эксперименты. Зритель увидит более 120 работ XIX-XXI вв., созданных мастерами всех видов искусства. Они впервые встречаются в одном экспозиционном пространстве под знаком дерева- как материала, символа и образа.
В проект включены старинные произведения народного искусства (прялки, ковши, пряничные доски и др.); работы мастеров Городецкого и Хохломского промыслов; Богородская и Сергиево- Посадская резная игрушка. С ними соседствуют полотна живописцев- шестидесятников Н.Андронова, П.Никонова, для которых обращение в ХХ в. к эстетике, возникшей в работе резцом и топором было знаком приобщения к подлинному, вечному, глубоко национальному.
Наиболее очевидно свойства дерева проявляются в искусстве скульптуры. В экспозицию включены работы известных столичных и волгоградских мастеров: В.Ватагина, П.Малкова, В.Безрукова, Н.Павловской, М.Павловского, Ю.Сегаля, В.Стамова, В.Пономарева, О.Дедова и др. Русская деревянная скульптура имеет многовековую традицию. ХХ век наряду с освоением новых материалов проявил горячий интерес к традициям языческих культур, древнерусскому искусству и народному творчеству. В начале 1930-х гг. в Москве даже была организована «Бригада скульпторов, работающих в дереве», куда вошел и гениальный анималист В.Ватагин, чьи работы «Гриф» и «Обезьянка» демонстрируются на выставке. Дерево обладает уникальными свойствами для скульптора: из его массивного блока можно ваять, как из камня; строить форму в расчете на силуэт и сквозную структуру; его можно рубить и раскалывать, полировать или оставлять «открытой» текстуру; расписывать; играть на контрасте фактуры слоев; «обнажать» творческий процесс и т.д. Могучая, стихийная работа волгоградского скульптора Олега Дедова «Дочь степей» построена на противопоставлении случайностей, капризов природных фактур и точно проработанной формы. Творчество Василия Стамова вступает в диалог с классическими традициями. Он превращает дерево в особую драгоценную материю, тщательно обрабатывая поверхность, выявляя точеный силуэт совершенной фигуры («Задумчивость»). При всем различии авторских позиций, к дереву скульпторы неизменно обращаются, когда стремятся подчеркнуть нравственную чистоту, ясность, следование законам мироздания.
В каком бы виде искусства ни разворачивался диалог художника с деревом- он происходит всегда на равных. Дерево нельзя перебарывать, высокое искусство здесь состоит в умении точно почувствовать и раскрыть собственный характер одушевленного материала, его природный образ.
Особый раздел экспозиции посвящен искусству ксилографии- самой древней технике гравюры, получаемой с резных деревянных досок. В нашей стране в ХХ веке она вышла на высочайший уровень выразительности и технической сложности. Создатель школы, реформатор гравюры на дереве и искусства книги Владимир Фаворский представлен иллюстрациями к «Слову о полку Игореве» и «Королю Лиру». Зритель сможет полюбоваться и произведениями таких прославленных мастеров ксилографии, как А.Гончаров, Г.Епифанов, Ф.Константинов, Л.Хижинский и др.
В то же время, дерево- не только материал, но и один из основополагающих культурных символов, воплощающий представления о единстве мира и связи времен. Древо жизни, мировое древо- древнейший магический мотив, оберегавший наших предков и никогда не исчезавший из искусства. Сегодня для человека, зажатого в рамки цивилизации, оно говорит о безграничной свободе и жизни, не скованной условностями (таковы пейзажи П.Кончаловского, А.Лентулова, А.Самохвалова, И.Лизака, Н.Ромадина, А.Осмеркина, Е.Моисеенко и др.). Русский пейзаж насыщен тончайшими оттенками чувств и настроений. Дерево в искусстве зачастую очеловечивается, трактуется как метафора жизненного пути. Его хрупкость и мощь, шрамы от пережитого и непременное возрождение, способность давать побеги, цвести и плодоносить, возможность идти вглубь и тянуться ввысь востребованы искусством для того, чтобы сказать о природе человека. Оттого берут за живое, воспринимаются как откровения психологически насыщенные «портреты» и жизнеописания деревьев (С.Щербаков «Ветлы», А.Легенченко «Дуб, видевший Степана Разина», Г.Чумичев «Старость. Посвящение бабушке Логинвой Прасковье»). Дерево- это и знак целостности смыслов, упорядоченности мироустройства, потому философские подтексты явственно ощутимы во многих произведениях выставки (Е.Кибрик «Дерево, перебитое снарядом», В.Нилов «Шаманское дерево», Г.Калмахелидзе «Древо власти» и др.).
Однако природные формы для художника – это и неограниченные возможности для живописных экспериментов, создания нового искусства. Фейерверк разнообразных стилистических подходов делает путешествие по выставке через леса, сады, деревни сквозь разные времена года захватывающим приключением. На экспозиции соседствуют произведения реалистические и условные, этюдные и концептуальные, исповедальные и иронические: от изысканных световых миражей П.Зарона до трагической монументальности А.Легостаева («Обрезка дерева»), от лаконичных плакатных решений В.Попкова до фантастического примитивизма Ф.Семенова-Амурского, от тончайшей лирики А.Осмеркина до жизнеутверждающей мощи П.Кончаловского. Большая часть работ, посвященных красоте наших мест, была создана волгоградскими мастерами разных поколений: В.Лосевым, Ф.Сухановым, П.Шардаковым, В.Тихоновым, С.Щербаковым, Т.Потокиной, Н.Пироговой, А.Легенченко, А.Горябиным, В.Макаровым и др. 
Проект «Большое дерево», пронизанный любовью к природе, истории и к искусству, адресован взрослым и детям, профессионалам и молодежной аудитории, изучающей искусство. Он, как и вся выставочная серия, призван продемонстрировать шедевры коллекции музея, познакомить с особенностями искусства разных народов и эпох, раскрыть отношения творца и мира. В рамках работы выставки пройдет серия просветительских мероприятий, лекций, мастер-классов; в экспозицию включено особое творческое пространство.

На выставке представлено около 40 работ Натальи Харитоновой-Ушаковой- известного волгоградского графика, живописца, педагога, искусствоведа. Она приурочена к юбилею мастера, 50-летию начала ее творческой деятельности и 40-летию педагогической работы. Зритель увидит работы, выполненные автором в различных техниках: тушью, карандашом, ручкой, маркером, акварелью, маслом, которые создавались в течение всей творческой жизни- с 1970 года до сегодняшнего времени. Кроме того, в экспозицию включены книжные издания, в которых Наталья Юрьевна выступила в качестве художника. Фотографии, талантливо и ярко написанная автобиография позволят проникнуть в мир неординарного мастера.
Это уже третья по счету персональная выставка Н.Ю.Харитоновой-Ушаковой. Ее почерк неизменно узнаваем, он сочетает изящество, воспринятое от любимых мирискусников, изощренность графических приемов, колористическую строгость, насыщенность символами. Мифологические персонажи, древние орнаменты объединены в причудливые и сложные композиции, емко и точно запечатлевающие тексты мифов. Работы Натальи Юрьевны основаны на глубоком изучении древней истории, язычества Древней Руси. Ее творческая деятельность направлена на возрождение интереса к истории, мифологии, сказаниям. Художник создает обширные серии, которые порой складываются постепенно, на протяжении не только лет, но и десятилетий. В экспозицию включены циклы «Висрамиани», триптих «Мегалиты, Гипербория», «Дионисии», «Малые Дионисии», «Славянки», двенадцать композиций «Коло Сварога». Акварельные листы, выполненные в технике «а ля прима», в один прием, тоже группируются в циклы. На выставке представлены листы из серий «Урал», «Золотое кольцо», «Казачий край», «Двухэтажная Англия», «Финский залив». Живописные работы, выполненные маслом, написаны с натуры, во время пленэров не только в нашей области, но и в старинных русских городах, на Урале. Сочные по цвету, живые, они свободно и точно передают неповторимую красоту природы в ее различных состояниях.
Наталья Харитонова-Ушакова родилась в 1948 году в Саратове. В 1968 году она окончила живописное отделение СХУ им. А.П. Боголюбова. Работала на Саратовской студии телевидения художником-мультипликатором до 1970 года. По семейным обстоятельствам переехала в Волгоград, где стала работать художником- постановщиком в народном Театре-Студии в ДК им. Ю.А. Гагарина. Оформляла спектакли детского и взрослого драматического театров и театра миниатюр. Была приглашена в Волгоградский технологический техникум, где стала преподавать рисунок конструкторам-модельерам и художникам по гриму и макияжу.
Свое настоящее призвание- работу с одаренными детьми в детской художественной школе №1- она нашла позже. Школа стала неотъемлемой частью жизни. Основатель и первый директор художественной школы В.В.Федоров писал: «Работы ее учащихся выше уровня предъявленных требований к учебным работам художественных школ». В 1987 Н.Ю.Харитонова-Ушакова окончила Институт живописи, скульптуры и графики им.И.Е.Репина в Ленинграде (факультет теории и истории искусства). Продолжая преподавать рисунок, живопись, композицию и историю искусств, она принимала активное участие в выставках различного уровня, в том числе и Всероссийских. В 2000 году Наталья Юрьевна стала Членом союза художников России. Творчество Натальи Харитоновой-Ушаковой хорошо известно в мире. Она принимает участие в масштабных всероссийских проектах («К 100-летию М.А.Шолохова», «Пленэр на Чусовой» и др.). Персональная выставка в Москве получила много положительных критических отзывов.
Открытие состоится 15 ноября в 17:00 по адресу пр. Ленина 21. Выставка продлится до 16 декабря включительно.
Тел. 38-24-44, 38-59-15

Выставка открывает серию экспозиций в рамках проекта «ПЕРВАЯ УЛИЦА МИРА», поддержанного Благотворительным фондом Владимира Потанина. Проект посвящен одной из первых улиц, отстроенной в послевоенном Сталинграде, улице Мира. Она создавалась как прообраз идеальной среды для счастливой жизни, которой достоин народ- победитель.
Пока рос и развивался музей, вместе с ним росла его коллекция, последовательно запечатлевшая образ нашего города- таким, каким он восхищал несколько поколений художников. Ее малая часть, непосредственно посвященная рождению и жизни улицы Мира, представлена на данной выставке.
В экспозицию вошло более 20 произведений 1940- 2000-х годов: живопись, графика, произведения декоративно-прикладного искусства. Это работы мастеров разных поколений: К.И.Финогенова, А.И.Бородина, Ф.И.Суханова, Л.И.Гагариной, Г.И.Печенникова, П.Ф.Гречкина, Н.Д.Пироговой, В.Н.Лосева, Ю.Б.Колышева, С.М.Зимана, и др. Для нас особенно дорого, что многие из них были коренными сталинградцами, выпускниками Сталинградского художественного училища. Они помнили город еще довоенным и, пройдя через фронт, вернулись, чтобы творить здесь. Для большинства из них город стал главной темой всего творчества. Константин Финогенов стал известным московским художником, а Лидия Гагарина жила и работала в Ленинграде, однако они сохраняли связи с родным городом. В частых поездках сюда они создали обширные серии, посвященные значимым моментам его жизни. Волгоград увиден сквозь призму любящего и заинтересованного взгляда художников. Оттого эти произведения несут не только ностальгическую ноту, демонстрируя, как выглядел наш город в 40-е, 50-е или 70-е, но и заново открывают для нас черты его характера. Художники видят широту его открытых пространств и уютные дворики, размах строек и прохладную тень деревьев. Выставка адресована всем, кто любит наш город, неравнодушен к его судьбе, хочет узнать его лучше.

21 мая в 17:00 в выставочном зале ВМИИ на ул. Чуйкова, 37 откроется выставка двух волгоградских профессиональных художников Александра Мошкина и Николая Томарева - "Двое". В представленных на выставке работах много юмора, сарказма и иронии, а как может быть иначе - ведь их творцы всегда с детства были неравнодушны к шутке.
- Когда я был маленьким, в киосках «Союзпечать» продавался польский юмористический журнал «Szpilki», на страницах которого один из художников представлял сюжеты из жизни детей, - вспоминает Александр Александрович Мошкин. - Используя технику издания, но насытив сюжеты местным колоритом и более глубоким смыслом, я придумал свою серию, которую назвал «Подражание».
Другой участник выставки "Двое" - Николай Томарев представляет свою авторскую, разработанную им технику - «модифицированный принт». - Жизнь заставила придумать эту технику, - рассказывает Николай Максимович. - Получился этакий «симбиоз», в котором соединены оригинальные графические работы (акварели) с небольшой компьютерной их обработкой. Далее файлы распечатываются на цветном ксероксе, и в результате мы получаем «модифицированный принт». Остается только пронумеровать его и поставить авторскую подпись. В живописи – всё на чуть-чуть. И вот эту нужную мне «чуть-чуть» и может помочь дать мне компьютер.
Работы Николая Томарева также отличаются чувством юмора, а их тематику сам автор называет «одушевленными натюрмортами». - Хорошо, когда художник умеет рисовать "от себя", - размышляет художник Томарев. - В далёком детстве я умел это делать, но художественное училище, а потом Академия художеств отучили меня от этого дела… Точнее научили рисовать это только с натуры. От себя я боюсь, так как опасаюсь, что не получится красиво… Но рисовать сценки из нашей жизни хочется. Вот я и обратился к овощам и фруктами - они всегда под рукой и никогда не откажут в позировании, а внешне похожи на людей. Остаётся лишь всё удачно расставить, а потом нарисовать. И «одушевленный натюрморт» готов!
Выставка "Двое", в которой столько юмора и иронии, будет работать до 30 июня. Торопитесь - здесь можно посмеяться от души! 
Выставочный зал Волгоградского музея изобразительных искусств им. Машкова, на ул. Чуйкова, 37 
Тел.: 24-16-79

На выставке представлено более 80 живописных и графических произведений известного волжского живописца Леонида Гоманюка. Они дают представление о многообразии творческих поисков автора, начиная с 1970-х гг. до сегодняшнего дня. Интеллектуальные строгие портреты монументального плана и стремительные карандашные зарисовки, свободные пленэрные этюды и роскошные декоративные натюрморты, поразительно точные живописные миниатюры и обстоятельные портреты дорогих его сердцу людей, эффектные образы людей искусства и картины-загадки ярко свидетельствуют о его кипучей энергии, жадной потребности запечатлеть все чудеса природы, выразить восхищение перед красотой мироздания. Они создавались на заводе и на степном пленэре, в мастерской и на городской окраине и отразили разные этапы пути живописца, а вместе с тем - и исторические перемены.
Леонид Гоманюк - художник, способный удивлять. Даже даты рождения у него две: по одним документам он родился в 1939 году, по другим - в 1943. Потому и юбилейные выставки можно проводить вдвое чаще. В любом случае возраст художника весьма солидный, тем более удивителен молодой характер его искусства, его желание экспериментировать с художественными приемами, примерять на себя различные художественные манеры, его готовность удивляться, радоваться, смотреть на мир с открытым сердцем. Судьба щедро наделила его способностью любить и выражать свои чувства в движении цвета вопреки всем сложностям собственной жизни. Леонид родился в Грузии, в Гори. Отец пропал без вести на войне, мать умерла от голода в 1947 г., когда Леонид был еще совсем маленьким. В 4 года он оказался в детском доме в городе Коджори. Рисовал, сколько себя помнил. В 10 лет талантливый мальчик был переведен в Тбилисскую художественную школу при Академии художеств Грузинской ССР, где среди преподавателей был и знаменитый график И.Тоидзе. В 1957 г. Леонид поступил в художественное училище в Баку. Там на него большое впечатление произвела живопись Т.Салахова и Т.Нариманбекова, которые часто бывали в училище. Получил и рабочую специальность токаря, которая его не однажды выручала. Работал оформителем на автомобильном заводе в Кутаиси. Он вполне мог бы стать архитектором, в 1961-1962 гг. учился на архитектурном факультете Бакинского политехнического институте. В 1964 г. он приехал в Волжский и стал работать художником- оформителем на шинном заводе. На выставке зритель увидит и поразительно живые заводские наброски, сделанные во время рабочих перерывов, и законченные портреты героев эпохи. В Волжском Леонид стал заниматься, а со временем и преподавать в известной художественной студии под руководством С.Т.Подчайнова. На волжском шинном он встретил свою большую любовь, счастье всей жизни. Лидия Гоманюк (в девичестве Кирсанова), по профессии инженер-электромеханик, жила в том же общежитии. Ей Леонид по сей день посвящает самые просветленные, самые вдохновенные свои произведения. Она для него стала музой, главной моделью, ангелом-хранителем и опорой. Счастье высшей пробы наполняет бережно написанные портреты жены, сыновей, внуков.
Много лет Леонид Петрович проработал в мастерских Художественного фонда, оформлял общественные интерьеры Волжского (магазины, столовые, аптеки, детские сады и т.д.), примеры таких сегодня редких работ также можно увидеть в экспозиции. С 1973 г. его живописные произведения успешно экспонируются на выставках, в том числе на всесоюзных и зональных, отбор на которые был очень жестким. Они начинают публиковаться в центральных журналах, получать положительные отзывы критиков. На выставке представлен портрет рабочего С. Санникова, который в 1973 г. был отмечен премией и двумя дипломами Академии художеств и Союза художников СССР. Как большую удачу Леонид вспоминает возможность неоднократно работать на Академической даче в Вышнем Волочке, где художники из разных уголков страны встречались для совместного творчества. Л.Гоманюку посчастливилось там работать под руководством Народного художника СССР Ю.Кугача. В экспозицию вошли насколько портретов коллег- художников, созданных тогда. В 1991 г. он вступает в члены Союза художников, участвует во всех крупных проектах Волгоградской организации СХ. Сегодня произведения Леонида Петровича Гоманюка представлены во многих частных коллекциях, российских и зарубежных музейных собраниях, в том числе и в фондах ВМИИ. В 2017 г. он стал лауреатом Государственной премии Волгоградской области, лауреатом конкурса «Царицынская Муза» в номинации «Изобразительное искусство».
Искусство Леонида Гоманюка – о жизни, каждый миг которой празднуется, как чудо. В своих художественных решениях он может быть размашистым и утонченным, конкретным и условным, серьезным и ироничным, бравурным и сдержанным. Его страстное, переменчивое искусство о том, что горячо волнует художника. Его основа - искренность. В его живописи свободно дышит стихия, шумит ветер, ширится пространство земли, о которых Леонид таинственным образом знает что –то самое главное.
Открытие выставки 16 мая в 17:00.

15 мая в 17:00 в Волгоградском музее изобразительных искусств им.И.И.Машкова откроется выставка живописи Виктора Лосева – миниатюры открыточного формата, посвященные городу и горожанам.
В НАЗВАНИИ выставки – «Искусство принадлежит народу» – заложены две идеи. Первая – понять мотив художника, сделавшего свое искусство достоянием сотен горожан. Вторая – объяснить открыточный формат большинства произведений мастера.
Как известно, у Виктора Лосева не было мастерской. Он работал на пленэре. А готовые работы хранил в подвале магазина «Химреактивы». Весной 1969 г. директор торгового предприятия решил освободить помещение и, не уведомив художника, распорядился сжечь живопись. Так погибли примерно 300 полотен.
С этого момента художник стал писать, в большей степени, миниатюры и, согласно легенде, дарить их горожанам. Он решил, что у жителей города его работы будут в большей сохранности.
– Свои действия, – рассказывает художник Рудольф Паранюшкин, – он комментировал с юмором, примерно так: «Выполняю заветы В.И.Ленина, изложенные в письме Кларе Цеткин». Вождь, в свою очередь, говорил: «Искусство принадлежит народу. Оно должно уходить глубочайшими корнями в толщу широких трудящихся масс..., пробуждать в них художников и развивать их».
Виктор Лосев придумал и логичное объяснение малому формату. В то время граждане СССР переселялись в малометражные квартиры, т.н. «хрущевки», которые массово возводились после выхода 4 ноября 1955 постановления ЦК КСПП и СМ СССР № 1871 «Об устранении излишеств в проектировании и строительстве».
– Искусство должно быть соразмерно среде обитания, – комментировал Виктор Лосев, – в маленькой комнатке уместны миниатюры.
На самом деле художник испытывал нужду. У него была непрерывная потребность писать, но не хватало средств на холсты, кисти и краски. Поэтому он создал много произведений на небольших картонках и листах фанеры.
На выставке будут представлены работы из собраний ВМИИ им.И.И.Машкова, Музея В.Н.Лосева, Ирины Басовой, Татьяны Гафар, Сергея Гевлича, Анны Джуненко, Елены Крапивиной и Владимира Петрова.
Выставочный зал ВМИИ на ул. Чуйкова, 37 
Тел.: 24-16-79
Стоимость входного билета на выставку живописи и графики В.Н.Лосева "Искусство принадлежит народу":
взрослые - 200 рублей, 
льготная категория (пенсионеры, студенты) - 150 рублей, 
льготная категория (школьники) - 100 рублей.

Входной билет на выставку "Искусство принадлежит народу" по флаеру для всех категорий - 100 руб.

Вход на открытие выставки (15.05.2019 в 17:00) - свободный.

Презентация выставки "Город любви" состоится 30 апреля в 17:00 в выставочном зале ВМИИ ул.Чуйкова, 37. «Город любви»- заглавная выставка проекта «Первая улица Мира», ставшего победителем грантового конкурса «Музей 4.0» благотворительного фонда Владимира Потанина. Она посвящена феномену нашего города, его образу в искусстве и его месту в нашем духовном пространстве.
Для нескольких поколений волгоградских художников: П.Гречкина, А.Легенченко, В.Лосева, Б.Осикова, Г. и А.Печенниковых, Н.Черниковой, А.Червоненко, В.Стригина, Ф.Суханова, А.Николаева, А.Быкова и многих других - город был главной и любимой темой на протяжении всей жизни. В проект вошло более 100 произведений графики, скульптуры, живописи от 1943 г. до середины 1980-х гг. из фондов ВМИИ. Ряд работ экспонируется впервые.
Большая часть представленных произведений относится к периоду, когда основным содержанием жизни горожан был сам процесс созидания города. Восстановлению Сталинграда, которое началось сразу по окончании битвы и носило характер общегосударственной задачи, было придано особое символическое значение победы над войной и смертью. Оно горячо переживалось каждым, судьба и облик города глубоко волновали и объединяли все сообщество. Жизненные ценности человека - и художника в том числе - были тесно связаны со смыслами самого города. «Проект «Город», как могли бы выразиться сегодня, был личным делом каждого.
Выставка обладает значительным просветительским потенциалом. В экспозицию включен обширный корпус документальных материалов, дающих широкую и объемную панораму жизни города. Историческая хроника и фотографии, редкие документы и газетные публикации, архитектурные чертежи и стихи-признания, размышления архитекторов и видео-интервью с очевидцами возрождения города объединяет чувство сопричастности к жизни Сталинграда и ярко выраженное восприятие города как личности. Наш город проявляет самые благородные стороны человеческой натуры, вызывает восхищение, гордость, желание помогать. Одна из задач выставки - дать почувствовать тот особый дух места-времени, тот градус высокого энтузиазма и победной эйфории, которая окружала наш город, пронизывала все пласты его жизни и оказалась зафиксированной в произведениях искусства.
Неординарная судьба Сталинграда притянула художников со всей страны. В 1950- е гг. сюда приехали выпускники художественных вузов из Москвы, Ленинграда, Таллина, Тбилиси и других городов. Немаловажной причиной для этого решения была возможность участвовать в масштабных процессах рождения нового города. Среди приехавших художников были Н.Пирогова, М. и Н.Павловские, П.Малков и др. На рубеже 1950-1960-х гг. здесь сложился неординарный по составу творческий коллектив живописцев, скульпторов, монументалистов, графиков, которые и создали фактически весь арсенал художественных формул Сталинграда. Выставка позволяет понять и специфические особенности волгоградского искусства. Художники ощущали себя включенными в грандиозный по масштабам и скорости процесс создания нового города. Их произведения были выполнены на строительных лесах и в заводских цехах, художники работали на строительстве ГЭС, Волго-Донского канала, в порту. Ими запечатлены эффектные архитектурные ансамбли, излюбленные закоулки и дворики, широкие пространства, открытые небу и Волге.
Проект предлагает взглянуть на город как на среду, которую переживает и эстетизирует художник - и в то же время как на произведение искусства. Город по сути и был самым главным произведением того времени, создававшимся всенародно. Сразу по окончании битвы, судьба Сталинграда оказалась в центре архитектурной мысли и общественных обсуждений. В открытом конкурсе на проект центральной площади Сталинграда участвовали как профессионалы, так и люди самых разных специальностей. Часть тех грандиозных и фантастических проектов зритель сможет увидеть на выставке.
Послевоенный Сталинград задумывался и создавался как целостное произведение искусства, как награда народу - победителю и как территория счастья. «Архитектура Сталинграда должна отображать могущество нашего строя и нашего народа. Архитектура города поэтому должна быть радостной, светлой»,- читаем в статье главного архитектора В.Масляева. Особый раздел экспозиции посвящен архитектуре. Зритель увидит отмеченные невероятным изяществом исполнения архитектурные чертежи за подписями ведущих архитекторов: В.Симбирцева, Е.Левитана, А.Куренного, И.Фиалко, Б.Гольдмана.
Проект опирается на работы исследователей архитектуры, историков, краеведов, журналистов, этнографов, архивистов, музейщиков. Соорганизаторами выставки стали Государственный архив Волгоградской области, историко-мемориальный музей-заповедник «Сталинградская битва», Волгоградский областной краеведческий музей. Этим проектом музей стремится объединить работу местных сообществ, связать поколения, способствовать осмыслению памяти локальной истории. Выставка - не только признание в любви к городу, но и дань благодарности всем, кто вкладывает усилия в осмысление и трансляцию его ценностей.

В необычном проекте встретятся живописные и графические произведения XVIII в. из фондов ВМИИ и работы известного волгоградского скульптора, Народного художника России Петра Ивановича Чаплыгина, посвященные российским императорам. Петра Чаплыгина без преувеличения можно назвать «королем волгоградской керамики». Начиная с 1970-х гг. о нем пишут ведущие критики как о ярком и смелом мастере. Его отличает поистине ренессансный размах в выборе тем, средств, инструментария при создании скульптуры, монументальных керамических панно, живописи, графики. На какой бы из тем не останавливал свой выбор П.И.Чаплыгин - будь то христианские сюжеты или великие художники прошлого, война или женская красота - неизменно это высказывание в полный голос, со всей страстью и убежденностью.
Последнее десятилетие известный волгоградский скульптор посвятил осмыслению российской истории. Персоны российских императоров он рассматривает как некие узловые моменты, поворотные точки в канве нашей истории. В экспозицию войдут 9 скульптурных бюстов и 10 рельефов, посвященных 9 российским императорам - от Петра I до Николая II. Это лишь часть обширной серии, в которой с невероятной свободой и артистизмом мастер синтезирует художественные материалы, стилистические приемы, приближаясь к темам избранности, судьбы и своеволия, противоборства человеческого и государственного в одной судьбе.
Керамика соединяется с гальванопластикой, драгоценными глазурями, смальтой, металлом; монументальная значительность формы дополняется декоративной роскошью фактур. Каждый из персонажей при всей узнаваемости, сохраняет загадочность, как, видимо, и подобает, царственным особам. Сюжеты рельефов на постаментах отсылают зрителя к эре правления императора, ассоциативно - емко характеризуют его пристрастия.
Не менее знаковый характер носили изображения властителей и при их жизни. Тогда портреты были призваны не столько раскрывать личность и судьбу государя, но, в первую очередь, транслировать идею власти, воплощать идеалы своего времени. В состав экспозиции вошли 3 гравюры и 3 живописных полотна из фондов музея, выполненные в XVIII в. С портрета Екатерины II, созданного Алексеем Антроповым в 1766 г., фактически, начинается коллекция русской живописи Волгоградского музея. Коронационный портрет был передан в 1960 г. из Государственного исторического музея. Этот портрет является повторением, написанным А.Ф.Антроповым- одним из самых значимых русских портретистов второй половины XVIII в.- с его же работы, созданной в 1762 г. в Москве для коронационных торжеств, и находящейся сегодня в Сергиево-Посадском музее-заповеднике. Наш портрет, несомненно, предназначался для какого-либо присутственного места, так как в каждом официальном учреждении должно было находиться императорское изображение. 
Екатерина II, урождённая София Августа Фредерика Ангальт-Цербстская родилась 21 апреля 1729 г. Она пришла к власти в результате переворота, свергнув своего мужа Петра III и не имея прав на престол. Ее пребывание на троне длилось 34 года и закрепило Российское государство в ряду ведущих европейских держав. Екатерина стала одной из наиболее значимый фигур в Российской истории и получила титул Великой. Ей принадлежит тезис «нужно просвещать нацию, которой должно управлять», многие идеи Просвещения были проведены ею в жизнь. Имя Екатерины дорого каждому музейщику, с ним связано создание Эрмитажа и публичной библиотеки, основание Российской академии и быстрое развитие Академии наук, развитие женского образования и появление воспитательных домов для беспризорных детей, организация помощи вдовам и систематическая борьба с эпидемиями. Она говорила о своей «ненасытности в отношении искусства». Современники свидетельствуют о противоречивости и несомненной привлекательности ее незаурядной личности. Проект «Властители» отдает дань уважения «Северной Семирамиде». Как правящие особы распорядились своими возможностями? Как меняется образ властителя с течением времени? Такие вопросы задает выставка, которая будет работать с 19 апреля по 27 мая в основном здании музея (пр. Ленина,21).
Открытие выставки 19 апреля в 17:00.