Фотовыставка в рамках фестиваля "Ваши планы на Рождество?"

Экспозиция объединяет более 90 произведений живописи, скульптуры, декоративно-прикладного искусства, созданных в Италии, Голландии, Франции, Фландрии, Германии и России XVII- XIX вв. Среди них есть работы, практически не покидавшие музейные залы на протяжении всей 55-летней истории ВМИИ, хорошо знакомые и любимые зрителем (В.Тропинин «Женский портрет», А.Саврасов «Распутица», М.Лебедев «Итальянский пейзаж», И.Хруцкий «Натюрморт со свечой»). В то же время, здесь есть и произведения, долгое время остававшиеся недоступными для зрительской аудитории (Э.Лепуатевен «У старого маяка», Ф. Копс «Портрет неизвестной», Монсей «Евреи-менялы»).
Достоинство выставки состоит в не только том, что она демонстрирует наиболее значимые шедевры классического искусства из фондов Волгоградского музея и дает возможность встретиться с основными стилями и направлениями (от барокко до импрессионизма), знакомит с ведущими европейскими национальными художественными школами.
В одном экспозиционном пространстве сопоставлены работы западноевропейских и русских мастеров. Авторы выставки попытались понять, что же являлось объединяющим началом для работ, рожденных в разных уголках Европы. Такой точкой пересечения интересов стала идея Человека, тонкий мир человеческой души, как и вселенная - существующая в человеческом восприятии, переживаниях, мечтах.
Даже самые скромные из работ, авторы которых остаются неизвестными свидетельствуют о новом прочтении человека и его места в мире. Историки называют этот период Новым временем. Его начало ознаменовало процесс демонтажа тысячелетней грандиозной картины мира и системы ценностей, скрепленной идеей Бога. Это означало торжество индивидуального начала в культуре. Подходит к концу эпоха, колеблются казавшиеся надежными основания жизни. Душа, сорвавшаяся с прежних устоев, ринувшаяся в потоки и вихри перемен все убыстряющегося колеса истории взволнована, наполнена тревогой и надеждами, ожиданиями и сомнениями, жаждой понимания и любви. Именно тонкий мир человеческой души становится основным объектом для художника. Главные векторы исканий того времени были направлены «по горизонтали»: в сторону освоения земного мира, человека, его ближайшего окружения. Время, в котором ведущим стимулом к действию была практическая польза, сделало искусство орудием познания природы, человеческой личности и средством утверждения нового образа жизни. Кажется, что художники впервые видят земную красоту и наслаждаются ей. Искусство этого времени впервые по-настоящему субъективно, определено личностью его создателя. И мир, и история увидены сквозь призму конкретной индивидуальной судьбы. Космос и время «промерены» человеком. Искусство этого времени прививает уважение к человеку без видимых достоинств. Он человечен, он может быть наивен и чудаковат, он просто человек.
Для художников значимыми оказываются детали: будь то детали архитектуры, особенности ландшафта, неповторимость физиономий, характеров и костюмов. Облик городов и деревень, наружность их обитателей, их обычаи и нравы, их праздники и привычки, их манера поведения и повседневные занятия, в которых может и не быть ничего героического или великого, их неповторимые человеческие судьбы зафиксированы в произведениях, представленных на выставке. Вместе они составляют почерк эпохи.
Произведения, представленные на выставке, дают почувствовать этот проснувшийся жадный интерес к жизни, переживание ценности бытия. Повседневное, «малый мир», никогда прежде не входившие в сферу интересов искусства, занятого созданием великой, более значительной реальности, стали открытием Нового времени. Выставка выводит нас в мир, где люди не только познают, но и рождаются и умирают, радуются и страдают. Повседневность – пространство, в котором протекает человеческая жизнь, обогащенная опытом предков, где события частного бытия находятся в тесной связи соприкасаются с землей, природой и историческим процессом и отражаются в восприятии их самим человеком.
Именно Новое время выдвинуло новый тип человека - деятельного, живущего насыщенной внутренней жизнью. Это время стало эпохой художественных гениев, ярких индивидуальностей, авторов персональных художественных систем, чья степень независимости к концу XIX в. возросла невероятно. В то же время это искусство было обращено к частному человеку, оно должно было найти свое место в его доме, отражать вкусы и интересы заказчика.
Новое время сделало обычаем нарушение традиций, установку на новаторство и эксперимент. Это первая эпоха, которую называют «горячей». Кажется, что течение времени приняло угрожающее ускорение. Войны, революции, великие научные открытия, стремительное изменение образа жизни, путешествия, «информационный взрыв» лишили человека устойчивых основ бытия.
Несмотря на то, что значительная часть крупномасштабных процессов (войны и революции, перекроившие карту Европы, реформация и контрреформация, изменения социальной структуры), определивших жизнь человека, нашли лишь отдаленный отголосок в музейной коллекции, главные перемены бытия, основополагающие ценности, главенствующие вкусы времени оказались здесь достаточно ярко отражены.
В визуальном отношении выставка неоднородна и не совсем проста для восприятия. Взрывообразное расширение и усложнение представлений человека о мире привело к распаду ранее целостной картины бытия. В искусстве это нашло отражение в невиданном ранее усложнении ткани художественной жизни. Эта первая «разноязыкая» в стилистическом отношении эпоха. Так, в XVII в. сосуществуют на равных барокко, классицизм и реализм. Самостоятельное развитие получают отдельные жанры, причем, наибольший интерес вызывают те, что посвящены жизни человека, его ближнему миру - портрет, пейзаж, бытовой жанр. Однако даже в произведениях господствовавших ранее мифологического и исторического жанров мы видим, прежде всего, современников художника - в полноте передачи эмоций, правде привычек и нарядов. Так, в образе Прометея легко узнается простой русский мужик, а Мадонна могла быть написана с жены или подруги художника. Собственное лицо обретают национальные художественные школы. Впервые заявляют о себе новые европейские лидеры - голландская и французская школы. В XVIII в. на европейской арене оказывается новая, стремительно набирающая мощь держава - Российская империя, культура которой впервые выдвигает художников мирового уровня.
Экспозиция организована в соответствии с хронологическим принципом. Игнорирование географических границ имеет основание в том новом для европейца переживании близости соседа, взаимозависимости всех ото всех, которое присутствовало параллельно с переживанием ценности национально обособленного бытия. Кроме того, художественная практика того времени предполагала частые путешествия, перемещения художников и произведений, что усиливало влияние одних школ на другие. Можно сказать, что выставка посвящена искусству, преодолевающему границы. Наблюдение за множеством частных историй помогает нам не только лучше понять прошлое, но и себя.

В камерном пространстве, напоминающем узкую тропу, зритель увидит более 50 новых произведений графики, живописи, декоративно-прикладного искусства прекрасных волгоградских художниц.
Правильное новогоднее настроение здесь создают праздничные батики Оксаны Радченко, Натальи Рухлиной и Людмилы Ершовой, фантастические коллажи Елены Трофимовой и эмали Елены Обуховой-Коссович, уютные аппликации Елены Денисовой и трепетные ангелы Татьяны Антиповой, озорные открытки Ларисы Самариной и Екатерины Гельперн, сказочные иллюстрации Валентины Цынновой и Татьяны Ковешниковой, нежные акварельные пейзажи Елены Орловой и Татьяны Смирновой, благородные эскизы театральных костюмов Людмилы Тереховой и керамические панно Ольги Самойловой, очень добрые картины Марии Антоненко и гравюры Анны Филимоновой. 
Выставка будет работать с 12 декабря 2015 г. по 24 января 2016 г.

С 12 декабря 2015 г. в Волгоградском музее изобразительных искусств им.И.И. Машкова начинает работу персональная выставка заслуженного художника РФ Никаса Сафронова.
Официальное открытие выставки состоится 18 декабря 2015г. в 17:00 в основном здании музея (пр.им.В.И.Ленина, 21).
Пресс-конференция состоится в Областном пресс-центре 18 декабря в 15:00.
Экспозиция представляет около ста произведений художника, выполненных в различном ключе: классический портрет, пейзаж, сюжетные композиции в стиле символизма, в авторском стиле DreamVision.
В произведениях Никаса Сафронова основной эмоционально-содержательный пласт создается элементами «незримого», языком намеков. Художник предлагает зрителю раскрыть смысл образа не в самих предметах или фигурах, а во взаимоотношениях между ними, которые не всегда бывают опредмечены и не определены сюжетно. Обращаясь к литературным и мифологическим героям, Никас Сафронов для раскрытия творческого замысла использует ретроспективные фантазии, закрепляет в мотивах произведений понятия мечты и сна, ищет символы-мифологемы, ассоциирующиеся с иконографическими традициями классического искусства и отвечающие проблемам современности. Мир символов художника – это промежуточное пространство, которое не принадлежит ни этому миру, ни потустороннему- это зеркальный мир бесконечно изменяющихся смыслов. В портретах современников в исторических костюмах, погружая героев в прошлое, художник напоминает зрителю о том, что человека на протяжении многих веков интересовали одни и те же вопросы бытия, те же страсти и настроения. Этот цикл – одно из лучших творческих размышлений художника о связи времен.
Никас Сафронов является одним из известных российских живописцев нашего времени, начав свою творческую деятельность в 17-летнем возрасте. За несколько десятков лет профессиональной карьеры художник создал сотни произведений, каждое из которых является своеобразным отражением истории.
Никас Сафронов окончил Московский государственный академический художественный институт имени В. И. Сурикова при Российской академии художеств. С 1973 года активно работает, выставляет и продает свои произведения. Со своей первой персональной выставки 1978 года в Паневежисе стал известен как яркий сюрреалист, портретист и экспериментатор. Никас Сафронов почетный гражданин России, Академик Российской Академии художеств, профессор Ульяновского университета, кавалер Русского ордена Мецената, титулованный «Самый светский художник».
Основная часть произведений художника находится в частных собраниях и ведущих музеях России и Европы. Владельцы его полотен Алла Пугачева, Софи Лорен, Ален Делон, Жан-Поль Бельмондо, Пьер Карден, Дайана Росс, МонтсерратКабалье, Мадонна, Михаил Горбачев. Никас Сафронов создал портреты президента России Владимира Путина, председателя правительства Российской Федерации Дмитрия Медведева, президентов США, Турции, Азербайджана, Туркмении, Украины, королей Испании, Иордании, Брунея и других деятелей политики и культуры.
Стоимость входного билета - 350 руб.
студенты и пенсионеры – 200 руб.
школьники - 100 руб.
Льготные билеты продаются по предъявлению документов.
Выставка расположена в основном помещении музея (проспект им.Ленина, 21)
Время работы с 10.00 до 19.00, по четвергам с 10.00 до 20.00 без выходных
38-24-44, 38-59-15
38-01-91

К 135-летию И.И.Машкова музей представляет обновленную экспозицию, раскрывающую всю творческую эволюцию мастера- от ученических работ до самых последних произведений военного времени. Интерактивные панели, мультимедийные игры на основе произведений мастера помогают проникнуть в мир искусства богатыря русской живописи.
В интерактивной экспозиции сегодня экспонируется и модель памятника И.И.Машкова, который предлагает заслуженный художник России, известный скульптор Сергей Щербаков. Зрителю предоставляется возможность высказать свое мнение о том, как может выглядеть памятник Машкову, каким он вошел в нашу жизнь.
Ждем вас на новых мастер-классах, лекциях, конференциях, посвященных искусству и эпохе Ильи Машкова- нашего земляка, самого неожиданного и искреннего живописца ХХ века.

Из частной коллекции.
За почти двести лет существования Российской Империи было отчеканено множество интереснейших экземпляров монет. Их облик трансформировался год от года, менялись названия. В основном на монетах помещались изображения правящих монархов, непременным атрибутом долгие годы оставался Герб Российской Империи.
В формате «выставка в выставке» экспонируется более ста монет различного достоинства, представляющих историческую и нумизматическую ценность.
Экспозиция будет работать с 10 июня по 3 июля

Открытие 1 июня в 17:00.
Ко Дню защиты детей, началу школьных каникул приурочена выставка, представляющая более 70 графических произведений западноевропейских мастеров 16-20 веков из собрания московского коллекционера Владимира Беликова. Гравюры, созданные в Нидерландах, Германии, Италии, Франции, Англии, Голландии, Испании объединяют темы детства, семьи, игры. Выставка обращает нас к вопросам: «почему художник рисует детей? Что чувствует мастер, изображая материнскую любовь, детские забавы, проказы и наивное лукавство малыша?»
Наверное, в каждом человеке (а в творческой натуре, особенно) живет неистребимая тяга к «свету памяти» о детстве, к возвращению давних чувств, похожих на воспоминания. Рисуя ребенка, художник погружается в себя маленького, окунается в мир, увиденный теми детскими глазами, солнечный мир любви, ежеминутных открытий и откровений, мир чистый и искренний, ещё не тронутый обманом, жестокостью и разочарованием. «Вернутся ли когда-нибудь та свежесть, беззаботность, потребность любви и сила веры, которыми обладаешь в детстве? Какое время может быть лучше того, когда две лучшие добродетели – невинная веселость и беспредельная потребность любви – были единственными побуждениями в жизни», - писал Л.Н.Толстой.
Живописцы и графики на протяжении многих веков пытались и пытаются в своем творчестве вернуться в тот далекий мир тайных и сокровенных чувств, проникнуться очищающей радостью и печалью бытия. Художественное осознание детской темы, окрашиваясь индивидуальностью мастера, несло в себе стилевые тенденции историко-культурной среды, мотивацию конкретного произведения, образный строй, а порой, и идеологический подтекст той эпохи, в которой жил и творил художник.
Христианское искусство связано с темой младенца Иисуса, мадонной, ангелами-хранителями (согласно древним традициям у каждого ребенка был свой ангел). При этом Иисус – образ маленького святого, часто «уменьшенного» взрослого. В эпоху Возрождения ребенок уже индивидуальность, в нем заложены все качества будущей личности. Малыши, сначала в образе «путти» и амуров, персонажей мифологических и аллегорических сцен, а затем как земные создания стали непременными участниками изображаемых событий, окрашивая их определенным настроением и мироощущением. Такой подход в дальнейшем обусловил появление детского реалистического портрета, и в последующие века, вплоть до настоящего времени, детская иконография (персональная и групповая) стала у художников одним из любимейших жанров.
Нидерландские мастера XVI-XVII веков (особенно, «малые голландцы») ввели ребенка в повседневный мир дома, семьи: обычные, ничем не примечательные, бесхитростные сценки из жизни детей среди взрослых (сельские мотивы, городские развлечения, дружба и ссоры, игры с животными), светлое и добродушное изображение детских радостей и невзгод. Галантно-сентиментальный XVIII век вносит в отношение к детям романтические элементы иронии и игры. Последующие столетия («железный» XIX век и век двадцатый с его войнами и национальными катаклизмами) сделали детскую тему более рациональной, приземленной, дополнив традиционные сюжеты сценами, в которых дети становятся невольными свидетелями и участниками жестоких игр взрослых, разделяя их заботы и страдания.
У экспозиции есть и другая цель – показать красоту гравюры и её неисчерпаемые возможности. Представленные на выставке работы показывают, с каким мастерством художники прошлых веков лаконичным языком эстампа (часто, монохроматического), в различных техниках офорта, резцовой гравюоы, меццо-тинто и литографии решают свои творческие задачи.
Давайте же на этой небольшой выставке вместе с художниками вернемся каждый в свое детство, когда мама была самая красивая, деревья были большими, светило яркое оранжевое солнце и мир был огромным, прекрасным и ласковым.
Экспозиция будет работать в Волгоградском музее изобразительных искусств имени И.И.Машкова с 1 июня по 17 июля по адресу:
Волгоград, проспект Ленина,21.
тел.(8442) 38-24-44, (8442) 38-01-91; (8442) 38-59-15

В пространстве интерактивной экспозиции «Мастерская Машкова» представлены живописные и графические портреты, написанные Ильей Ивановичем Машковым (1881-1944) в подмосковных военных госпиталях в 1942-1944 гг. Они относятся к самому последнему, мало знакомому широкой аудитории творческому периоду художника. В то же время именно тогда его искусство выходит на новый уровень развития, утверждая высокое понимание человеческой личности безупречно классическим художественным языком.
Машков, которому в 1941 г. исполнилось 60 лет, относится к мастерам старшего поколения, оставившим свое свидетельство о войне. Именно этой плеядой были созданы наиболее глубокие, отмеченные вневременной мудростью произведения о Великой Отечественной. В сфере внимания И.И.Машкова оказывается человек, опаленный войной. Он создает просветленные образы, овеянные духовной силой и благородством. Представленные работы являются частью обширной серии, включавшей, по словам самого художника около 50 произведений, созданных в процессе подготовки большой композиционной картины «В госпитале». Художник писал и рисовал портреты военных врачей, раненных, санитарок, медсестер в Первом московском эвакогоспитале и сортировочном госпитале № 290, там же состоялось три его выставки. В ВМИИ находятся три живописных портрета («Портрет гвардии сержанта танкиста П.Н.Сафонова», 1942;), «Портрет генерал- майора медицинской службы П.М.Матусова», «Портрет генерал-майора медицинской службы А.Р.Злобина», 1943) и ряд рисунков из этого цикла. Их отличает стремление к документальности и достоверности. Героический, драматический дух времени усилен сосредоточенностью, внутренней напряженностью, суровой решительностью персонажей. Кажется, что время, изменившее представления о цене человеческой жизни, не оставило художнику права на формальные поиски. В отличие от более ранних машковских работ, эти портреты отличаются строгой, сдержанной манерой, стремлением отразить неповторимую индивидуальность каждого из запечатленных им лиц.
В своей значительности, суровом величии произведения И.И.Машкова военной поры вызывают в памяти портреты времени классицизма. Их колорит доведен до напряженного созвучия, кисть строит жесткие формы, передавая тревожное мироощущение автора. Машков подчеркивает такие изначально важные для него качества как воля, мужество, уверенная сила, целостность. Невероятной сложностью исполнения отличаются созданные в госпитале рисунки, опирающиеся на графические традиции Ренессанса. Часто художник сочетает несколько материалов: графитный карандаш, сангину, цветные карандаши; его штрих мелкий, положенный вплотную, что обусловлено огромным вниманием к мельчайшим деталям облика героя («Портрет медсестры М.Виноградовой», 1942-1943; «Батальонный комиссар Маркиш», 1942). Такой же скрупулезностью отмечен «Портрет артиллериста» (1942-1943). Его образная концепция - возвышенная и значительная- родственна духу античного героизма. Одна из красивейших работ серии «Старший военфельдшер в косынке с красным крестом» (1942-1943), спокойная и сдержанная манера Машкова здесь приобретает артистизм и элегантность. Портрет необычен своей редкой для художника «нематериальностью», светлой прозрачностью, воплощающей интеллектуальность и достоинство. За каждой из работ стоит спокойное, мудрое осознание ценности жизни, неповторимого мира личности. В своей самой последней серии мастер, опираясь на классические традиции, находит безошибочные метафоры времени. При всей своей сдержанности, полном отсутствии интереса к эффектным художественным экспериментам, батальным сюжетам и расхожим патриотическим формулам портретная серия Машкова дает образ народа несокрушимого в своей силе, терпении и духовной чистоте.
Экспозиция будет работать в Волгоградском музее изобразительных искусств имени И.И.Машкова по адресу:
Волгоград, проспект Ленина,21.
тел.(8442)38-24-44, (8442) 38-01-91; (8442) 38-59-15

ГБУК «Волгоградский музей изобразительных искусств им.И.И.Машкова»
ОАО «Международный аэропорт Волгоград»
Региональное отделение ДОСААФ России Волгоградской области
представляют выставку
«Все выше, и выше, и выше! Небо и подвиг»
в рамках празднования 100-летия Героя Советского Союза А.П.Маресьева

22 апреля-29 мая
открытие 22 апреля в 17.00
Выставка «Все выше, и выше, и выше!» приуроченная к 100-летию Героя Советского Союза А.П.Маресьева включает более 30 произведений живописи, скульптуры, графики и декоративно-прикладного искусства 1920-2000-х гг. из фондов ВМИИ. Темой выставки стали освоение человеком воздушного пространства и авиация, но в первую очередь- те возможности, которые открывает в человеке покорение неба. Экспозиция дает возможность поразмышлять, а может быть и узнать получше об истории авиации, военных подвигах наших летчиков, изучении воздушной стихии, видах спорта, связанных с небом, освоении космоса. В центре ее внимания - авиатор- пилот, испытатель и воин, космонавт и исследователь. Значительную часть выставки составили портреты знаменитых авиаторов. Среди них Герои Советского Союза, наши земляки А.П.Маресьев и В.С.Хользунов, летчик-ас А.А.Покрышкин и штурмовик Н.М.Малахов, легендарная летчица-штурман Марина Раскова и выпускник Качинской авиационной школы, воевавший в Сталинградском небе С.А.Микоян, летчик-испытатель А.С.Бежевец, космонавты Ю.А.Гагарин и Г.Т.Береговой. К первым шагам нашей авиации обращает портрет первой русской женщины-пилота Лидии Зверевой, которая первой из женщин выполнила в 1914 г. мертвую петлю Нестерова, организовала центр по строительству самолетов и создала летную школу. Еще один аспект освоения неба-как поля научного поиска – раскрывает портрет М.А.Рыкачева, русского ученого, основателя аэрологии- науки, исследующей атмосферу. Героем проекта стал и маленький самолетик, забирающий с передовой раненных, написанный в 1944 г. ученицей И.И.Машкова Екатериной Зерновой.
В состав экспозиции вошли произведения знаменитых художников, влюбленных в авиацию, прославившихся способностью запечатлевать захватывающее ощущение стремительного полета, скорости и невесомости- А.Дейнеки и А.Лабаса. Впервые экспонируются рельефы, выполненные ставропольским скульптором Г.Мясниковым, который по своей первой специальности был военным летчиком и занялся искусством после выхода в отставку, потому небо остается его излюбленной темой. Зритель сможет увидеть модель легендарного монумента, пережившего Сталинградскую битву- памятника В.Хользунову, выполненного московским скульптором М.Белашовым. В состав выставки вошли и произведения известных волгоградских художников: Народного художника РФ В.Г.Фетисова, участника Великой Отечественной А.И.Бородина, Н.Д.Пироговой. Своеобразным эпиграфом выставки стал маленький мальчик, мечтающий о небе- персонаж гравюры Н.Пироговой «Будущий летчик». Выставка включает и модель памятника А.П.Маресьева, созданного волгоградским скульптором, Заслуженным художником РФ С.Щербаковым и установленного в 2006 г. в Камышине, на родине героя.
Впервые уникальными дополнениями художественной экспозиции станут подлинные авиаприборы, предоставленные волгоградским аэропортом и ДОСААФ.
Экспозиция будет работать в Волгоградском музее изобразительных искусств имени И.И.Машкова по адресу:
Волгоград, проспект Ленина,21.
тел. (8442) 38-24-44, (8442) 38-01-91; (8442) 38-59-15.

Выставка «Город в деталях» (к 90-летию художника В.Н.Лосева) живописные произведения В.Н.Лосева из фондов ВМИИ и частных коллекций (совместно с институтом региональной экономики и социального проектирования в рамках проекта «Вы не видели Лосева?»)
День рождения Виктора Лосева
10 апреля в Волгоградском музее изобразительных искусств им. И.И. Машкова состоится открытие выставки «Город в деталях»: 50 видов Волгограда, написанных Виктором Лосевым на пленэре.
В 2015 году проект «Извините, Вы не видели Лосева?» стал победителем XII грантового конкурса музейных проектов «Меняющийся музей в меняющемся мире» Благотворительного фонда В. Потанина в номинации «Музей и местное сообщество».
10 АПРЕЛЯ исполняется 90 лет со дня рождения легендарного волгоградского живописца, который на протяжении шести десятилетий писал с натуры город и горожан. Большинство работ мастера представляют не только художественную, но историческую ценность, – считает галерист Ирина Басова, – на них изображены дома, улицы и скверы, которые к началу ХХI потеряли исторический облик либо исчезли с карты Волгограда, ретроспектива традиций и моды ХХ века. Тонкая душа художника отразила происходившие в городе перемены.
Необычный экспонат – обгоревший картон с написанным маслом городским пейзажем. Фрагмент работы, оставшийся после костра, в котором сгорело большинство работ мастера, созданных им с 1940 по 1969.
Это была история, которая всколыхнула всю страну. По распоряжению мелкого чиновника работы Виктора Лосева были вывезены на свалку и сожжены с банальной целью: освободить помещение для других нужд. Затем были публикации в центральных СМИ, суд, почти семь тысяч писем поддержки из всех пятнадцати республик СССР, известность и переосмысление миссии художника. После этого мастер старался, чтобы его работы расходились среди горожан. Он создал собственную модель социального служения, неся искусство в широкие массы.
Именно эта идея положена в основу фестиваля искусств «Извините, Вы не видели Лосева?», который состоится в Волгограде 15 мая. Профессиональные художники и художники-любители выйдут на улицы, чтобы писать с натуры город и прохожих. Так как это делал Виктор Лосев.
Экспозиция «Город в деталях», которая откроется в рамках проекта «Извините, Вы не видели Лосева?» составлена из работ мастера, предоставленных ВМИИ им. И.И. Машкова, ректором Волгоградского медицинского университета профессором Владимиром Петровым, галеристом Ириной Басовой и техническим директором ООО «Экспертиза» Сергеем Гевличем.
Выставка будет работать с 8 до 20 апреля. 10 апреля, в день рождения Виктора Лосева, в Музее встретятся его коллеги по цеху, модели и почитатели таланта мастера.

Министерство культуры Российской Федерации
ФГБУК «Государственный историко-художественный и литературный Музей-заповедник «Абрамцево»
ГБУК «Волгоградский музей изобразительных искусств им.И.И.Машкова»
представляют выставочный проект
«Романтический монтаж». Произведения 1920-30-х годов в собрании Музея-заповедника «Абрамцево»
к 135-летию И.И.Машкова
7 апреля-29 мая
открытие 7 апреля в 17:00.
Впервые в залах Волгоградского музея изобразительных искусств будут экспонироваться произведения живописи, графики, скульптуры из фондов одного из крупнейших российских музеев - Государственного историко-художественного и литературного Музея-заповедника «Абрамцево». Проект «Романтический монтаж» включает более 60 работ, созданных 19 мастерами, фактически определившими облик отечественного искусства первой половины ХХ в. Среди них Игорь Грабарь и Петр Кончаловский, Павел Кузнецов и Александр Лабас, Татьяна Маврина и Вера Мухина, Надежда Удальцова и Роберт Фальк, Аристарх Лентулов и Илья Машков. Линии их судеб, многократно пересекаясь, оказались связаны особым духовным пространством Абрамцево. Именно там, в Подмосковье, на берегу реки Вори, в нескольких километрах от усадьбы С.Т.Аксакова в 1933 г. было начато строительство Ново-Абрамцевского поселка художников. Среди организаторов поселка был и Илья Машков.
Проектом «Романтический монтаж» открывается Год Машкова в Волгоградском музее. В июле 2016 года исполняется 135-лет со дня рождения Ильи Машкова (1881-1944)- нашего земляка, «гения места» нашего края, одного из самых ярких русских живописцев ушедшего столетия, имя которого носит Волгоградский музей изобразительных искусств. Абрамцево занимает особое место в судьбе Машкова.
Последнее десятилетие его жизни оказалось тесным образом связанным с Абрамцевым. С начала строительства поселка художников Машков принимал в нем горячее участие, входил в его правление. Начиная с 1938 года, он жил и работал там большую часть времени. Абрамцево дало ему столь необходимую возможность сосредоточенного уединенного занятия живописью. Соседями Машкова были его бывшие ученики: В.И.Мухина и Б.Д.Королев. В 1936 году Машков принимал участие в выставке картин и скульптуры Ново-Абрамцевского творческого коллектива художников. Абрамцевский период для Машкова стал временем открытий, временем глубочайшего постижения возможностей живописи. Тогда была создана одна из лучших серий его натюрмортов, часть которых, сегодня входящая в коллекцию Волгоградского музея, также включена в экспозицию.
В Ново-Абрамцево сложилась уникальная творческая общность близких по духу художников, немаловажно, что многие из них были связаны отношениями «учитель-ученик». Их работы стали основой богатейшего собрания произведений ХХ в. Музея-заповедника, возможность познакомиться с которым стало великолепным подарком для всех волгоградцев. И.И.Машков предстает в данном контексте не только как абрамцевский житель, восхищенный красотой абрамцевской природы, но как участник художественного процесса, сыгравшего принципиально важную роль в судьбе нашей культуры.
Дух времени, высокое напряжение эпохи великих романтических надежд и мечтаний определили облик этих работ. Футуристический порыв в будущее («Поезд из Москвы» А.Лабаса), восхищение масштабом невиданных трансформаций жизни («Строительство Дворца Советов» В.Рождественского, «Порт в Туапсе» А.Лентулова), парадоксальным на первый взгляд образом монтируются с камерной интонацией глубоко личностного высказывания. Всеобщее и сокровенное спаяны здесь воедино. Выставка адресует к особому, долгое время остававшемуся в тени пласту искусства предвоенных десятилетий, сыгравшему важнейшую роль в сохранении отечественной живописной традиции. Исследователи именуют его «неполярным искусством», подразумевая его равноудаленность от модернизма и социалистического реализма.
Параллельно официальному руслу социалистического реализма, в задачи которого входила, прежде всего, визуализация идеологического проекта, развивалась камерная ветвь отечественного искусства. Именно искусство, не теряющее связи с реалистической достоверностью, но целиком (подобно искусству модернизма) сосредоточенное на форме, художественном методе стало героем данного проекта. В центре внимания здесь оказываются задачи собственно художественные, профессиональные, разрешающиеся в пространстве холста: вопросы живописной поверхности, колористических и тональных отношений. Высочайшая культура, богатство нюансов свойственны представленным произведениям так же, как поэтичность, неприятие бытовизма, психологическая насыщенность, одухотворенность живописи и пространства, и мира (П.Кузнецов «Натюрморт»).
«Второстепенные жанры» пейзажа, натюрморта, интимного портрета выходили за пределы официального проекта реальности и оставались неконтролируемой территорией свободы, независимого творчества. «Искусство для себя» стало областью профессиональной реабилитации, а вместе с тем - и реабилитации ценности сложного мира души. Именно здесь оказались применимы невостребованные официальным искусством живописная сложность, эмоциональная тонкость. Идея «чистой живописи», виртуозной, способной создать метафору изменяющейся реальности, оказалась притягательна для различных художников. Это искусство особого рода, целый мир со своей эстетикой и ценностями. Внимательное всматривание, чуткое вслушивание, сосредоточенный труд души и кисти теперь направлены на едва уловимые сущности, полутона и нюансы. Это произведения, создаваемые на сугубо частных позициях и ориентированные на доверительный разговор шепотом (И.Машков «Малинка», Р.Фальк «Интерьер с креслами», А.Осмеркин «Портрет отца»). Небольшие размеры, некрупный мазок, бережное касание кисти, просветленная интонация - приметы этого мира. Содержанием их работ становился колористический сюжет, световая мизансцена, ритмический сценарий, отразивший мир многомерный и живой. Максимально интимизированная живопись, обращенная к самым сокровенным движениям души стала в 1930-е гг. фактически единственной альтернативой официального искусства.
Мастера, представленные на выставке, входили в такие художественные объединения, как «Общество московских художников», «Ассоциация художников революции», «Московские живописцы», «Четыре искусства», «Тринадцать». Проект «Романтический монтаж» позволяет соприкоснуться с художественной жизнью 1920-1930-х годов. Как ни парадоксально, ведущую роль здесь сыграли художники, достигшие успеха уже в 1910-е гг., прошедшие через школу модернизма (в их числе – И.Машков и его товарищи по объединению «Бубновый валет»- В.Рождественский, Р.Фальк, П.Кончаловский, А.Осмеркин, А.Лентулов). Это искусство зрелых художников, освещенное мудрым пониманием ценности всякого дыхания жизни. Показательным становится их настойчивое стремление к сосредоточенному затворничеству в мастерской. Такое счастье московским мастерам подарило Абрамцево, сыгравшее спасительную роль «территории свободы».
Создание художественного языка, адекватного современности было важнейшей задачей творцов той поры. Представленные на выставке работы воспроизводят духовный контекст эпохи, сохраняют пульс времени в ритме, пространственных прорывах (А.Лабас «Девушка 20-х годов»). Герои проекта смогли откликнуться на новые советские реалии, не избегая сюжетной основы (А.Щипицын «Уборка урожая», Н.Удальцова «Первый колхоз»). Однако в центре внимания неизменно оказывалась цветовая драматургия, но не тематические аспекты.
Значительным достоинством выставки является возможность встретиться с произведениями художников, долгое время остававшихся не слишком хорошо знакомыми широкой публике. К таким именам можно отнести мастеров последней советской художественной группировки «Тринадцать» (Николай Кузьмин, Татьяна Маврина); сына бубнововалетца Роберта Фалька - Валерия Фалька, воевавшего под Сталинградом и умершего в 26 лет в полевом госпитале в 1943; Михаила Соколова, приговоренного в 1938 году к семи годам исправительно- трудовых лагерей. Многие работы позволяют разрушить сложившиеся в отношении ряда художников штампы восприятия. Так, например, Надежда Удальцова, чья лирическая «алтайская» серия и изысканный натюрморт представлены на выставке, привычно воспринимается как абстракционист, «амазонка русского авангарда». Дементий Шмаринов получил широкую известность как график, мастер иллюстрации, однако он был также прекрасным живописцем, в экспозицию включены его живописные пейзажи и портрет. К трансформациям мастеров «Бубнового валета» волгоградские зрители уже успели привыкнуть. Богато, работами, относящимися к известным живописным сериям, представлено творчество друга И.Машкова Василия Рождественского. Его искусство, к сожалению, не представлено в Волгоградском собрании, это делает встречу с ним еще более интересной. Работы П.Кончаловского, А.Лентулова, А.Осмеркина, И.Машкова, которые зритель увидит на выставке, несомненно, можно отнести к вершинам их позднего творчества.
Это уже не первый проект, связывающий два музея. В 2014 г. поздние произведения И.И.Машкова предприняли путешествие в Абрамцево, для того, чтобы принять участие в совместной выставке «Илья Машков. В своих краях» в рамках программы, посвященной 80-летию Ново-Абрамцевского творческого коллектива. Данный проект осуществляется при поддержке Министерства культуры Российской Федерации и является ярким, значимым событием в культурной жизни нашего региона.
Экспозиция будет работать в Волгоградском музее изобразительных искусств имени И.И.Машкова по адресу: Волгоград, проспект Ленина,21. тел.(8442)38-24-44, (8442) 38-01-91; (8442) 38-59-15

Открытие 4 марта в 17:00
Выставочный проект «Женский почерк» предлагает погрузиться в особый - утонченный и эмоциональный - срез панорамы развития искусства нашего края. Героем этой выставки станет время, прошедшее сквозь призму женской души. В экспозицию войдут работы сталинградских, волгоградских, волжских женщин-художников различных поколений. Она охватывает масштабный временной промежуток- от 1940-х до наших дней, от произведений таких легендарных мастеров как Вера Орлова, Нинель Пирогова, Надежда Черникова, Надежда Павловская, Светлана Миронова – до совсем молодых художниц. Зритель увидит живопись, графику, скульптуру, декоративно-прикладное искусство как из фондов музея, так и совершенно новые работы из творческих мастерских сорока двух авторов.
Среди прекрасных экспонентов есть монументалисты и мастера книги, художницы театра и преподаватели вузов, художественных школ. Зритель сможет получить представление не только о развитии отечественного искусства, ностальгически прикоснуться к особому миру художников пятидесятников, шестидесятников, более молодых мастеров, ведь у каждого из поколений- своя неповторимая красота, определенная духом своего времени. Достоинство выставки состоит и в великолепном разнообразии техник, среди которых есть керамика, эмаль, гобелен, акварель, линогравюра, коллаж, витраж, театральный костюм, скульптура, масляная живопись, пастель, фарфор.   Зритель может получить представление и о значимых феноменах волгоградской культурной жизни, которые, увы, не  дошли до наших дней, но остались незабываемыми (например, великолепная волгоградская керамика или иллюстрированная детская книга Нижне-Волжского книжного издательства). Это первый столь масштабный проект, демонстрирующий всеохватность поисков женской души и значимость творчества женщин- художниц в контексте культурной жизни нашего региона. Их искусство – это неизменно предельно искреннее высказывание о самом главном. Весеннее, просветленное настроение, восхищение красотой мира- их изысканный дар всем волгоградцам накануне праздника 8 марта.
Экспозиция будет работать с 4 марта по 1 апреля 2016 г. в Волгоградском музее изобразительных искусств имени И.И.Машкова по адресу: Волгоград, проспект Ленина,21.
тел.(8442) 38-24-44, (8442) 38-59-15

Персональная юбилейная выставка заслуженного художника РФ В.Т. Коваленко.
Открытие 29 января в 17:00
На выставке представлено более 50 произведений живописи и графики известного волгоградского живописца, яркого и самобытного мастера, художника-педагога Виктора Тихоновича Коваленко. Художник родился в Сталинграде в 1946 г., в 1966 г. он окончил Пензенское художественное училище им. К.А. Савицкого; в 1973 — Московский государственный художественный институт им. В. И. Сурикова. С 1974 г. он является участником всесоюзных, республиканских, всероссийских, зональных и групповых выставок, также многочисленных выставок за рубежом. Виктор Коваленко - член Союза художников России с 1981 года, неоднократно он был членом правления Волгоградской организации Союза художников России. В 1999 г. ему присвоено звание Заслуженного художника России. Искусство В.Т.Коваленко хорошо известно в стране и за рубежом. Его работы находятся в музеях Москвы, Волгограда, Волжского, а также за рубежом: музеях Будапешта, Остравы, Оломоуца и др. В 2000 г. Коваленко был членом зонального выставкома «Большая Волга». С 1997 г. мастер преподает в Волгоградском государственном архитектурно-строительном университете и является создателем целой художественной школы. В 2002 г. ему было присвоено ученое звание доцента по кафедре рисунка, живописи и скульптуры, а в 2008 г. ─ звание профессора дизайна и монументально-декоративного искусства. В 2010 г. Коваленко В.Т. стал лауреатом государственной премии Волгоградской области I степени в сфере искусства в номинации «Живопись».
Такая короткая биография и такое огромное количество работ: картины, пейзажи, портреты.  Каждая выставка художника — это событие. И не только для самого автора. Но и для зрителей. Мир картин художника сложен и неоднозначен. Работы, несмотря на изображенные на них привычные предметы, необычны и неожиданны. В них реальность похожа на иллюзию, а иллюзия настолько реальна, что, кажется, что это и есть привычный, окружающий нас мир. Именно эта двойственность и привлекает в его работах.
В них перепутаны жанры (пейзаж подан как натюрморт, а натюрморт оказывается фрагментом пейзажа), стили (реальный мир наполнен гипсовыми формами, слово «реализм» приобретает различные приставки), виды искусства (скульптура проникает в живопись, а живопись состоит из скульптурных форм). Иногда встает вопрос об отношении художника к реализму. Но реализм Виктору Коваленко безразличен, ему не безразлична реальность. Погружая зрителя в мнимый хаос предметов и иллюзий на своих картинах, он заставляет их понять суть обыденных вещей. Общую структуру его картин определяет именно предмет, вырванный из круга привычных связей и открывающий путь к свободному обращению с формой и цветом. Поэтому живопись художника воспринимается как цитата из действительности. И эта сложность всегда привлекает внимание к работам Виктора Коваленко.
Виктор Коваленко объездил всю страну с названием СССР — от Карелии до Якутии, от прикаспийских степей до тундры. Но лучше всего он изучил свой родной край. На лодках прошел все его реки и речушки. Отсюда и любовь к волжским просторам. И пустые деревни, и овраги, и пейзажи поймы, и речные берега Волги, Ахтубы, Дона на его картинах — это памятники родным местам, вроде «Хоперского некрополя». Изображая хоперскую землю, он словно утверждает, что эти места являются таким же истоком красоты, как и земля Эллады. В дальнейшем он продолжит эти идеи в триптихе «Классические искусства», в которых памятники Древнего Египта, Древней Греции и Рима естественно войдут в пейзажи волжской земли.
При первом взгляде на работы художника поражаешься их простоте. «Скучный пейзаж»: на заснеженном поле темнеет ствол одинокого дерева, которое стоит в окружении двух столбов, как в почетном карауле. И снова пейзаж, но только летний, на котором зеленые ветви словно застывают в своей неподвижности, запутываясь в гипсовых формах. Мир тихий, переходящий в безмолвие и даже вечность. Удивительно земной и вместе с тем ирреальный. Случайному зрителю может показаться, что художник не утруждает себя сюжетами. Однако все его картины полны сюжетов, причем многозначных. Все они о том, что красота в привычных простых вещах — пойма, волжские степи, заснеженные поля… Художника не волнуют внешне красивые пейзажи: отражения в воде, эффектные облака в высоком небе, цветовые насыщенные контрасты. Его мир прост и многомерен. Увидеть красоту в привычном и обыденном гораздо сложнее, а еще сложнее ее передать и научить зрителей ее видеть и понимать. В этом и есть цель художника.
То же можно отнести к портретам тех, кто живет на этой земле. Героизм у художника — это простой повседневный труд. Это волжские капитаны, которые видят любимую художником природу волжской земли, это поэты, ее воспевающие, и его современники.
Все такие разные работы на первый взгляд с трудом собираются в цикл. Но при внимательном его «прочтении» становится ясен замысел художника. И тогда и «Скучный пейзаж» и «Молодой казак», «Портрет капитана» и «Ностальгия», «Серафимович зимой» и «Старая церковь» становятся звеньями одной цепи. Это летопись о природе, людях и истории края. И во всех работах виден Художник — зрелый мастер, до тонкостей знающий свое ремесло и воспринимающий окружающее своим особым тонким зрением.
Поэтому закономерным завершением этой летописи стали две работы — «Сталинградский св. Георгий» и «Сталинград выстоял». Картин патриотической тематики в творчестве художника немного. К этому жанру можно отнести и диптих «Война и Мир». Но все они связаны именно с этой землей, красоту которой он передавал в своих пейзажах. И с историей семьи. Отец художника защищал Сталинград. В память об этом он дает его портрет в группе солдат выстоявшего Сталинграда.
Несмотря на такие, внешне разные, эти работы составляют именно живописную серию о волжской земле. И тогда даже самые простые, на первый взгляд пейзажи, кажутся наполненными патриотизмом. И не внешним, громким, а тихим и подлинным.
Полончук Т.А.,
кандидат искусствоведения,
член Союза художников России.
Экспозиция будет работать с 29 января по 29 февраля 2016 г. в Волгоградском музее изобразительных искусств имени И.И. Машкова по адресу: г. Волгоград, проспект Ленина, д. 21.
Тел. (8442) 38-24-44, (8442) 38-59-15;

По многочисленным просьбам поклонников таланта В.А.Серова Волгоградский музей изобразительных искусств им.И.И.Машкова впервые демонстрирует все произведения великого мастера из своих фондов. В небольшую экспозицию вошло одно произведение живописи и восемь графических работ (офорты и литографии). Волгоградцам предоставляется редкая возможность ощутить неограниченный арсенал творческих возможностей удивительного философа, труженика, искателя совершенства, который своим творчеством осуществил переход русского искусства к 20 веку, от передвижников - к модерну. Большая часть коллекции поступила в музей при его организации из Третьяковской галереи и Русского музея; один из офортов - из собрания известного волгоградского художника А.И.Бородина; живописный женский портрет был передан в составе коллекции Н.А.Арнинг-Зайцевой в 1980 г.
Талант Валентина Серова нашел яркое выражение в станковой и монументальной живописи, графике, театральном и декоративно-прикладном искусстве. Жанровый диапазон его работ включает исторические картины, пейзажи, бытовые зарисовки, иллюстрации. Но прежде всего Серов был выдающимся портретистом, он создал обширную по количеству и редкую по качеству исполнения и глубине характеристик галерею образов современников. Понимание портретного жанра развивалось на протяжении всей творческой эволюции Серова, постепенно формируя способность вычленять суть характера, сохраняя при этом жизненность. Работы из волгоградского собрания относятся к зрелому периоду мастера, когда главным в портрете становится углубленная и сгущенная характеристика, острота формы и трепетная свежесть живого образа.
Серова страшила поспешность, он долго изучал модель в разной обстановке - в гостях, на концерте, на прогулке. Потому большая часть его камерных портретов посвящена его друзьям, близким по духу людям. Серова страшила поспешность. Известно, как непросто и долго писал он портреты. Изо дня в день оттачивал он свои решения, утончая и усложняя нюансы. Число сеансов редко было меньше сорока, бывало, доходило и до ста. «Он долго мучился над портретами, мучил и свою натуру,- вспоминает Д.Философов. Художник Н.Ульянов передавал свое впечатление о Серове, только что вернувшемся с сеанса. «Кто видел Серова после таких сеансов, тот не узнал бы его. Измученный, с померкшим лицом, он еле двигался по дороге, добравшись до дому, почти валился с ног и засыпал».
Удивительно, что Серов развил особый навык писать долго и при этом сохранять свежесть и свободу. Он владел и искусством сверхбыстрой работы, воспитанным молниеносными карандашными зарисовками и набросками. Обе эти стороны его таланта нашли отражение в нашей выставке. Где бы ни бывал Серов, он всегда что-нибудь наблюдал и зарисовывал. В бесчисленных альбомах и альбомчиках, с которыми он не расставался ни на минуту, копился исходный материал, выхваченный из жизни. Потому портреты Серова обнаруживают разнообразие поз, неповторимость положений, посадок, поворотов, жестов, соответствующие человеческой неповторимости. Непрестанными штудиями он добился абсолютного повиновения карандаша, угля, кисти.
Наследие Серова в печатной графике невелико и насчитывает всего 26 работ (17 офортов и 9 литографий). Его литографии — это портретные зарисовки, исполненные литографским карандашом на специальной зернистой бумаге «корнпапире». В большинстве своем это были портреты его новых друзей и знакомых, объединившихся вокруг редакции журнала «Мир искусства». К их числу относились и Дмитрий Философов - публицист, критик, руководитель отдела художественной критики в «Мире искусства» - и Анна Остроумова-Лебедева, с именем которой связан высочайший расцвет русской ксилографии.
С Анной Петровной Остроумовой-Лебедевой их связывало многое - оба дружили с С.Дягилевым, осваивали гравюру под руководством В. Матэ. Зимой, в конце 1899 года, в гостях у А.Бенуа Серов сделал набросок с Анны, сидящей в кресле. Позже этот рисунок был переведен в литографию. В довольно обширной галерее портретов Остроумовой-Лебедевой серовский портрет выделяется точно найденным соотношением мягкости, юной женственности и скрытой силы. Это в точности соответствует тому впечатлению, которое сохранилось о ней в памяти современников, как о человеке, в котором за некоторой неуверенностью скрывался твердый, свободолюбивый и прямой характер. Артистизм, эпатажность, рафинированная красота Д.Философова нашла выражение в формах, близких стилю модерн.
Офорты Серова включают портреты, жанровые сцены, изображения животных, иллюстрации к басням И.А.Крылова, а также воспроизведения собственных работ. Ни один род гравирования не дает такой широкой возможности художнику передавать различные оттенки впечатлений, живописность и остроту видения мира, как офорт с его свободной непосредственностью штриха, световыми живописными качествами. Общее развитие искусства начала 20 века вызвало широкий интерес к офорту, и фигура В. Серова занимает здесь ведущее положение, несмотря на немногочисленность выполненных им гравюр. Принципиально новое решение проблемы материала, которое демонстрируют офорты Серова, сила их эмоционального воздействия позволяют говорить о нем как о лучшем русском офортисте конца 19 — начала 20 века.
Обращение Серова в конце 1890-х годов к гравюре было вызвано поисками, более острого, точного, обобщенного и условного языка. Офорт занимал художника в двух планах. Так, в портретном офорте его привлекала возможность передать становление образа, которое совершается на наших глазах. Гравер наносит на офортную доску штрихи разной толщины и силы, передавая душевное напряжение образа, создает вибрирующую атмосферу вокруг лица.
Посещая Санкт-Петербург в 1890-1900-е гг., Валентин Серов часто останавливался на казенной квартире в здании Императорской Академии художеств у профессора граверной мастерской В.В.Матэ. Из различных источников известно, что этих, столь различных по воспитанию, взглядам, да и по художественным пристрастиям, людей связывала нежная дружба. Именно у Матэ, начиная с середины 1890-х гг., художник брал уроки офорта. Одним из побудительных мотивов к освоению практически новой для Серова графической техники стало намерение издать отдельные басни А.И.Крылова с оригинальными офортами в качестве иллюстраций, что позволило бы без искажений передать замысел художника при тиражировании. Преобладающая часть дошедших до наших дней серовских офортов датируется 1898–1899 гг. В это же время были гравированы и два портрета В.В.Матэ. В 1899 г. Серов приступил к работе над вариантом портрета, который представлен на выставке, и который уже при жизни художника получил большую популярность. Широкая известность «Портрета В.В.Матэ в пальто и шляпе» (как чаще всего называется эта работа) связана с тем, что офорт был напечатан тиражом в тысячу экземпляров и приложен журналу «Мир искусства» за 1902 г., а затем многократно воспроизводился в различных изданиях. Работа над офортом происходила в несколько этапов, потому существует несколько его версий. Наш портрет является оттиском с итогового, «четвертого состояния офортной доски», хранящейся в Третьяковской галерее.
В работе над портретом В.В.Матэ, художник во всей полноте использовал приемы, характерные именно для данного способа гравирования: сочетание легких, еле заметных, и насыщенных линий, которые получаются при различной глубине травления; бархатистый тон, возникающий за счет переплетения разнонаправленных сильно протравленных штрихов варьируемой толщины; затяжка на нетронутых травлением или слабо протравленных участках доски. Особенно это характерно для проработки лица, верхней части пальто и отдельных областей фона. Очень органично включается в изображение желтоватый тон бумаги.
Несмотря на акцентирование Серовым индивидуальных черт своих моделей, все представленные портреты выражают обобщенные представления эпохи о творце, яркой артистической личности.
Таким образом, обращение к графике, которому так содействовал Матэ, стало частью важного процесса поиска все более активного, самостоятельного художественного языка, попыткой ухода от рабского следования за натурой, что предвосхищало поиски модернистов. Вспомним, что именно класс московского училища, где преподавал Серов, заставил молодого Илью Машкова встать на путь бескомпромиссных поисков собственного художественного языка.
Стремясь отойти от иллюзорности в изображении, желая переставить акценты в пользу остроты чувственных ассоциаций, Серов повторяет ряд своих картин в офорте. Одна из таких работ — офорт «Октябрь» был создан в 1898 г. Интерес к деревенской теме пробудился у Серова в Абрамцево в тринадцатилетнем возрасте, особый серовский «крестьянский» стиль сформировался в имении Домотканово, где он часто жил. Домотканово находилось в тверской губернии, сегодня там действует дом-музей В.А.Серова.
Гравюра «Октябрь» была создана по мотивам одноименной знаменитой картины 1895 г., находящейся в Третьяковской галерее. И.Грабарь так писал о ней: «Самая потрясающая и совершенная из крестьянских картин Серова та, за которой было закреплено название «Октябрь», ибо то, что задумал художник, бывает только в октябре. По жнивью поздней осенью пасется стадо. Спереди лошади, вдали овцы. В центре на лужайке присел мальчик-пастушок. Он весь ушел в какое-то свое занятие, как заняты и лошади, медленно передвигающиеся по полю и позвякивающие своими колокольчиками. Как проникновенно почувствован здесь мальчонка в отцовском картузе… Все это, ускользавшее от наблюдения других художников, высмотрено внимательно и любовно великим поэтом русской деревни, каким был Серов». Большинством своих деревенских работ Серов был недоволен и стремился к все большей простоте выражения.
В офорте, давая очень слабое травление доски, художник достигает необычайной красоты тона, насыщенности воздухом. Разной силы штрихами, то очень тонкими, едва видимыми, то широкими и черными, он создает почти осязаемое ощущение скошенного поля, светлых далей, пасмурного дня и чистого октябрьского воздуха. Сам характер штриха здесь совсем иной, чем в портретах — очень четкий, ясный и спокойный. По пронзительности чувства природы, по остроте его передачи, по простоте замысла и художественных средств офорт этот превосходит свой живописный оригинал. Нельзя не вспомнить здесь А. П. Чехова, и дело не только в чеховской грусти, в умении находить поэзию в будничном, а прежде всего в том, что Серов сумел передать здесь движение чувств, то сложное душевное состояние, которое не укладывается в рамки изображенного явления. Домоткановские работы согреты нежностью к этому миру, к его чувствам и заботам, наполнены тихим и грустным чувством и сладостным раздумьем. В позднейшие годы Серов, несмотря на вечную занятость, обилие заказов, все же не раз возвращался к деревенским темам.
Один из последних проектов, над которым работал Валентин Серов - серия иллюстраций к басням И.А.Крылова - ставил перед мастером задачу создания особого художественного языка, сочетающего точность жизненных наблюдений, образную емкость, элементы гротеска. Три офорта из этой серии представлены на выставке.
Мир животных был отрадой для художника. Очевидцы вспоминают, что когда он рисовал басенных животных, то сам становился похож на них. В каждом из его альбомов было множество зарисовок зверей. В 1895 г. А.И.Мамонтов предложил Серову сделать несколько рисунков к басням Крылова. Серов ухватился за это предложение, отрывавшее широкое поле для применения своей страсти и знаний о животных. Мамонтов задумал издать с рисунками все басни Крылова, однако издание не состоялось. Серов не оставил работу над темой и начиная с 1896 г. стал искать особый басенный стиль - упрощенный, свободный от натурализма. Работа шла в карандаше. В 1898 г. Серов, уже три года пишущий портреты Мусиных-Пушкиных, получил приглашение приехать к ним на все лето в Борисоглебск на реке Мологе в Ярославской губернии. Специально для него был куплен станок для офорта, которым художник так увлекся. Там Серов заполнил множество альбомов зарисовками животных, мужиков, послуживших материалом для иллюстраций басен. Сначала он хотел проиллюстрировать и издать все басни. Постепенно пришел к мысли ограничить их число, отобрав самые любимые. Он отказался от не общепонятных и не народных тем. В результате тщательного неоднократного взвешивания он пришел к решению издать «Двенадцать рисунков В.Серова на басни И.А.Крылова». Вот перечень этих басен: 1. «Обоз», 2. «Ворона и лисица», 3. «Мельник», 4. «Волк и журавль», 5. «Тришкин кафтан», 6. «Квартет», 7. «Крестьянин и разбойник», 8. «Ворона», 9. «Лев и волк», 10. «Осел и мужик», 11. «Мартышка и очки», 12. «Щука».
Серов отобрал двенадцать рисунков из всех, делавшихся в разное время, многократно к ним обращался, всякий раз упрощая. Приемы штриховки, отсутствие контурности, разорванность линии на отдельные черточки сближает В. Серова с Э.Манэ и Э.Дега. В изображениях животных Серов максимально использует выразительную силу белой бумаги, которую организует офортными штрихами в пластически законченный образ. Доведенные до минимума линия и штрих несут в себе точность и остроту видения, силу жизненной убедительности.
По своей натуре Серов не терпел ни малейшего избитого места: ни в разговоре, ни в живописи, ни в сочинении, ни в позах своих портретов, постоянно терзал себя все новым трудностями: «то - да не то», - вечно говорил он. Обладая великим дарованием, он не был удовлетворен своим трудом и находился в постоянном поиске. Сразу вслед за решением задачи он переходил к новой, бросался из стороны в сторону, отступал назад, перепрыгивал через ступени, опирался на что угодно, лишь бы не стать рабом привычки, заменяющей творчество.
Необходимо сказать еще об одной черте личности Валентина Серова - его абсолютном неравнодушии, которое еще недавно называли активной жизненной позицией. Кажется, что он жил с постоянно воспаленной, растревоженной совестью, сердце его болезненно отзывалось на всякую несправедливость, о чем свидетельствуют и скупые строчки биографии. Он вступался за правое дело, отстаивал свои принципы - всегда. Может, оттого и умер так рано, в 46, и на фотографии выглядит намного старше своих лет.
«Что же сказать о художнике, о творениях Серова?- писал А. Бенуа. - Почти то же, что и о человеке. Основная черта их - благородство, правдолюбие, искренность».
Легкость, совершенство и безграничная свобода - вот ощущение, рождаемое каждой из работ В.А.Серова, даже совсем маленькой, не оставляющей и намека на сотни и сотни предварительных эскизов, отчаянные и долгие поиски образа. Каждая из них - настоящее чудо.

Волгоградский музей изобразительных искусств им.И.И.Машкова
Фонд по поддержке и развитию искусства IN ARTIBUS
представляют
выставочный проект «Триумф и идиллия»
открытие 27 октября в 17:00

Проект реализуется в рамках Года Машкова в честь 135-летия мастера. Илья Машков- один из наиболее многоликих и стремительно развивающихся живописцев ХХ века, проделавший путь от наивного художника до лидера модернистского объединения «Бубновый валет», а позже- «хранителя живописных традиций»- предстает в проекте как один из творцов мифа социалистического реализма. Речь идет об искусстве «большого стиля» 1930-х гг., составляющем всеохватную модель реальности и призванном делать видимым строящееся светлое будущее.
Представления о «единственном творческом методе советских художников», его излюбленных мотивах, со временем обретших характер заклинаний, его различных проявлениях дают произведения его ведущих мастеров из коллекции Волгоградского музея изобразительных искусств им.ИИ.Машкова: А.Дейнеки, Ф.Богородского, А.Самохвалова, П.Кончаловского, С.Герасимова, Г.Ряжского, Г.Нисского и др. В экспозицию вошло более 60 живописных, графических и скульптурных работ, часть из них экспонируется впервые.
Главным героем выставки является Илья Машков. Сенсацией станет участие в проекте 11 его произведений из собрания московского коллекционера Инны Баженовой. Впервые волгоградский зритель сможет увидеть вместе три портрета, написанные в 1930 г. на родине художника в станице Михайловской (сегодня относящейся к Урюпинскому району Волгоградской области). «Колхозница с тыквами» и «Девушка на табачной плантации» из собрания ВМИИ встретятся с «Девушкой с подсолнухами» из московского собрания. Последняя из работ демонстрировалась на Международной выставке в 1939 г. в Нью-Йорке, была там приобретена, и долгое время ее местонахождение было неизвестно. Впервые после длительного перерыва все три портрета экспонировались весной этого года на выставке «Поздний Машков.
Живопись из российских музеев и частных собраний», которая была организована Фондом IN ARTIBUS в Москве (апрель-июль 2016 г.). В нынешнем же проекте впервые вместе будут представлены два варианта масштабной машковской картины «Артек» (1934). Долгое время считались утраченными работы Машкова, связанные с его монументальными полотнами для гостиницы «Москва». В экспозицию «Триумф и идиллия» входят 8 эскизов для этих панно. Вместе они образуют единый текст- идиллический и триумфальный.
Собственная «легенда мира» Машкова, прославляющая природную роскошь бытия, звучит в унисон с основным руслом искусства 1930-х. Эпоха исторического оптимизма и грандиозных мечтаний нашла воплощение в праздничных, ликующих произведениях, игнорирующих сложные, драматичные стороны бытия и образующих утопию. Таковы сказочные полотна Н.Терпсихорова «Премирование», В.Васильева «Рабочие завода "Серп и молот" в гостях у танкистов». Обращение к широким массам делало необходимым ясность, доходчивость их языка (отсюда определение «реализм», хотя речь идет о мечте, преображенной реальности). Вера в будущее, ожидание близкого счастья сообщало этому искусству высокую энергетику, захватывающую эмоциональность, что наложило отпечаток даже на камерные произведения, казалось бы, удаленные от идеалогизации и остросовременной тематики (М.Яковлев «Бельгийский порт», Н.Чернышев «Портрет жены» и др.). Проект обращен к драматической и сложной эпохе, осмысление которой продолжается и сегодня. Искусство большой мечты было не только средством манипуляции массовым сознанием, но и способом выживания, выполняющим компенсаторную функцию, защищающим художника и зрителя от трагедий времени.
Машков был одним из создателей основных мифологем соцреализма: героя труда, новой женщины, светлого пути, эстетики изобилия и триумфов («Советские хлебы», 1936,ВМИИ). В то же время, в его работах неизменно на первый план выдвигаются некие вечные смыслы, мощь стихийных сил матери- земли.
Место художника в обществе, отношения искусства и власти, новаторство и традиции в культуре ХХ века, искусство элитарное и массовое, опыт сохранения профессионализма в крайне сложном культурном контексте - эти и другие вопросы составляют проблемное поле проекта.
Выставка организована при помощи Фонда по поддержке и развитию искусства IN ARTIBUS. Это уже не первый проект, связывающий Фонд и ВМИИ. В 2014 г. Фонд принял участие в виртуальной выставке «Машков в музеях мира», организованной ВМИИ. В 2015 г. работа из фондов ВМИИ была задействована в проекте Фонда «Борис Касаткин». В 2016 г. произведения из собрания ВМИИ были приглашены к участию в проекте «Поздний Машков…». Перед последней выставкой благодаря Фонду работы Машкова из волгоградской коллекции были отреставрированы, в их числе и знаменитый шедевр «Портрет художника А.И.Мильмана» (1916). Предоставленная Фондом возможность увидеть редкие полотна в рамках нынешнего проекта является подарком для всех волгоградцев.
Выставка представляет интерес как для знатоков искусства, творческого сообщества, так и для широкой зрительской аудитории.
Экспозиция будет работать с 27 октября до 19 декабря 2016 г. в Волгоградском музее изобразительных искусств имени И.И.Машкова по адресу: Волгоград, проспект Ленина,21. тел.(8442) 38-24-44, (8442) 38-01-91; (8442) 38-59-15

Русская коллекция
Произведения из фондов Волгоградского музея
изобразительных искусств им.И.И.Машкова
Выставка представляет шедевры отечественного искусства XVIII - начала XX вв. из фондов музея. Основу экспозиции составили живописные работы, она дополнена скульптурой, произведениями декоративно-прикладного искусства. Зрителю предоставляется возможность встретиться с работами А.П.Антропова, К.П.Брюллова, К.А.Коровина, И.К.Айвазовского, К.Е.Маковского, с которых начиналось в 1960 г. формирование коллекции музея. Украшением собрания стал щедрый дар Н.А.Арнинг-Зайцевой, вдовы известного московского коллекционера К.Ф.Арнинга, передавшей музею в 1980 г. 38 произведений. Среди них были подлинные шедевры, работы В.А.Серова, И.И.Шишкина, М.Ф.Ларионова, которые зритель также может увидеть на выставке. Фонды музея пополнялись за счет приобретений у наследников художников и у частных коллекционеров (А.К.Саврасов, «Распутица»).
Выставка дает возможность проследовать путями развития русского искусства во всем богатстве его жанрового разнообразия - от XVIII до 30-х годов ХХ века. Русское искусство XVIII в., стремительно обретающее профессиональную зрелость, представлено галереей портретных образов, отражающих пафос и напряжение освоения новых для России форм европейского искусства. Разнообразие типов портрета (камерный, полупарадный, парадный, мифологизированный) свидетельствует о горячем интересе к человеческой личности, ведь не случайно XVIII век называют «веком портрета». Произведения иностранных художников (П.Ротари, Я.Гроота) и их учеников («Портрет Е.С.Куракиной», созданный учеником Ротари, «Портрет Екатерины II» А.Антропова) соседствуют с портретом, близким к парсуне («Портрет морского офицера»), что демонстрирует многоукладность, полифонию, свойственную русскому искусству. Представление об искусстве второй половины века, эпохи Просвещения, о формирующейся Академии художеств дают портретный бюст М.В.Ломоносова, выполненный Ф.И.Шубиным и «Морской пейзаж» родоначальника русского пейзажа Ф.Алексеева.
Академическая традиция, достигающая расцвета в XIX в. и в большой степени определяющая художественную жизнь России нашла свое наиболее совершенное выражение в феномене Карла Брюллова. Его искусство представлено в коллекции картиной «Ангел и Пери», написанной на сюжет романтической поэмы В.А. Жуковского. Искусство Брюллова совмещало академический культ пластического совершенства, романтическую темпераментность и колоритность, интерес к восточной экзотике и достоверность пленэрных наблюдений. С Академией художеств оказалась связана вся жизнь одного из лучших портретистов начала XIX в., прекрасного физиогномиста А.Г.Варнека, творчество которого представлено «Портретом Тучниной». Романтическая концепция портрета, противопоставляющая обыденности потаенную богатую жизнь души, воплощена в «Мужском портрете», написанном неизвестным художником. Развитие пейзажа в XIX в. отразило движение от академической условности к романтическому преображению реальности и далее - к все более достоверному отражению ландшафта и поискам национального своеобразия. Ученик Ф.Алексеева, М.Воробьев стал наставником целой плеяды талантливых пейзажистов: М.Лебедев («Итальянский пейзаж»), Н.Чернецова («Вид на Гори»), И.Айвазовского («Штиль на море»), А.Боголюбов («Прибрежье океана»). Учеником К.Брюллова и А.Варнека был и один из самых известных отечественных мастеров натюрморта И.Хруцкий. Зарождение новой, московской линии развития русского искусства связано с творчеством В.А.Тропинина. «Женский портрет» был написан им в Москве 1844 г., вскоре после освобождения от крепостной зависимости. Его понимание портрета как изображения человека в его естественном облике и типичном душевном состоянии, в окружении реальной обстановки заложило основы нового этапа в развитии жанра.
Историческое полотно «Бегство болгар с Дуная» К.Филиппова является свидетельством нового понимания назначения искусства, ориентированного на познание современности и истории как судеб целых народов, формирующееся в середине 19 в. Картина запечатлела события Крымской войны, участником которых был сам художник.
Те же векторы движения к все более достоверному отражению реальности определили развитие культуры второй половины XIX в. Искусство демократического реализма «возвращало искусство народу», создавало произведения о жизни народа и адресовало их, прежде всего, народу. Центром притяжения новых художественных сил стало «Товарищество передвижных художественных выставок». Братья К. и В.Маковские, А.Саврасов, В.Якоби, с произведениями которых зритель может познакомиться на выставке, входили в число организаторов этого общества. В 1870-е гг. ведущую роль в работе передвижников играл бытовой жанр, ориентированный на этнографическую точность, порой несущий острое критическое содержание («Осужденный», В.Маковский). На выставке представлено произведение «Вечеринка у приказчика» одного из самых самобытных художников второй половины 19 в. Л.Соломаткина. Картины его, написанные смелою и выразительною кистью, проникнуты теплым поэтическим чувством и юмором. Высочайших успехов достигает психологический портрет («Портрет композитора Ц.А.Кюи» К.Маковского). Мощное развитие реалистического национального пейзажа было отражением напряженных исканий своего неповторимого пути, размышлений мыслящей части общества над тем, «что есть русское?». Жемчужинами собрания Волгоградского музея являются пейзаж А.Саврасова («Распутица»), И.И.Шишкина («Осенний лес»).
В выставках передвижников принимал участие и В.Серов, который, как и его друг К.Коровин, стал одним из преобразователей русского искусства на рубеже XIX-XX вв. Именно их ученики оказались художниками, открывшими эпоху модернизма в русском искусстве. Рубеж XIX-XX вв. – особая и значительная эпоха в судьбе отечественного искусства. Характер одной из самых ярких страниц в истории русской художественной культуры определяли поразительная многоликость, разнохарактерность творческих усилий. С повествовательности акцент переносится на эмоциональное звучание, что достигается с помощью композиционных и колористических средств: усиления декоративности цветового решения, динамичности и фрагментарности композиции. Содержание передается не столько развернутыми психологическими характеристиками, сколько воссозданием атмосферы истории как целостного «куска жизни». «Ищу от природы настроения и поэзии»,- признавался К.Коровин. Поэзия в самом простом и обыденном - вот что привлекает молодых мастеров. Именно лирический пейзаж, окрашенный неповторимым восприятием художника, несущий отпечаток всего богатства внутреннего мира становится преобладающим направлением на рубеже веков. Московская школа живописи дала целую плеяду прекрасных пейзажистов, среди них Л.Туржанский, П.Петровичев, А.Степанов, С.Жуковский В.Бялыницкий-Бируля.
Необходимость запечатлевать быстропреходящие состояния природы вызвали к жизни ранее небывалые методы работы. Произведения теперь не сочиняют в мастерской, пользуясь предварительными этюдами, а создают их непосредственно с натуры, стремясь максимально полно сохранить живое чувство непосредственного общения с природой. Работа наполняется динамикой: композиция лишается равновесия, цвет, свет приобретают напряженность, фактурная поверхность оживает, сохраняя стремительное движение кисти. Освоение открытий западноевропейского искусства: импрессионизма, постимпрессионизма и символизма происходило параллельно с поисками вечных основ бытия. Именно с началом ХХ века связано оживление интереса к русской истории, к культуре ушедших веков. Искусство «серебряного века» представлено произведениями А.Савинова, М.Ларионова, К.Горбатова, Н.Рериха. Каждый из них создал свою неповторимую художественную реальность. Их воля к обновлению художественного языка поддерживалась грандиозными мечтаниями, ошеломляющими своей смелостью и надеждами на преображение мира, предощущением грандиозных перемен, ожидающих Россию в ХХ веке.
За разнообразием ликов искусства и неповторимых художественных индивидуальностей стоят вопросы об устройстве мира, о сути и назначении творчества, о месте личности в истории.

В рамках проекта «Город в музее-музей в городе» действует небольшая экспозиция "Неромантический сюжет о Волгограде", которая делает более объемным представления о культурной жизни нашего города на протяжении 20 в.
Выставка предоставлена Волгоградской областной универсальной библиотекой им.М.Горького. 
В нее входит более 30 изданий (в том числе и раритетных) известных волгоградских авторов, в т.ч. И.Сазанова, Н.Отрады, М.Луконина, Б.Екимова, М.Агашиной, С.Васильева, В Мавродиева и др., а также книги, посвященные истории нашего города.
От всей души благодарим библиотеку, выступившую соорганизатором проекта!

Виртуальный выставочный проект «Зона особого внимания» посвящен памяти жертв трагедии в Беслане. Выставка включает произведения 1980-2010-х гг. художников Северного Кавказа из фондов Волгоградского музея изобразительных искусств им.И.И.Машкова.
В собрании ВМИИ есть небольшая коллекция работ, созданных мастерами, той или иной гранью своей биографии связанных с Северным Кавказом. Среди представленных художников есть представители разных поколений, для кого-то это родина, а кто-то- перебрался туда уже в зрелые годы.
Северный Кавказ- клубок культур, сложнейшее переплетение традиций- звучит в каждом из представленных произведений. Неизменными качествами, объединяющими очень разные работы, являются глубокая культура, внутренняя независимость, уважение к традиции, мощное жизнеутверждающее начало. Мастеров вдохновляют величие природы, ритмы музыки, древняя история, благородство человека. Это художники, ориентированные на разнообразие мира, его сложное устройство - порой катастрофически сложное.
Вспомним: 1 сентября 2004 г. во время торжественной линейки в школе №1 г.Беслана (Северная Осетия) террористы захватили в заложники 1128 человек, которых удерживали в тяжелейших условиях два с половиной дня. В результате теракта погибли 314 человек из числа заложников, из них 186 детей; всего же, включая спасителей, погибло 333 человека. 800 человек получили ранения.

Волгоградский музей изобразительных искусств имени И.И. Машкова
в преддверии Дня города представляет интерактивный выставочный проект
«ГОРОД В МУЗЕЕ-МУЗЕЙ В ГОРОДЕ»
Открытие 1 сентября в 17.00
Героем проекта является Волгоград- его история и жители, судьба и облик. Не секрет, что каждому художнику жизненно необходимо понять свой город и быть принятым им. В то же время работами творцов, их судьбами прирастает сам город. Художники и их искусство становятся частью культурного ландшафта. Пока рос и развивался музей, вместе с ним росла его коллекция, последовательно запечатлевшая образ нашего города, таким, каким он восхищал несколько поколений художников. Проект адресован всем, кто любит наш город, неравнодушен к его судьбе, хочет узнать его получше.
Частью фестиваля является выставка «Город в музее», представляющая более 100 произведений из фондов музея, созданных волгоградскими мастерами, начиная с 1920 и до 2000-х годов. Часть работ экспонируется впервые. В экспозицию входит живопись, графика, произведения декоративно-прикладного искусства художников разных поколений: Ф.И.Суханова, В.В.Стригина, П.Ф.Гречкина, Б.Г.Осикова, А.Н.Червоненко, В.А.Орловой, Н.Д.Пироговой, А.П.Легенченко, С.А.Щербакова, Н.Е.Черниковой, В.Н.Лосева, И.А.Бирюкова, А.М.Николаева, Ю.Б.Колышева, Н.А.Павловской, С.М.Зимана, Г.М.Зотова, В.Т.Коваленко и др. Это первая столь масштабная художественная ретроспектива, раскрывающая исторические, архитектурные, художественные аспекты жизни нашего города. Для нас особенно дорого, что многие из представленных авторов (например, А.Червоненко, С.Зиман и др.) были коренными сталинградцами, выпускниками Сталинградского художественного техникума, которые помнили город еще довоенным и, пройдя войну, вернулись, чтобы творить здесь.
На выставке мы встречаемся с такими раритетами, как ранние рисунки 1920-х гг., созданные известными живописцами Константином Финогеновым и Верой Орловой или  живописное произведение знаменитого керамиста Савелия Зимана. Выставка представляет работы мастеров, в творчестве которых город был главной темой. К их числу относится Н.Д.Пирогова, А.П.Легенченко, П.Ф.Гречкин, Б.Г.Осиков, В.Н.Лосев, Ф.И.Суханов, А.И.Бородин, А.М.Николаев и др. На выставке нет произведений отчужденных, холодных и, возможно, в этом и заключается наиболее значимое послание проекта для современного зрителя. Волгоград увиден сквозь призму любящего и заинтересованного взгляда художников. Оттого эти произведения несут не только ностальгическую ноту, демонстрируя, как выглядел наш город в 40-е, 50-е или 70-е, но и заново открывают для нас черты его характера. Художники видят широту его открытых пространств и уютные дворики, размах строек и прохладные аллеи, причудливо соседствующие деревянные избушки, овраги и торжественные сооружения в духе сталинского ампира, хрущевки и красавицу Волгу.
Этот проект не делает акцент на событиях Сталинградской битвы, без которых, безусловно, невозможно представить судьбу города, но которые уже не раз нашли отражение в крупных выставочных проектах последних лет. В его фокусе находится «мирная» история Волгограда. Еще и еще раз вместе с художниками мы можем удивиться чуду возрождения нашего особенного города. Произведения несут печать великого напряжения, энтузиазма, любви.
Выставка дает понять, насколько сильным был Волгоградский Союз художников уже в 1960-е гг., из каких поразительно разных и ярких индивидуальностей он был сложен. Объединяющим началом для них является теплота интонации, ориентация на достоверность изображения, любовное отношение к подробностям.
Свое особое видение города присуще фотохудожнику Леониду Топроверу, виртуальная выставка которого «Гормотив» стала частью фестиваля. Она включает фотографии, начиная с 1975 г. Быть может, кто-то из посетителей сможет увидеть и себя на его фотографиях.
В программу фестиваля включена богатая концертная программа. Представление о литературной жизни нашего города позволит получить коллекция изданий известных волгоградских авторов, предоставленная Волгоградской областной универсальной библиотекой им. М.Горького.  Цикл лекций познакомит с новыми исследованиями ученых, в центре внимания которых- различные аспекты бытия города. Творческие лаборатории, мастер-классы подарят возможность каждому ощутить себя строителем города своей мечты. Зрители смогут принять участие в фотоконкурсе "Счастье в городе", работе круглого стола «Музей в городе», праздничных акциях.
Проект «ГОРОД В МУЗЕЕ-МУЗЕЙ В ГОРОДЕ» - приглашение к путешествию в прошлое, повод прислушаться к себе и к пульсу мегаполиса.
Экспозиция будет работать с 1 сентября по 24 октября 2016 г. в Волгоградском музее изобразительных искусств имени И.И.Машкова по адресу: Волгоград, проспект Ленина,21.
тел.(8442)38-24-44, (8442) 38-59-15

Украшением проекта «ГОРОД В МУЗЕЕ-МУЗЕЙ В ГОРОДЕ» является виртуальная выставка известного волгоградского фотохудожника, создателя авторской школы фотографии, философа и знатока города Леонида Топровера. В его нынешний проект «ГОРМОТИВ» вошли более 160 фотографий 1975-2016 гг. Выставка является уже четверым по счету опытом сотрудничества мастера и музея.

Открытие 26 января в 17:30.
По многочисленным просьбам зрителей музей демонстрирует произведения великого труженика, художника- передвижника, первооткрывателя красоты русского леса, Ивана Ивановича Шишкина (1832—1898). В собрании музея находятся четырнадцать его произведений, тринадцать из них образуют небольшую экспозицию в рамках проекта «Русская коллекция». Зритель сможет увидеть четыре живописных этюда и девять графических работ. Часть этой небольшой коллекции поступила в музей в начале 1960-х годов при его формировании из Эрмитажа, Русского музея; часть же произведений пришла в собрание от частных коллекционеров в более позднее время; один из живописных пейзажей был передан в составе коллекции Н.А.Арнинг-Зайцевой, пополнившей фонды ВМИИ в 1980 г. Неслучайно любовь к Шишкину не ослабевает. В его ясном взгляде, очень здоровой философии чувствуется наличие прочного, надежного основания. Любовь художника к природе бесхитростная, народная. Шишкин искренне предпочитал русские пейзажи европейским, тосковал по родине в, казалось бы, увлекательных и необходимых художнику заграничных поездках. Примечательная надпись на одном из его этюдов: «раздолье, простор, угодья, рожь, божья благодать, русское богатство»- свидетельствует о том, что для него природные объекты приобретают характер нравственных ценностей. В интервью для “Петербургской газеты” 1893 г. Шишкин отвечал: «Мой девиз? Быть русским». Он чувствовал мощь, богатырство русской природы, для него русское- это сильное, великое. Да и сам он был богатырем. «Телесные силы были довольно достаточны, — писал о себе Шишкин, — я поднимал без всякой тягости одной рукой гирь на веревке десять пуд + характеру был тихого и миролюбивого». Его произведения сочетают в себе аналитический подход с масштабностью и эпическим размахом видения. При этом многие из работ Шишкина сосредоточены не на масштабе, просторе, мощи природы, а, напротив, на чем-то небольшом, на отдельных ее составляющих – травах, папоротнике, верхушках сосен и т.д.
Мастер Шишкин возродил в обществе интерес к сложной и богатой возможностями печатной графической технике офорта. Он не просто сам изготавливал доски, но и сам печатал офорты. Эти гравюры составляли обширные серии, «папки». В его печатных работах соседствуют различные приемы: мягкий лак, акватинта, сухая игла. В мае 1873 г. И.И.Шишкин подготовил и сам напечатал первый альбом офортов, включавший 11 листов, выпущенный в качестве премии «Общества поощрения художников». Следующие две папки выходят в свет в 1878 и в 1886 годах. К этому периоду относятся офорты «Девушка с коровами на опушке леса» (1873), « Охотник на болоте» (1873), «Лес» (1876). Графические пейзажи «Берег реки» (1886), «Три дерева» (1887), «Деревня на склоне горы» (1898), выполненные в технике офорта- редкие по силе и виртуозности рисунка. Материалом для граверных произведений служили его многочисленные натурные рисунки, один из которых представлен на выставке. Утонченный, острый и при этом эмоциональный рисунок отличает Шишкина от товарищей по жанру. Он не расставался с карандашом, и повсюду делал наброски всего, что ему казалось интересным, будь то изломанная ветка дерева, облака или засохший лист. «Пейзажист — истинный художник, он чувствует глубже, чище», - так Шишкин определил задачи художника, пишущего природу. Знаменательно, что эта небольшая выставка шедевров великого мастера открывает программу музея, приуроченную к Году Экологии.
Экспозиция работает с 26 января по 27 марта 2017г. в Волгоградском музее изобразительных искусств имени И.И. Машкова по адресу Волгоград, проспект Ленина, 21. тел.: (8442) 38-24-44, 38-59-15.

В музее работает выставка "Зимняя фантазия", представляющая творческие работы учащихся Детской школы искусств №5 и посвященная 30-летию школы.
Мы от души поздравляем наших друзей и коллег, радуемся появлению новых поколений художников.

Против кича. Произведения народного искусства и традиционных промыслов из фондов ВМИИ (в рамках фестиваля «Ваши планы на Рождество?»)
23 декабря состоится открытие выставки «Против кича», посвященной русскому народному искусству и традиционными промыслам XVIII-XX в. из собрания Волгоградского музея изобразительных искусств им. И.И. Машкова. На выставке будут представлены резьба и роспись по дереву, художественная обработка металлов, народная игрушка, ткачество и вышивка.
Название «Против кича» отражает сверхзадачу выставки – погружение в мир народного искусства как целостную реальность, несущую эмоциональное и ценностное отношение человека к бытию. Народное искусство созвучно миропорядку крестьянского уклада, потому каждый предмет, каждый элемент здесь неслучаен, передаёт гармонию практического назначения вещи и её художественного воплощения, а декоративное оформление не является самоцелью, а выполняет обереговую или заклинательную функцию. Солярную символику, знаки плодородия хранят многие предметы из собрания ВМИИ.
Мотивы славянской мифологии раскрывает декор крестьянского дома, представленный в экспозиции деревянным наичником и фризом, чью поверхность украшают образы добродушного льва, русалки, птицы-Сирин.
Прялки, пряничные доски, разнообразные предметы деревянной утвари дают представление о праздниках и обрядах, связанных с трудовой и семейной жизнью.
Прославленные ремесленные центры представлены подносами из Жостова, росписями Хохломы, керамикой Гжели, деревянной и глиняной игрушкой.
Многие из произведений, составляющих нынешнюю экспозицию давно не экспонировались; так будут показаны предметы народного костюма, женские и девичьи головные уборы, украшенные золотным шитьём, речным жемчугом, перламутром и бисером.
В рамках работы выставки и Рождественского фестиваля можно будет посетить мастер-классы, лекции, концерты.
Экспозиция будет работать с 23 декабря по 13 марта 2017г. в Волгоградском музее изобразительных искусств имени И.И. Машкова по адресу Волгоград, проспект Ленина, 21. тел.: (8442) 38-24-44, 38-59-15.

Без шумных празднеств миновал 130-летний юбилей великого художника, чья скромность и неприятие позы вошли в пословицы, ученика И.И.Машкова, участника «Бубнового валета» Роберта Рафаиловича Фалька (15(27) 1886-1.10.1958). В собрании ВМИИ находятся 32 его произведения; 6 из них будут представлены зрителям в пространстве интерактивной экспозиции «Мастерская Машкова». Мудрец с грустными глазами и извиняющейся улыбкой, он стал духовным лидером для нескольких поколений художников, причем равную роль в этом сыграли и качество его художественного наследия и сам опыт его проживания жизни.
Судьба его сложилась крайне нетипичным для советского художника образом, его искусство менялось в соответствии с его собственной логикой развития, минуя компромиссы. В юности он собирался стать музыкантом и сохранил эту любовь на всю жизнь, играл на фортепиано, был дружен с музыкантами, своих учеников учил слушать музыку жизни. В 1910-е был участником модернистского объединения «Бубновый валет», в 1920-е- стал любимейшим преподавателем Вхутемаса, с 1928 по 1937 он жил и работал во Франции. К парижскому периоду относятся три из представленных работ.
В их числе и впервые демонстрирующийся пронзительный по силе портрет умирающего Адольфа Мильмана- также ученика Машкова и участника «Бубнового валета». «Портрет художника Адольфа Израилевича Мильмана», написанный тринадцатью годами ранее, в 1916 году Ильей Машковым- один из шедевров Волгоградского собрания. Его можно отнести к лучшим портретным работам во всем машковском наследии, что, думается, вряд ли состоялось бы, если бы не особые качества самой портретируемой натуры. В нем величие и благородство, остроумие и красота, хрупкость и внутреннее горение творческого духа. В Париже Мильман оказался в надежде на избавление от неизлечимой болезни, вскоре приведшей его к полной неподвижности. Там он, не взирая на бедственное положение, продолжал участвовать в выставках, сохранял интерес к жизни. Для Мильмана посещения Фалька, его рассказы и работа над портретом были большим развлечением. Фальк отмечал присутствие духа, мужество, которое не покидало Мильмана и его родных. Он восхищался преданностью и любовью его жены, которая придумала способ общения с мужем, когда тот потерял возможность говорить, но сохранял полную ясность сознания. «Для его окружающих такая жизнь с ним громадный подвиг»,- писал Фальк. Безграничное страдание, острая, мучительная боль, смирение и достоинство перед лицом смерти стали основным содержанием портрета, созданного Р. Фальком. Мильман умер в январе 1930 года, Фальк был на его похоронах. Работа была подарена музею вдовой Фалька А.В.Щекин-Кротовой в 1989 г. в память о том, машковском портрете. Фальк говорил неоднократно о стремлении «довести лицо до лика», смысл его работ выходит далеко за рамки конкретной ситуации, приобретая общечеловеческий характер. Потому и портрет умирающего художника сообщает нечто глубоко сокровенное каждому из нас.
Работы Фальк, экспонированные в 1962 г., уже после смерти художника на знаменитой выставке в Манеже, посвященной 30-летию МОСХа, вызвали безудержный гнев Хрущева. В их числе была и картина «Обнаженная» (1922), карандашный эскиз к которой входит в нынешнюю экспозицию. В ней, как и в более раннем эскизе к картине «Красные дома» еще звучат отголоски кубизма. Через постижение кубизма, принципов Сезанна, в 1930-е гг., во время пребывания во Франции Фальк подошел к своей собственной системе, которую обозначил как «система живописной непрерывности», где поверхность холста представляла собой единое целое, а перепады напряженности являлись метафорой внутренней жизни героя, движения его духа. Всю последующую жизнь он последовательно усложнял и совершенствовал свою систему.
Его искусство опиралось на тщательное обдумывание, множество эскизов и набросков. Так появлялось множество графических работ. При точности, правдивости жизненных впечатлений, его акварельные и карандашные портреты («Девушка в красном», «Женщина с каштановыми волосами», 1930-е)- не натуралистические, а уже претворенные образы; «художник ничего не изображает, он творит»,- говорил Фальк. Человек неотделим от среды, пронизанной едиными с ним ритмами. Невероятно сложная и разнообразная техника отражает многослойность подспудных процессов жизни.
Сформировав образ в сознании, художник приступал к живописи маслом, эта крайне напряженная работа могла продолжаться годами. Своих учеников Фальк учил прежде всего ответственности, высокой требовательности к себе, каждый мазок должен быть глубоко осмысленным. Он счищал подсохший красочный слой, наносил новый, добиваясь единства всего красочного полотна. Один красочный слой сквозил, прорывался через другой. «Я же не коллекционирую свои холсты, я ищу правильное решение»,- повторял мастер. Живопись Фалька отражала как процесс постижения художником характера героя, так и сам процесс становления личности, постоянного движения жизни, взаимопроникновения души, вселенной и времени. Оттого его живопись обладает способностью всякий раз открывать для зрителя новые смыслы. Он добивался того, чтобы на его холстах создавалась «новая реальность», драгоценная материя цвета, обнаруживающая новые стороны действительности. «Откровенно говоря- я реалист»,- признавался Фальк.
Направление его поисков радикально отличалось от задач социалистического реализма. Несмотря на то, что после возвращения на родину в 1937 г. Фальк практически не выставлялся, избрав путь отшельника, авторитет его был огромен. Фактически, его пример сформировал тип художника-нонконформиста, широко воспроизведенный уже в следующих поколениях позднесоветской интеллигенции.
В 1946-1947 гг. Фальк был объявлен официальной критикой «формалистом». Его произведения не приобретались, найти работу было практически невозможно. Именно в это время его мастерство портретиста, основанное на мудром понимании человеческой сущности, достигает высочайшего расцвета.
На выставке представлен поздний шедевр Р.Р.Фалька «Портрет художника А.В.Куприна» (1946), запечатлевший его товарища по «Бубновому валету». Роберта Фалька и Александра Куприна связывала долгая и нежная дружба, еще с гимназических времен. Известно, что именно встреча с Куприным, который стал заниматься живописью в мастерской Юона, повлияла на выбор пути Фальком. Их многое сближало, в том числе и игра на фортепиано в четыре руки. Их мастерские были рядом. Интересная деталь: несмотря на дружбу, пронесенную через всю жизнь, они продолжали обращаться друг к другу на Вы. Портрет Куприна стал единственным реализованным портретом из задуманной серии взаимных портретов бубнововалетцев. Долгое позирование до крайности тяготило деятельного Куприна, и серия не получила продолжения. Образ Куприна решен в рембрандтовской традиции (что было редкостью для искусства того времени). Это сходство усиливается скрытым горением цвета, подобным тлеющим под пеплом углям, мотивом мучительно-трудного выявления одинокой фигуры из мерцающего, одушевленного пространства. Думается, учитывая душевную близость автора и модели, едва ли Фальк не наделил некоторыми автопортретными чертами портрет друга. Чего более в облике и взгляде старого художника: беззащитной хрупкости, горького прозрения, отчаяния, стоической отваги перед закрывающимся занавесом, упорной веры, взыскания ответа на вечные вопросы? Каждый раз ответ разный.
«В искусстве самое важное не метод, а личность»,- писал Фальк ученикам. Все, кто сталкивался с ним, вспоминали о нем с нежностью. Вспоминали его любовь к поэзии и постоянную жажду кого-то опекать. «Это был высокий немолодой человек со светлыми глазами под очень толстыми стеклами очков. Поражало выражение грустного спокойствия, в улыбке чувствовалась добрая горечь. Был он немногословен, говорил тихим голосом, довольно медленно, очень внимательно слушал собеседника. Одет он всегда был более чем скромно. Но странное дело, самая ординарная лыжная куртка выглядела на нем как модель от лучшего портного, потому что во всей его осанке, манере держаться, в особой, только ему присущей сдержанности была своя скромная изысканная элегантность. В нем не было ничего показного, ничего эффектного, ничего от внушительной повадки «мэтра»,- пишет А.М.Коган.
«Однажды я встретила его, влекущегося по улице,- вспоминала Т.Сельвинская- Он читал книгу, держа ее близко от глаз. Он двигался по тротуару и мостовой, перебирая ногами, как ластами, а машины и люди огибали его. Серая вязаная шапочка и длинное «сутулое» пальто, и ветхие бархатистые страницы. На лице- не покидавшая его блаженная улыбка. Он читал на ходу спокойно и не торопясь, его мир был всегда с ним, окружающее не мешало ему… Все в его картинах, творец и творение, переливались один в другое… Удивительной была его жизнь, без суеты, без зависти, без позы- истинная жизнь художника».

Открытие 8 июня в 17:00.
В год экологии волгоградскому зрителю предоставляется возможность увидеть более 100 произведений живописи, скульптуры, графики, декоративно-прикладного искусства из собрания ВМИИ, темой которых являются флора и фауна. Царства растений и животных- самые первые, ближайшие к человеку миры, важнейшие стихии, с которыми он столкнулся в древности и начал запечатлевать их в искусстве. И в сегодняшних произведениях их образы продолжают нести символический подтекст, подкрепленный тысячелетней традицией. При этом всякий раз обращение художника природе- это открытие, несущее изумление, восхищение, любование. Для художника же это проверка на способность чувствовать, видеть, сопереживать. Тема выставки- встреча, таинственное взаимодействие двух миров – космоса живой природы, каждая малая часть которого- самостоятельный и прекрасный мир- и людского мира, творческой личности, их взаимообусловленность, перетекание одного в другой.
В экспозицию вошли самые добрые и чистые произведения- пейзажи, натюрморты, работы анималистического жанра, созданные как старыми западноевропейскими, так и отечественными художниками 20 в. Среди них создания таких прославленных мастеров-анималистов, как В.Ватагин и наш земляк С.Зиман. Рядом с ними- пейзажи ведущих отечественных мастеров 20 в.: П.Кончаловского, А.Мыльникова, Е.Моисеенко, Е.Зверькова, Н.Андронова, натюрморты В.Орловой, О.Зардаряна, Ю.Ларина. Украшением проекта являются цветочные натюрморты М.Машкова и его героический «Репейник»- символ стойкости и жизненной силы. Значительная часть работ, посвященных красоте наших краев, была создана волгоградскими художниками: В.Лосевым, Б.Осиковым, М.Пыштой, Ф.Сухановым, И.Романовым, В.Тихоновым, С.Щербаковым, В.Юнаком, В.Горским, В.Коваленко, Т.Потокиной, Р.Паранюшкиным и др. Среди впервые экспонируемых произведений оказалось особенно много бесконечно трогательных анималистических графических работ: ксилографии московского графика В.Фролова, посвященные лесным детенышам, литографии Н. Гликмана, В.Бегмы. Для отечественной анималистики в целом присуща способность воспринимать животное его не отстраненно, а сопереживая.
Природа открывает в художнике лучшие стороны его личности. Проект «Флора и фауна», пронизанный любовью к природе и к искусству, адресован и взрослым, и детям. На выставке соседствуют произведения реалистические и условные, этюдные и концептуальные, философские и лирические, исповедальные и иронические. Здесь сосуществуют натурный и романтический подходы, уживаются различные направления. Выставка демонстрирует великое разнообразие художественных техник и материалов (мрамор, дерево, фарфор, чугун, керамика, шелкография, гравюра на меди, акварель, масляная живопись, офорт, ксилография, литография, рисунок), что делает ее интересной и для профессионалов, и для молодежной аудитории, изучающей искусство. Огромный интерес представляет возможность проследить за рождением художественного образа- от беглых зарисовок и пленэрных этюдов до законченного произведения. Богатство представленной флоры и фауны несет обилие информации для тех, кто влюблен в природу. Посетитель музея вместе с художниками сможет совершить воображаемую прогулку по прекрасному саду, наполненному цветами и светом, перенестись в лесную глушь, оказаться в степи и в горах.
Изображение природы требует от художника остроты восприятия и памяти, совершенного знания природных форм и способности к сопереживанию. Гениальному скульптору- анималисту Василию Ватагину принадлежат слова: «С глубоким чувством изумления, уважения и любви смотрю я на мир животных. Всякий, кто наблюдал животных, имел с ними дело, кто с добрым вниманием относился к ним, тот знает, как разнообразны их эмоции, как выразительны их чувства радости и огорчения, ласки и обиды, злобы, тоски или самоотверженного чувства материнства. Как художник я преклоняюсь перед природным миром- мощным проявлением красоты…». Важнейшая задача искусства, воплощающего образы природы - стать эстетической силой, воздействующей на людей, воспитывающей в них сочувственное, разумное отношение к живой природе.
Открытие выставки в 8 июня в 17:00.
Адрес: Волгоград, проспект Ленина, 21. Экспозиция будет работать с 8 июня по 3 сентября 2017 г. в Волгоградском музее изобразительных искусств им. И.И.Машкова по адресу: Волгоград, проспект Ленина, 21. тел.(8442) 38-24-44, (8442) 38-59-15

Выставка посвящена 10-летию клуба народной куклы «Крупеничка», действующему при ВМИИ им.И.И. Машкова. За прошедшие годы его участницы, в плане творческого роста, проделали большой путь от простейших куколок до сложных авторских работ, требующих глубоких знаний традиционной народной культуры, различных техник изготовления кукол, творческой фантазии и высокого мастерства.
Истоки клуба уходят в 2003 год, когда интерес к народной кукле только пробуждался и в ВМИИ стали проходить мастер-классы по теме: «Русская тряпичная кукла» педагога Елены Вернидубовой из Камышина, ныне народного мастера России. В течение трех лет на курсах по народной кукле обучилось свыше 100 человек. Самые увлеченные объединились в клуб и придумали ему многозначное название «Крупеничка» (кукла Крупеничка, легенда о Крупеничке и знания, собираемые по крупинкам).
Участники клуба серьезно занялись изучением технологией изготовления народных кукол различных регионов России, выезжали на семинары, посещали творческие мастерские, полученными навыками делились с остальными мастерицами. Для проведения мастер-классов в музей приглашались известные мастера куклоделия из Кирова, Санкт-Петербурга, Череповца, Челябинска, Москвы и других городов. Большим другом клуба стала народный мастер России И.В. Агаева (г.Тула), которая провела цикл мастер-классов по материалам этнографических экспедиций Тульской и Калужской  губерний. Несколько своих работ она любезно предоставила для экспонирования на юбилейной выставке «Крупенички».
Последние четыре года клуб сотрудничает с мастером из Камышина, членом Творческого Союза России Т.А.Сюсиной, автором культурно-образовательного проекта «Мастерская семейного творчества «Дмитровская игрушка». Под ее руководством участниками клуба было создано несколько тематических выставочных коллекций: «Петр и Феврония», «Как царю невесту выбирали», «Христославы», «Сказки А.С. Пушкина» и другие, которые успешно демонстрировались в Камышине, Волгограде, Москве. Большинство из этих работ будет представлено в нашей экспозиции.
Мастера клуба «Крупеничка» ведут активную просветительскую работу, постоянно участвуют в районных, городских, областных, всероссийских и международных выставках и фестивалях, где всегда получают высокие оценки своему творчеству, становятся Лауреатами и Дипломантами. Работы мастериц клуба «Крупеничка» находятся во многих странах мира.
Своими знаниями участницы клуба щедро делятся с детьми и взрослыми, желающими изучать русскую традиционную культуру.
Для мастериц клуба кукла стала счастливым талисманом, помогающим жить, творить, сохранять в любых ситуациях хорошее настроение, поэтому юбилейная выставка клуба названа «Волшебный талисман».
В выставке примут участие 15 мастериц, будет представлено свыше 250 работ, широкий спектр различных по значению кукол: обрядовые, обереговые, игровые, этнографические и авторские, созданные в течение десятилетия. Один из разделов экспозиции познакомит зрителей с работами преподавателей, в разные годы проводивших мастер-классы для участниц клуба. На протяжении всей работы выставки предполагается проведение мастер-классов от клуба «Крупеничка», музейные занятия «Волшебный короб», интерактивные занятия, традиционный «Праздник Петра и Февронии».
Экспозиция будет работать с 1 июня по 3 сентября в Волгоградском музее изобразительных искусств им И.И. Машкова по адресу:
Волгоград, проспект В.И.Ленина,21, тел. :(8442) 38-24-44, запись по тел. 38-59-15.

С 20 мая по 4 июня впервые волгоградский зритель в формате "выставка в выставке" сможет познакомиться с одним из произведений Элия Белютина. Эти работы передала Волгоградскому музею изобразительных искусств его жена Нина Молева в конце 2012 г. Картина "Ма-а-ама!", представляемая вниманию зрителей, ярко воплощает художественные принципы знаменитого нонконформиста и теоретика искусства, автора уникальной педагогической системы, поэта и критика, коллекционера и борца за свободу творчества, основателя направления "Новая реальность".
Значимо, что своим искусством с 1950-х гг., Э.Белютин восполнял лакуны, сращивал разорванную ткань искусства, претерпевшую изъятие авангардизма. Открытия русского и европейского авангарда для него так же необходимы и остросовременны, как и русская академическая традиция, ренессанс и иконопись. "Ма-а-ама!"- точная и богатая смыслами метафора любви, жертвенности, восторга, нежности и захватывающего масштаба соприкосновения двух миров- родных, но уже вполне различных.
Нина Михайловна Молева, знаменитый искусствовед, критик, журналист, выполняя волю своего супруга художника Элия Белютина, передала в дар Волгоградскому музею изобразительных искусств 6 его живописных и 9 графических произведений, а также книги, посвященные его графическому и поэтическому творчеству. "Это дар Сталинграду от нас обоих - старшего и младшего лейтенантов, прошедших войну",- сказала Нина Михайловна, предавая ВМИИ произведения конца 1940-х-1990-х гг.
Элий Михайлович Белютин умер 27 февраля 2012 г. Ему было 86 лет. Событий его жизни хватило бы на десяток судеб. Сухой перечень фактов читается как захватывающий и удивительный роман, где нашлось место драмам и победам. В 1962 г. его вместе с учеников пригласили принять участие в знаменитой выставке в Манеже, посвященной 30-летию МОСХа. Благодаря тому скандалу, который разразился во время посещения залов белютинцев Никитой Хрущевым, эта выставка и осталась в истории. От нее сегодня отсчитывают начало застоя, ею заканчивается оттепель.
Потомок итальянских музыкантов Белуччи и княжеского рода Курбатовых Элий (полное имя Элигий) Белютин родился в Москве 10 июня 1925 г. После расстрела отца в 1927 г. был депортирован в "эшелоне лишенцев" под Дюшанбе. Эшелон был высажен в степи, вдали от населенных мест, мальчика с матерью взял в свой дом один из басмачей, там они прожили до 1931 г. В 1931 г. Э.Белютин вернулся в Москву, занимался музыкой, увлекался техникой, позже генетикой. Первые уроки живописи он получил у М.В.Нестерова, затем у А.В.Лентулова, от которого унаследовал многие принципы. На всю жизнь он сохранил этюдник Нестерова и палитру Лентулова.
Ушел добровольцем на фронт в июне 1941 г. Был награжден Орденом Красной Звезды, участвовал в битве под Москвой, был ранен. В декабре 1941 г. принял участие в выставке в ГМИИ им. Пушкина "Московские художники и война". Потом был снова фронт и тяжелая контузия. После госпиталя, в 1942 г. - учеба в Художественном институте им. Сурикова, неоднократные выезды в прифронтовые полосы.
Уже будучи студентом, стал исследовать творчество и педагогический метод Чистякова. После института продолжил занятия в творческой аспирантуре под руководством П.Кузнецова и Л.Бруни, в это время он много общался с великим авангардистом В.Татлиным. Результатом работы в аспирантуре стала "серия обнаженных". После окончания института Белютин занялся созданием собственной творческой студии. В 1947 г. вступил в Союз художников.
В 1948 г. его искусство стали подвергать критике, называя "свившим гнездо формализма". Белютина обязывают отчитываться работами, демонстрирующими "перевоспитание в духе соцреализма". Вскоре происходит исключение из членов МОСХа. Художник уезжает в Ленинград, где живет в мастерской Н.Альтмана. С 1949 г. продолжил занятия в аспирантуре. 1951 г.- обвенчался с Н.Молевой. Свидетелями свадьбы были Павел Кузнецов, Сарра Лебедева. 1953- защита диссертации по Чистякову на Ученом Совете Академии художеств СССР. Организовал вместе с Молевой выставку "Чистяков и его ученики".
В 1954 г. был организован в составе Всесоюзного института повышения квалификации руководящих работников полиграфической промышленности СССР "белютинский факультет". К 1962 г. число занимающихся с Белютиным достигло 3000 человек. В основе белютинской системы обучения лежала "теория всеобщей контактности" (одноименная книга была издана в 1991 году), трактующая искусство как главное средство духовной компенсации в конфликте человека с окружающей средой.
Э.М.Белютин стал автором многих учебных пособий по рисунку, живописи. Вместе с Н.Молевой на протяжении многих лет он работал над систематизацией и изучением истории педагогической системы русской Академии художеств.
1958 г.- присоединение к "белютинскому факультету" "деревенщиков" (В.Астафьев, Е.Носов, Ю.Гончаров, Р.Казакова, Н.Матвеева и др.). Постоянное посещение ими занятий вместе с молодыми научными сотрудниками НИИ физики АН СССР. С 1958 г.- организация летних "творческих колоний" студии. С 1954 г. Белютин преподавал в ряде московских вузов, в том числе Полиграфическом, Текстильном. С 1957 г.- участие в зарубежных выставках. С 1962 г. - участие в постоянной экспозиции Галереи Ламбер (Париж).
С 1962 г. проходит большое количество выставок "Новой реальности". После скандального посещения выставки "Новая реальность" Хрущевым 1 декабря 1962 года, в газете "Правда" был опубликован разгромный доклад, послуживший началом кампании против формализма и абстракционизма в СССР. После выставки в Центральном доме кино "белютинский факультет" был официально закрыт. По ходатайству Петра Капицы разрешается показ летних работ в помещении Литературного института. После открытия выставка интервью Белютина с иностранными журналистами, все работы были выброшены на снег, помещение опечатано. 1963 г.- увольнение Белютина со всех мест работы, запрет преподавать, печататься, выставляться, выходить на закупочные комиссии.
1964 г. - начало занятий- семинаров "Новой реальности". Включение работ Белютина в коллекцию Национального музея современного искусства Франции (ныне- центр Помпиду). В 1966 г.- полностью разрушена мастерская Белютина в Абрамцеве. С 1966 г.- регулярные выставке в Абрамцеве: частично в мастерских, частично- под открытым небом. 1967 г.- Белютин награжден премией Парижской Биеннале. Участие в выставках в Италии. Избрание членом Итальянской Академии современного искусства. Отмечен премией Монтекаттини и Большой медалью. 1970 г.- Присуждение "Премии Дженнаццано", Большой Золотой медали "За выдающиеся достижения и деятельность, имеющую международное значение". Сожжены дом и мастерская в Малаховке. С 1971 г. - регулярное участие в выставках в Италии и Франции.
1972 г. работа художников "Новой реальности" над генеральным планом Москвы, разгром их мастерских, уничтожение проектов.
1974 г.- открытое письмо членов "Новой реальности" в ЦК партии с требованием изменения культурной политики.
1976 г.- выставка в США. 1977 -1984 гг.- регулярные персональные выставки в Италии.
1988 г.- отбор картин художников "Новой реальности" для собрания Третьяковской галереи. 1989 г.- создание фильма про "Новую реальность".
1980-2010 гг.- ежегодно проходят десятки выставок в странах Европы и США. Художник дает уроки для сложившихся мастеров в Вудстоке, Провиденсе, Аннандайлен-на-Гудзоне.
На протяжении всей жизни Элия Белютин продолжал работать, разрабатывая собственную теорию контактности и свое направление "Новой реальности", вместо подсознания предлагая опираться и адресоваться к надсознанию.
С картиной Э. Белютина можно познакомиться в Волгоградском музее изобразительных искусств им.И.И.Машкова (пр. Ленина, 21) в пространстве экспозиции "Принцип женственности".

Открытие 16 мая 2017 г. в 18:00
На выставке зритель увидит 8 живописных произведений, созданных известным волгоградским художником Владиславом Ковалем. Их можно отнести к результатам философского осмысления художником духовной истории человечества, судьбы России и нашего города. Среди представленных работ – произведения, уже получившие широкую известность- «Сталинградская мадонна», «Кто с мечом», «Евангелие», «23 августа 1942 года- Сталинград», «Твердь евангелистов».
Владислав Эдуардович Коваль окончил Московский полиграфический институт в 1976 году, Член Союза художников России с 1981 года. Сегодня он является признанным художником-графиком, специалистом в области книжной графики, плаката, почтовой миниатюры. Он внес значительный вклад в разработку региональной и муниципальной символики (гербов, флагов, эмблем, знаков, орденов и медалей). В.Коваль ведет Активную творческую и Выставочную деятельность. Кроме участия в традиционных общероссийских и региональных выставках, постоянно проводит персональные выставки. Является автором двух новых направлений в изобразительном искусстве "Т-Арт" и "Ювелиризм".
В.Коваль- непревзойденный мастер почтовой миниатюры. С 1973 года Коваль В.Э. стал сотрудничать с книжными издательствами г.Москвы: "Малыш", "Детлит", "Морфлот", "ДИЭСПО". Художник разработал свыше 100 эмблем для различных учреждений и общественных организаций Волгоградской области, среди них: Авиакомпания "Волга", завод "Красный Октябрь", - "Диамант", «Царицынская опера», "Столия" ансамбль старинной музыки "Конкордия", "Волгоградский ОБЛСОВПРОФ".
При активном личном участии Коваля В.Э. ведется большая работа по пропаганде деятельности местных творческих союзов, достижений культуры и науки, традиций и обычаев народов, населяющих Волгоградскую область: оформлено свыше 400 книг местных авторов, более 200 плакатов и афиш, каталог "Художники Волгограда".
В 2008 году Владислав Эдуардович стал лауреатом Государственной премии Волгоградской области в сфере изобразительного искусства. На XI межрегиональном фестивале " Святая Русь" в 2009 году в номинации изобразительное искусство он стал лауреатом I степени.
Художник активно работает в области станковой живописи. Его работы образуют поливариантные композиции, которые сам автор называет трансформерами. С некоторой частью открытий мастера зритель сможет познакомиться на данной выставке.
Выставка «ВЛАДИСЛАВ КОВАЛЬ. ЖИВОПИСЬ» будет работать с 16 мая до 4 июня 2017 г. в выставочном зале Волгоградского музея изобразительных искусств им.И.И.Машкова по адресу: Волгоград, ул. им. Маршала Чуйкова, 37.
Время работы выставочного зала 11:00-19:00, в четверг 12:00-20:00, выходной понедельник
тел.(8442)38-24-44, (8442) 38-59-15; 24-16-79

Открытие 4 мая 2017 г. в 17:00.

Выставка знакомит с произведениями гениального представителя поколения шестидесятников- Виктора Ефимовича Попкова. Он стоял у истоков «сурового стиля», но быстро вышел за его пределы. Он двигался своей дорогой, минуя каноны и образцы. Сегодня его наследие получило мировое признание как одна из вершин русского искусства.
Названием проекта послужило любимое выражение художника «трагичность радостная», которое наиболее точно определяет его творчество, пронизанное грустной радостью жизни. Судьба Виктора Попкова оказалась созвучна судьбам многих шестидесятников- тех, кому «оттепель» дала возможность раскрыть свое творческое «Я», и кто так и не успел договорить - возможно, самого главного.
На выставке будет представлено 16 произведений художника из фондов ВМИИ, 14 из которых будут демонстрироваться впервые. Основой экспозиции станут два живописных шедевра Попкова «Белая лошадь» и «Майский праздник». Не так давно, в 2014 г. они принимали участие в масштабном межмузейном выставочном проекте «Виктор Попков», который был реализован в Москве, Венеции, Лондоне. Эти работы, составляющие гордость волгоградской коллекции, можно определить как важнейшие звенья в развитии художника. Картина «Белая лошадь» была создана мастером в 1961 году, и по определению искусствоведов, стала предвестием задумчивого символизма, под знаком которого развивалось искусство 70-х. В ней автор «умаляет» живопись почти до графики и достигает предельной драматической выразительности. Натурные впечатления здесь обобщены до символа.
Эволюция художника была стремительна. За относительно короткий период им был пройден огромный путь творческих, жизненных и философских исканий. Виктор Попков видит человека и жизнь сложными. «Нужно тоньше воспринимать жизнь. В ней ничего в «лоб», а все проще и сложнее»,- писал он. Его символико-психологический язык достигает гениальной ясности в картине «Майский праздник». Картина была написана в 1972 году, за два года до трагической гибели художника.
Сквозь быт, повседневность просвечивают иные пласты- философские, психологические, нравственные, вечные. Он создает одухотворенную живописную ткань, где сюжет не исчерпывает всех смыслов, предметы и сложные перепады цвета– приметы тончайших движений души, движения бытия. Материя и дух, надежда и горечь, мечты и воспоминания, жизнь и смерть в его живописи связаны воедино. Попков писал, что ему хочется в картинах «наряду с конкретным выразить нечто неясное, духовное, недосягаемое». «Майский праздник»- одно из наиболее глубоких по замыслу произведений мастера, освещенное верой в духовное возрождение России.
На выставке впервые будут показаны два живописных портрета и 12 графических работ, выполненных художником в начале 60-х годов. Среди них несколько рисунков из серии «Хельсинки», созданных Попковым во время его пребывания в Финляндии на Фестивале молодежи и студентов в 1962 году, а также пейзажи, выполненные гуашью во время многочисленных поездок по стране. Они в той же мере, что и живопись, определены пронзительной искренностью автора, способностью вслушиваться в жизнь и сопереживать.
Экспозицию дополнят фотографии и тексты, позволяющее прикоснуться к судьбе мастера и его времени.
Приглашаем на выставку поклонников В.Е.Попкова и всех желающих побольше узнать о творчестве мастера.
Экспозиция будет работать с 4 по 28 мая включительно в Волгоградском музее изобразительных искусств имени И.И. Машкова по адресу:
Волгоград, проспект Ленина,21.
Тел, (8442) 38-24-44, запись на экскурсии по тел.38-59-15.

Южное Региональное отделение Российской Академии художеств
Волгоградский музей изобразительных искусств им. И.И.Машкова 
представляют выставку
«ЮЖНЫЙ НРАВ»
открытие 28 апреля в 17:00
Выставка представляет более 100 новых живописных и скульптурных работ, созданных художниками Южного федерального округа. В экспозицию войдут работы известных мастеров, живописцев и скульпторов, творчество которых уже получило признание. Среди экспонентов- Заслуженные художники Российской Федерации Игорь Ребров и Олег Игнатов; Почетный член Российской Академии художеств, Заслуженный художник РФ Сергей Исаков и другие члены Южного регионального отделения Академии художеств. Разнохарактерные, разножанровые работы объединены мощной энергетикой, раскованностью, яркостью эмоций и чувством юмора. В них звучат солнце юга, степные ветра, буйная динамика растительности, отголоски непростых исторических перепетий и реалии сегодняшнего дня. В их основе – живое восприятие природы, размышления о прошлом и осмысление сегодняшнего положения дел в искусстве и обществе. Юг России- многонациональный котел традиций, школ, что, возможно, является одной из причин самобытности его современного искусства, его яркости, жадности по отношению ко всему новому, и в то же время видимой привязанности к свой земле. Среди участников выставки – известные Волгоградские мастера: скульптор Почетный член Российской Академии художеств Павел Черкис, живописец Валерий Макаров, график Вадим Жуков; и ростовские живописцы- Александр Федоров, Александр Савеленко и Александр Бельмасов. Это выпускники как местных, так и столичных художественных вузов, победители многочисленных конкурсов, лауреаты премий в области искусства. Сегодня очень значимо, что экспоненты не только активно творчески работают, но и преподают, передавая свои творческие принципы.
В 2008 г. было образовано Южное региональное отделение Российской Академии художеств, которое ведет большую творческую, организационную, педагогическую, исследовательскую работу, способствуя объединению всех творческих сил многонационального региона. Одно из важнейших направлений его работы- организация выставок в городах нашей страны, что дает возможность почувствовать, чем живет современное искусство. В церемонии открытия выставки примет участие председатель правления Ростовского отделения ВТОО «Союз художников» Олег Игнатов.
Выставка будет работать с 28 апреля по 25 июня 2017 г. в выставочном зале Волгоградского музея изобразительных искусств им.И.И.Машкова по адресу: Волгоград, ул. им. Маршала Чуйкова, 37.
Время работы выставочного зала 11:00-19:00, в четверг 12:00-20:00, выходной понедельник. тел.(8442) 38-24-44, (8442) 38-59-15; 24-16-79

Изобразительное искусство делает мир лучше: оно учит чувствовать окружающий мир и открывать для себя новые горизонты. Оно должно быть доступно каждому: современные технологии позволяют людям с нарушением зрения в буквальном смысле прикоснуться к изобразительному искусству и прочувствовать его.
Сбербанк в сотрудничестве с компанией Visa, ГМИИ им. А.С. Пушкина и Волгоградским музеем изобразительных искусств им. И.И. Машкова представляют выставку тактильных картин «Видеть невидимое».
Шесть шедевров из собрания ГМИИ им. А.С. Пушкина были воспроизведены с использованием технологии рельефной печати: эти картины можно и нужно трогать.
Выставка открывает незрячим и слабовидящим людям путь к тактильному восприятию живописи. Каждая картина снабжена этикеткой, набранной шрифтом Брайля, и аудиогидом, который служит проводником в содержание каждого произведения, дополняющим тактильные ощущения.
Выставка «Видеть невидимое» интересна и для посетителей без нарушения зрения: надевая специальные очки, они также смогут погрузиться в мир тактильных ощущений, далекий от их повседневного опыта, и понять, как «видят» мир и предметы вокруг себя незрячие люди.
Организаторы верят, что выставка привлечет внимание самой разной аудитории и будет способствовать повышению эмпатии в культуре и развитию общества равных возможностей в России.
Выставка будет работать с 18 апреля по 12 мая 2017 г. в выставочном зале Волгоградского музея изобразительных искусств им.И.И.Машкова по адресу: Волгоград, ул. им. Маршала Чуйкова, 37.
Время работы выставочного зала 11:00-19:00, в четверг 12:00-20:00, выходной понедельник
тел.(8442) 38-24-44, (8442) 38-59-15; 24-16-79

Открытие 16 марта 2017 г. в 17:00.
Выставка посвящена образу женщины в отечественном искусстве ХХ века. В проект вошли более 80 живописных, графических, скульптурных произведений из фондов Волгоградского музея изобразительных искусств им.И.И.Машкова. Зритель сможет увидеть работы А.Самохвалова, Р.Фалька, И.Машкова, А.Герасимова, Н.Чернышева, А.Осмеркина, В.Белаковской, И.Лизака, Э.Неизвестного, Е.Моисеенко, А.Фонвизина, А.Лабаса и др. Многие работы экспонируются впервые.
Ушедший век, в корне «переформатировавший» представления о человеке, подверг множеству испытаний и наши взгляды на мужское и женское начала бытия. Актуальные роли эмансипированных работниц в красных косынках, студенток и доярок, метростроевок и врачей в произведениях 1920-1980-х сыграны извечными героинями: прекрасной дамой, любящей матерью, недосягаемой богиней. Женский портрет, ню оставались пространством чистой пластики и способом постижения, казалось бы, категорически несвоевременных аспектов: утонченности и теплоты, поэзии и любви, разлитых в мире. За многоликостью образов красоты- то хрупких, как у Лизака, то захватывающе могучих, как у Машкова- разнообразие путей, ведущих художников ХХ века к осознанию понятий, таинственным образом связанных с женской сущностью: красота и жизнь, душа и родина. За переменами вкусов стоит жизнь нескольких поколений, судьба страны. Выставка дает возможность пережить вибрации бесчисленных отношений духа времени и вечности. Прекрасные акценты в это многоголосие вносят произведения мастеров из «союзных республик» (таких как И.Зариньш, Р.Бичунас, Д.Скулме, З.Бажбеук-Меликова и др.). Работы волгоградских художников (С.Щербакова, П.Чаплыгина, В.Фетисова, П.Малкова, А.Криволапова, Р.Харитонова, В.Григорьева и др.) свидетельствуют о том, им присущи свои весьма определенные взгляды на женскую красоту. Экспозиция дополняется поэтическими произведениями, созданными в ту же эпоху. Она представляет интерес как для знатоков искусства, так и для тех, кто интересуется историей или крайне нуждается этой весной в «витамине красоты».
Экспозиция будет работать с 16 марта по 12 мая в Волгоградском музее изобразительных искусств имени И.И. Машкова по адресу Волгоград, проспект Ленина, 21. тел.: (8442) 38-24-44, запись по тел. 38-59-15.
Программа мероприятий в рамках выставки «Принцип женственности»
серия душевных мастер-классов и лекций
22 марта (среда) в 18:00- Мастер-класс «Авторская брошь»
30 марта (четверг) в 16:00- Мастер-класс «Брошь из войлока»
05 апреля (среда) в 18:00- Лекция «Женщина в зеркале искусства ХХ в.»
09 апреля (воскресенье) в 16:00- Мастер- класс «Украшение»
12 апреля (среда) в 18:00- Мастер-класс «Авторская сумка»
13 апреля (четверг) в 16:00- Мастер-класс «Необычный аксессуар»
19 апреля (среда) в 18:00- Лекция «Илья Машков и его женщины»
26 апреля (среда) в 18:00- мастер-класс «Весенняя сумка в смешанной технике»
Работает интерактивная зона, где установлено специальное оборудования для запечатления женской красоты.
Участие в мастер-классах по предварительной записи: 38-59-15, 38-01- 91
мастер-класс по изготовлению украшений- 200 р.
мастер-класс по изготовлению сумки -700 р.
лекция по входному билету

Администрация Волгоградской области
Комитет культуры Волгоградской области
Волгоградский музей изобразительных искусств им.И.И.Машкова
представляют выставочный проект
«НАЧАЛО»

Выставочный проект «Начало» призван воздать дань уважения всем музейным профессионалам, служителям культуры, благодаря труду которых возник художественный музей, сегодня носящий имя Ильи Машкова. Экспозиция объединила более 140 произведений, с которых началось формирование собрания Волгоградского музея изобразительных искусств, единственного художественного музея региона. Проект приурочен к открытию после длительной реконструкции выставочного зала ВМИИ - современного музейного пространства, не имеющего аналогов в Волгограде. Почетными гостями торжественной церемонии открытия зала станут руководители центральных российских музеев, оказавших неоценимую поддержку при формировании волгоградского музея.
20 апреля 1960 г. был опубликован приказ Министерства культуры РСФСР об организации в Сталинграде музея изобразительных искусств. Специалистами крупнейших музеев для нашего города были отобраны произведения высочайших художественных достоинств.
Уже в июне 1960 г. в Сталинград привезены первые картины из Государственной Третьяковской галереи.
В августе 1960 г. поступили работы из Государственного музея изобразительных искусств им.А.С.Пушкина.
Осенью 1960 г. фонды музея пополнились шедеврами из Музея Этнографии народов СССР, Музея восточных культур, Павловского музея-заповедника, Государственного Исторического музея.
В начале 1961 г. поступили произведения из Государственного Эрмитажа.
Осенью 1961 г. в музей прибыли картины, скульптуры и произведения прикладного искусства из Государственного Русского музея.
В 1962 г. волгоградская коллекция пополнилась работами из Дирекции музеев Кремля.
Начиная с осени 1960 г. и до конца 1990-х гг. в ВМИИ продолжались поступления через Дирекцию художественных фондов и проектирования памятников, ныне музейно-выставочный центр «РосИЗО».
Беспрецедентным фактом в биографии музея стала передача Государственным Историческим музеем тысячи графических листов в 1994 г.
Все эти работы стали основой нового собрания. К моменту открытия ВМИИ 22 июня 1963 г. его коллекция насчитывала более 2000 единиц хранения живописи, скульптуры, графики, декоративно-прикладного и народного искусства. Среди переданных работ были бесценные шедевры таких великих мастеров как А.Дюрер, Рембрандт, У.Хогарт, К.Брюллов, В.Тропинин, И.Шишкин, К.Маковский, В.Поленов, П.Кончаловский, А.Дейнека, К.Петров-Водкин. Этот дар был данью уважения к подвигу Сталинграда и уникальным шансом, данным музею и городу для совершенствования. В числе первых поступлений были и работы волгоградских художников. Они запечатлели восстановление и развитие нашего города, масштаб и красоту его архитектурных ансамблей, возводившихся на рубеже 1950-1960-х гг. В состав выставки вошли произведения зарубежных художников из городов-побратимов Волгограда, что свидетельствует об особом трепетном отношении мирового культурного сообщества к нашему городу.
С того момента для переданных работ началась новая жизнь в пространстве Волгограда, утверждающая искусство как важнейшее духовное начало. Создание художественного музея стало новым этапом культурной жизни Волгограда, сделало возможным грандиозные выставки из крупнейших музеев и творческих мастерских современных художников, открыло перспективы для воспитания и образования.
Столь же значимым для нас сегодня является открытие выставочного зала. Его оснащение соответствует музейным нормам. Система климат-контроля, специальное музейное освещение, экспозиционное оборудование позволяют принимать выставки из других собраний, развивать творческие контакты с музеями мира. Зал станет пространством для проведения масштабных акций, концертов, работы студий для детей и взрослых.
Жизнь и судьба музея - неотрывная часть нашей общей истории. Открытие нового музейного пространства - светлого, прекрасно оборудованного зала - даст новый стимул к развитию искусства, творчества, познанию культуры, станет украшением нашего города.
1 марта в 15:00 - церемония торжественного открытия (вход по приглашениям).
2 марта с 11:00 до 19:00 вход на экспозицию свободный.
Выставка будет работать с 2 марта по 23 апреля 2017 г. в выставочном зале Волгоградского музея изобразительных искусств им.И.И.Машкова по адресу: Волгоград, ул. им. Маршала Чуйкова, 37.
Время работы выставочного зала 11:00-19:00, в четверг 12:00-20:00, выходной понедельник
тел.(8442) 38-24-44, (8442) 38-59-15; 24-16-79

Кукла – загадочный и малоизученный феномен в истории декоративно-прикладного искусства. Она загадочна, потому что малоизученна, или малоизученна, потому что загадочна? Кто она – игрушка или украшение? Действительно ли у кукол есть свой мир, существующий параллельно с миром людей и отражающий социум?
Возможно, найти ответы на эти вопросы, а также задать себе новые и иначе взглянуть на такой простой предмет как кукла, позволит выставка «Путешествие в мир кукол», авторский проект искусствоведа и коллекционера кукол Марины Политовой. Экспозиция выставки представляет историю кукол XIX века. В истории кукол это время принято называть «золотым веком» кукол, ведь их создавали из фарфора, который был невероятно дорогим материалом, сравнимым с золотом. Куклы того времени имеют определенную типологию лиц и тел, это – младенец, кукла-ребенок и кукла-дама. В соответствии с «возрастом» куклы создавался и ее гардероб, в котором сегодня мы можем проследить эволюцию детского и женского костюма. Кроме того, кукол окружала вся необходимая для их кукольной жизни обстановка, а также многообразие аксессуаров.
Лидерами в производстве кукол «золотого века», которых сегодня принято называть «антикварными», были две страны – Франция и Германия. Различные города этих стран славились производством кукол с бисквитными головами, т.е. из неглазурованного фарфора. Куклы прославленных французских мастеров имели роскошные наряды и большое количество аксессуаров. Немецкие производители кукол стремились удешевить свою продукцию, за счет чего наряды кукол стали менее роскошными, но все же позволяли своим обладательницам выделяться среди тысяч других кукол.
На выставке представлены куклы и их игрушки, кукольная и детская одежда, предметы кукольной и детской посуды и кукольная мебель.
Экспозиция знакомит посетителей с типологией кукол и этапами производства антикварной куклы, с историей кукольного производства Европы, особенностями кукол Франции и Германии, миром женской, детской и кукольной моды рубежа XIX - XX веков, с особенностями кукольного быта. Основная часть кукол на выставке немецкого производства, но также присутствуют куклы Франции, Англии, США, Японии и Китая.
Экспозиция будет работать с 14 февраля 2017г. в Волгоградском музее изобразительных искусств имени И.И.Машкова по адресу Волгоград, проспект Ленина, 21. тел.: (8442) 38-24-44, 38-59-15.

из фондов Государственного музея -заповедника «Ростовский кремль» 
открытие 4 октября 2017 года в 16:00 часов.
Финифть — древнерусское название эмали, произошло от греческого «фингитис», что означает светлый, блестящий камень. Эмаль — прочное стекловидное покрытие, нанесенное на металлическую основу (стальной, медной, серебряной, золотой пластины), выполненное специальными красками на основе стекла с добавлением различных окислов металлов и закрепленное обжигом при температуре 780-900 градусов.
Ростовская финифть считается лучшей в России. Роспись по эмали практически вечно сохраняет чистоту, блеск и прозрачность цвета. Она не подвергается, подобно другим видам живописи, воздействию таких разрушительных факторов, как свет, перепады температуры и влажности, загрязнение. Законченный вид финифти как ювелирному изделию, придает оправа, она изготавливается ювелиром мастером скани.
Государственный музей-заповедник «Ростовский кремль» обладает одной из крупнейших в России коллекций финифти - местного художественного промысла живописи по эмали, значительная часть которой будет представлена на выставке. Она знакомит с историей развития широко известного промысла от момента зарождения, второй половины XVIII века, когда финифть использовалась для украшения церковной утвари, XIX века – употребления в качестве иконы, XX столетия, когда она становится модным женским украшением, и до настоящего времени.
Выставка состоит из более двухста музейных предметов и включает как массовую продукцию, так и произведения известных ростовских эмальеров. Это иконы, дробницы, декоративные панно, портреты, пейзажи, ювелирные украшения.
Выставка будет работать с 4 октября по 27 ноября 2017 года в Волгоградском музее изобразительных искусств им И.И. Машкова по адресу: проспект В.И. Ленина, 21 , время работы с 10:00 до 18:00 часов, по средам с 12:00 до 20:00 часов, выходной день — вторник. Телефоны 38-24-44, 38-59-15.

Открытие 14 сентября в 17:00.
Это необычная выставка, выставка- мечта. Зритель увидит скульптуру Сергея Щербакова одновременно с графическими проектами, помещающими их в современную урбанистическую среду. Создавая даже небольшую скульптуру, Сергей Щербаков продолжает оставаться монументалистом, примеряя свое творение к масштабам площадей и парков.
Сергей Александрович Щербаков (р.1959) - Заслуженный художник России, сегодня он, пожалуй, один из наиболее известных в мире волгоградских скульпторов. Выставка приурочена к 30-летию с момента начала творческой деятельности мастера. В 1987 г. он окончил Ленинградское высшее художественно-промышленное училище им. Мухиной и приехал в город Волжский. Потом он делил свое искусство между Волгоградом, Волжским, Саратовом (откуда он родом). Сергей Щербаков- автор 27 монументальных работ. Они установлены не только во многих городах и районах нашей области, Астрахани, Саратове, но и в Лондоне, и в Берлине. Станковые произведения Щербакова находятся в фондах Третьяковской галереи, Московского Музея Современного искусства, Имперском военном музее в Лондоне, в частных собраниях Англии и Германии, Франции и Голландии, США и Китая. Его монументальные высказывания ошеломляют принципиальным несходством, даже противоположностью творческих принципов (военный мемориал у села Россошки и шуточная скульптура «Адам Козлевич», памятник Александру Невскому и знак «Медикам Царицына, Сталинграда, Волгограда», Ангел-хранитель и Волжский памятник жертвам ХХ века). Автор связывает их несходство не только с разноплановостью задач, но и с необходимостью примериваться к вкусам все более неоднородной аудитории, ведь иначе скульптура не будет принята обществом.
В данной экспозиции скульптор говорит о сокровенном, о том, что кажется ему единственно верным и сегодня незаслуженно игнорируемом. О том, как энергия пластической формы может придавать новые смыслы постиндустриальному ландшафту. Монумент - это неизменно послание в будущее, квинтэссенция важнейших смыслов, передаваемых от одних поколений к другим. Синтез скульптуры и архитектурно-пространственной среды призван создавать новое по качеству произведение, влияя на формирование вкусов и ценностей. Не всегда находя возможность реализовать проект, Щербаков по-философски находит для жизни своих арт-объектов подходящую среду в мире идей. Благодаря компьютерным технологиям скульптор имеет возможность располагать свое творение в любой среде, «примерять» возможный урбанистический пейзаж к возможному монументу.
В главном русле своего творчества Сергей Щербаков остается последователем модернистской традиции. Живыми и требующими развития для него продолжают оставаться открытия великих Генри Мура и Осипа Цадкина, приемы кубизма, сюрреализма, экспрессионизма. По-модернистски он осуществляет деструкцию природных форм для того, чтобы воссоздать иную, художественную, уже независимую от реальности структуру, свою собственную легко опознаваемую авторскую реальность. Мир Щербакова наполнен противоборством духа и материи, мучительными поисками человечности. Тут соседствуют горечь и страсть, отчаянье и нежность, ирония и любование. Как и предшественники, он настаивает на самоценности формы и сохраняет пронзительность художественного высказывания (в соответствии с духом времени, оттененную иронией). Пластические проблемы являются важнейшими для Сергея Щербакова. Именно ритм, конструкция, соотношение объемов, силуэт и характер поверхности служат способом создания метафоры его чувства современного состояния человечества - нашей ситуации, когда человек приобрел непобедимую воинственность, способность повелевать машинами, при этом остался крайне уязвимым и нуждающимся в любви. Щербаков задумывается о будущем и обнаруживает древние корни. Основополагающие проблемы человеческого бытия: целостность человеческой личности, устойчивость и изменчивость мира, отношения макрокосма и микрокосма - осмысливаются им в утяжеленной, сверхнапряженной пластике, исполненной из металла.
Опыты Сергея Щербакова сродни «бумажной архитектуре» 17-20 веков, рожденной архитекторами в эпохи, когда реализация их замыслов в камне была невозможной. Неожиданно и убедительно врастают скульптуры между небоскребов, одушевляют паузы, динамизируют и драматизируют среду. Пластика, еще недавно казавшаяся ручной, на глазах оказывается титанической. По признанию самого скульптора, эта практика дает ему чувство реализации замысла. Таким образом, экспозиционный проект Сергея Щербакова возможно рассматривать как вполне концептуалистский, обусловленный свойствами информационного общества, где описание произведения может подменять само произведение. «Возможная реальность» - это выставка-симптом и одновременно -рецепт.
Выставка будет работать с 14 сентября по 15 октября 2017 г. в выставочном зале Волгоградского музея изобразительных искусств им.И.И.Машкова по адресу: Волгоград, ул. им. Маршала Чуйкова, 37.Время работы выставочного зала 11:00-19:00, в четверг 12:00-20:00, выходной понедельник.тел. (8442) 38-24-44, (8442) 38-59-15; 24-16-79

(из фондов ВМИИ и частной коллекции)
Открытие 8 сентября в 17:00
Камерная экспозиция дает возможность встретиться с редкими произведениями оригинальной графики (акварель, уголь, карандаш, тушь), созданными почти 150 лет назад. В экспозицию вошли 19 работ русских художников - Ф.Васильева, И.Крамского, Ф.Журавлева, В.Маковского, Н.Ефимова, К.Трутовского, А.Беггрова, С.Пиотровича. Впервые волгоградский зритель имеет возможность увидеть произведения петербургского живописца и графика Николая Ефимова. Его работы предоставлены для участия в проекте волгоградским коллекционером.
При всем различии масштабов творческих дарований и непохожести судеб, искусство сегодняшних экспонентов объединяет особый знак времени - устремленность к реальности, отражению современной русской действительности во всей правдивости. Нелегко сегодня непредвзято рассматривать этот материал. В контексте советской культуры реализм трактовался однозначно - как вершина развития искусства; ростки реализма в иных пластах расценивались как знаки грядущего расцвета. Реалисты-передвижники были объявлены непосредственными предтечами единственно верного соцреалистического метода и, фактически, канонизированы. Тенденциозность подхода подчас затрудняет осознание отваги их поведения в эстетическом поле и понимание по сути жертвенной природы их искусства. На выставке представлены небольшие по размерам, неброские по художественному решению пейзажи, жанровые сцены, портреты. Несмотря на скромность размеров и подчеркнутую прозаичность сюжетов, экспозиция обращает зрителя к важнейшему процессу революционной ломки основополагающих представлений о назначении искусства и красоте, происходившем в нашей стране во второй половине XIX столетия. Россия в тот момент стала ареной напряженной борьбы идей, в которую было включено и искусство. Острейшими оказались вопросы отношения искусства и современной действительности, проблемы художественной школы. Работы, представленные на выставке, демонстрируют различные ипостаси реализма, сменявшие друг друга.
События развивались стремительно. Теория реализма складывалась на основе материалистической эстетики, разработанной в литературно-критических трудах и философских сочинениях разночинцев-демократов. В 1855 г. вышла в свет диссертация Н.Чернышевского «Эстетическое отношение искусства к реальности», в которой автор предложил новое определение красоты: «прекрасное есть жизнь». В 1859 г. в Академии художеств была проведена реформа, приведшая, в числе прочего, к отмене класса оригиналов, изначально ориентировавшего учеников на классические образцы. Симптоматичным оказывается частый отказ выпускников от заграничного путешествия по окончании Академии. Насущной потребностью становится «хождение в народ», изучение русской провинции, природы, жизни простого народа и поиски нового, свободного, современного языка для обновленного содержания. Именно ею была инспирирована поездка в Астрахань молодого художника Николая Ефимова в 1974 г., в ходе которой были созданы акварели, представляемые сегодня зрителю. Исследование до той поры «целинных» пластов действительности начиналось с накапливания наблюдений над новым жизненным материалом. На первых порах создавались произведения, далекие от обобщения. Жадный интерес к повседневности, материальности был связан и с распространением влияния философии позитивизма, натурализма. Понимание человека как части материального мира требовало развития скрупулезности письма, точности деталей. Форсированная «жесткость фокуса» объясняется пафосом отстаивания нового видения. Свою лепту внес и нигилизм, применительно к искусству означавший отказ от хорошего вкуса и нормативных идеалов. Герцен пишет о «пробуждении русского общества», возрождении интереса к человеку, к тому, что его окружает, к повседневной действительности и к недостаткам общественной жизни. За отказом от установок Академии художеств на непременное создание прекрасного, превосходящего действительность, за вытеснением картин на легендарно-исторические темы стоял масштабный процесс демонтажа прежних иерархий и ценностей. Намеренное избегание яркости цвета, монохромность работ «новой школы», напоминающая фотографию, была связана с пониманием правдивости как документализма. Как писал лидер французского реализма Курбе: «живопись - искусство по своему существу конкретное и может состоять лишь в изображении вещей реальных и существующих».
Одним из важнейших эпизодов становления русского реализма стал «бунт четырнадцати» 1863 г. в Академии художеств, в ходе которого четырнадцать претендентов на золотую медаль во главе с И. Н. Крамским отказались исполнить выпускную работу на заданный мифологический сюжет. Выйдя из Академии, «протестанты» образовали Артель свободных художников по образцу коммун, описанных в романе Н.Чернышевского «Что делать?». Среди членов Артели были И.Крамской и Ф.Журавлев. В 1871 г. утверждается устав Товарищества передвижных художественных выставок, выросшего на основе Артели. Среди активных участников и экспонентов ТПХВ были и мастера, присутствующие на данной выставке - В.Маковский, А. Беггров, С.Пиотрович. Их метод критического реализма был основан на постоянном наблюдении, подробном и точном рисунке. Однако передвижники ратовали не просто за демократическое искусство, но за преодоление «беспристрастного копирования натуры», за осмысление действительности и типизацию явлений. В короткие сроки были преодолены не только нормативность, идеализация натуры, веками связанная с академической традицией, но и спокойная фиксация свойств реальности. Востребованным оказывается искусство все более идеалогизированное. Жизненность для передвижников уже определяется вниманием к психологизму, необходимым видится выражение отношения художника к жизни. От задач исследования, погружения в стихию жизни простых людей (П.Соколов «Затравили волка», С.Пиотрович «Охотник») художники последовательно переходят к выражению сочувствия (Ф. Журавлев «Официант», Ф.Васильев «Хутор. Сарайчик»), бичеванию уродливых сторон действительности (К.Трутовский «Арестованные в пути»), социальной типизации (И.Крамской «Портрет молодого человека», В.Маковский «Старушка с собачкой»), и наконец, новой поэтизации действительности (А.Беггров «Трепор во время отлива»). Немаловажно, что именно в то время происходит быстрое формирование искусства, понятного широкому зрителю, массового искусства, что не могло не сказаться на определенном упрощении его смыслов. Интересно, что идейными противниками передвижников оказались не только последователи академизма, но и французские импрессионисты. На пути реалистов были открытия, но были и потери, без которых не состоялся бы блистательный Серебряный век рубежа веков, а может быть, и авангард. Возможно, уже настает время, чтобы понять, что из их опытов сохраняет жизненность сегодня.
Приятным подарком для всех посетителей выставки является возможность принять участие в розыгрыше уникального приза – акварельной работы, созданной в начале ХХ века, предоставленной коллекционером. Розыгрыш состоится в последний день работы выставки- 1 октября в 12:00. Для музея очень значимым видится факт сотрудничества с собирателями произведений искусства, расширяющего возможности изучения и популяризации культуры.
Экспозиция работает с 8 сентября по 1 октября 2017 г. в Волгоградском музее изобразительных искусств им. И.И.Машкова по адресу: Волгоград, проспект Ленина,21. тел.(8442)38-24-44, (8442) 38-59-15

Волгоградский музей изобразительных искусств им.И.И.Машкова,
Благотворительный фонд «7ветров»,
Галерея «Аrt- Ra»
представляют выставку
Пространство и время Петра Зверховского
Открытие 7 сентября в 17:00
Выставка «Пространство и время Петра Зверховского», открывающаяся в Волгоградском музее им.И.И.Машкова, приурочена к юбилею художника. Она представляет более 60 живописных и графических произведений, созданных за последние 5 лет.
После выставки в Понтелагоскуро (Италия), известный итальянский художник Оттавио Романо написал Петру Зверховскому: «Петру Зверховскому, маэстро цвета, сильного, неожиданного, который подарил мне необыкновенные эмоции и острую ностальгию по эксперименту в живописи…». Сегодня, когда искусство стремиться эпатировать, взрывать, вырываться за пределы плоскости, Зверховский по прежнему обретает свой космос внутри холста, где захватывающим сюжетом для посвященных становиться сама структура картины. Живопись, понятая как искусство цветопластических проблем , через решения которых и реализуется взаимодействие художника и мира. Иногда несколько цветовых пятен силой гармонии способны произвести неизгладимое впечатление. И Зверховский, как алхимик колдует над неожиданным, сопряжением одного цвета с другим, добиваясь сложности и свежести звучания, разыгрывая увлекательные живописные интриги, захватывающие зрителя. На первый взгляд мир Зверховского простой и бесхитростный, вне времени и реального пространства, но это всегда своеобразный живописный метатекст, который требует и знания и углубленного общения. В его работах свободно пересекаются средневековая Русь и раннее Возрождение, приемы кубизма и сезанновские открытия. Его работы существуют не вне времени, а сквозь. Сквозь пространство и время.Это метафорическое смешение и смещение и составляют суть его поэтики-соединяя в единую картину –мир исчезающей парадигмы. Зверховскому чужда позиция critically во всех ее проявлениях. Он далек от суеты и консюмеризма нынешней жизни, от сентенциозности и абсолютизации прогресса. Самое главное-в нас самих. Он привлекает зрителей не только живописными пассажами, понятными до конца немногим, но и тем, что затрагивает какие-то важные струны. Есть в его работах ностальгия по уходящему миру чувств, ценностей. Тоска современного человека по человеку. Решая сложные живописные проблемы, он остается живым и теплым в своем поиске утраченных основ
Работы Петра Зверховского находятся в собрании Московского музея современного искусства, Саратовского государственного музея им. А.Н. Радищева, Волгоградском музее изобразительных искусств им. И.И. Машкова. Во многих частных коллекциях в России и за ее пределами. Он является «Человеком года 2012» по версии « Царицынской музы».
Адрес: Волгоград, проспект Ленина, 21.
Экспозиция будет работать с 7 сентября по 22 октября 2017 г. в Волгоградском музее изобразительных искусств им. И.И.Машкова по адресу: Волгоград, проспект Ленина,21. тел.(8442)38-24-44, (8442) 38-59-15
Программа в рамках проведения выставки «Пространство и время Петра Зверховского»

• 14 сентября 17:00- Презентация альбома «Пространство и время Петра Зверховского» и творческая встреча с художником.
• 21 сентября 17:00- Встреча в музейном кинозале. Презентация видеоинсталляций и фильмов проекта «Бубновый валет. Постскриптум».
• 07 октября в 17:00- Музыкальный вечер

Вход по билетам
Адрес: Волгоград, проспект Ленина, 21. тел.(8442)38-24-44, (8442) 38-59-15

Открытие 6 сентября в 17:00
Микаэль Клоз- известный канадский художник македонского происхождения. Для Волгограда это имя новое. Однако это уже не первая его выставка в России. Год назад с большим успехом его работы экспонировались в Астраханской картинной галерее. Именно астраханские музейщики, с которыми у Волгоградского музея сложились крепкие деловые отношения, обратили внимание художника на возможность проведения выставки в Волгограде. На предложение музея Машкова Микаэль Клоз откликнулся со всей горячностью. Можно сказать, что открытость и мобильность- важнейшие свойства его характера. Уже вскоре была создана серия живописных работ, посвященных Сталинграду. Его мотивами стали узнаваемые силуэты танцующих в хороводе детей – фрагментов разрушенного во время войны фонтана, символа хрупкой мирной жизни.
Микаэль Клоз загорелся идеей побывать в нашем городе и привезти сюда свои работы. Однако вскоре он понял, что этот план не удастся воплотить, и в музей стали приходить одна за другой посылки с холстами и рисунками. Все эти произведения (а это более 250 работ) он приносит в дар Волгоградскому музею. Таким образом, на данной выставке, включающей около 100 работ, представлено меньше половины подаренной коллекции. Необходимо отметить, что этот поступок- крайне редкий в контексте нынешней культурной ситуации.
Клоз художник узнаваемый. Он работает с насыщенным и чистым цветом, тонкой упругой линией. Его произведения носят условный характер, хотя художник проделал большой путь от реалистической живописи до грани абстракции. Сильнее всего в его работах звучат отголоски рисунков Матисса, исполненных гармонии и веры в природу человека. В одном портрете совмещаются изображения фаса и профиля; вторящие друг другу линии создают эффект расходящихся волн. В то же время, его ритмы отсылают к первобытному искусству, оперирующему условными знаками и к творчеству аборигенов Канады. Художник говорит, что он ощущает традиционное искусство Канады как молодое, несущее энергию. Как и древние творцы, он стремится вложить в свои произведения философско-мировоззренческую программу. Свое тематическое поле он определяет как дихотомию и взаимодействие добра и зла, мужского и женского начал, материи и духа. Т.е. представленные работы не могут быть отнесены к чисто формальным экспериментам, они являются результатом размышлений о мироустройстве. Художник говорит, что он объединяет противоположности. Клоз не навязывает своих ответов и предлагает каждому зрителю по-своему интерпретировать его работы. Основное его послание- свобода.
В то же время, в процессе рождения образа большую роль играет самоанализ. Не случайно на протяжении всей жизни он ведет дневники, фиксирующие истории, арактеры, открытия. В определенной степени его работы являются внутренними портретами художника. Клоз связывает развитие потребности к самонаблюдению с воздействием русской литературы, прежде всего Льва Толстого и Максима Горького. И с этих позиций, выставка в русском городе для него очень важна.
Большая часть из представленных работ- портреты, как правило женские. Они образуют энигматическую последовательность и призваны восприниматься в комплексе. По убеждению Клоза, человек сегодня не отдает себе отчета, в том, какую грандиозную роль играет женщина в жизни общества. Своим искусством он стремится в какой-то мере компенсировать состояние духа времени и ищет максимально лаконичные формулы для выражения любви, благодарности, милосердия, веры в жизнь. Его семья прошла через непростые испытания, многие годы отец Микаэля считался пропавшим без вести. Потому семейные ценности- одни из приоритетных в его искусстве. На выставке зритель сможет увидеть портрет его жены Менки. Она искусствовед и фактически соавтор представляемого проекта. Их дочери Александра и Мелани- художники, они работают вместе и также, как родители, не теряют надежды приехать в Волгоград.
Хочется назвать Микаэля Клоза человеком мира, не верящим в ограничения. Он родился в 1954 году в Торонто, рисовать начал в детстве, еще ребенком получил награду на общеканадской художественной выставке. В 1977 году он завершил учебу в Колледже искусств Онтарио, одном из старейших художественных учреждений Канады и продолжил образование в Политехническом институте им. Райерсона и Университете Гельфа. Интересно, что Микаэль Клоз – не только живописец и график, но и дизайнер, сценограф и талантливый актер. Он работал в качестве художника-постановщика на телевидении и кино, был театральным сценографом. Принимал участие в создании таких шоу, как «Трое мужчин и ребёнок» и «Т и Т». Кроме того, на его счету несколько нашедших воплощение сценариев, в основу которых положены реальные истории его семьи («Ярмарка», «Сэм Гриль» и др.). Многие годы художник помогает в организации международного поэтического фестиваля в македонском городе Струга. Сам Клоз считает, что одна работа помогает другой.
Художник провел 125 персональных выставок в разных странах мира (Румыния, США, Бельгия, Италия, Болгария, Франция, Германия, Турция, Египет, Соломоновы Острова). Среди наиболее масштабных его проектов - участие в выставке в Европейском совете (Страсбург, 1996). Одновременно с открытием этой экспозиции работает выставка Клоза в Охриде (Македония).
В последние годы М.Клоз много путешествует. Сегодня усилия Микаэля Клоза направлены на создание универсального художественного языка, понятного всем, направляющее к человечности и подлинной свободе.
Выставка будет работать с 6 сентября по 8 октября 2017 г. в выставочном зале Волгоградского музея изобразительных искусств им.И.И.Машкова по адресу: Волгоград, ул. им. Маршала Чуйкова, 37.
Время работы выставочного зала 11.00-19.00, в четверг 12.00-20.00, выходной понедельник.тел.(8442)38-24-44, (8442) 38-59-15; 24-16-79

Открытие 31 августа в 17:00
Выставка «Радость жизни» представляет более 70 живописных произведений Михаила Яковлевича Пышты- легендарного волгоградского живописца, монументалиста, профессора, заслуженного художника РСФСР. Так получилось, что она приурочена одновременно к 90-летнему юбилею мастера и годовщине с момента его ухода. Это выставка о счастливом человеке, реализовавшимся в весьма различных сферах. Он был главным художником Волгограда (1971-1989), создал более 40 монументальных объектов в нашей области и за ее пределами. Среди самых известных его работ живописный плафон в здании железнодорожного вокзала, роспись в фойе Дворца культуры Профсоюзов, мозаичные панно на здании туристического вокзала и в здании центрального рынка.

Михаил Пышта вошел в прекрасную плеяду мастеров, возродивших после войны сталинградский Союз художников. В 1956 г. молодым выпускником ленинградского мухинского училища, имея за плечами фронтовой опыт, он приехал в Сталинград. Ему принадлежит одна из лучших живописных работ, запечатлевших наш город сразу после окончания войны- «Весна в Сталинграде». Она была приобретена Министерством культуры РСФСР и вскоре стала одним из первых экспонатов Волгоградского музея изобразительных искусств. Сегодня ее также можно будет увидеть на выставке.
Это был человек мощного общественного темперамента. Доводилось ему быть и председателем Волгоградского отделения Союза художников, руководить университетом повышения квалификации художников-оформителей, даже участвовать в работе Комитета защиты мира.
Однако данная выставка раскрывает лишь одну из граней (при этом часто остающуюся в тени) очень разнопланового наследия его большой и насыщенной творческой жизни. В состав экспозиции вошли станковые живописные работы, в большинстве своем написанные мастером вне заказа, для себя. Это пласт его искусства, который был его отдушиной, необходимой частью жизни. Зритель увидит щедрые, роскошные натюрморты, портреты, пейзажи. Они раздаривались друзьям или оседали в мастерской. Работа на пленэре- большой труд, но он был ему необходим и горячо любим. Огромная серия пленэрных работ продолжала пополняться практически до последних дней жизни. В них звучит упоение (иначе не скажешь) красотой наших мест- степи, поймы, донских излучин. Он привозил пейзажи из многочисленных поездок по России и по миру (Италия, Франция, Румыния, Вьетнам, Крым, Кавказ, Сибирь), писал портреты участников легендарного Фестиваля молодежи и студентов в Москве в 1957г.
Именно в небольших по размерам станковых работах, представляемых сегодня, живопись Михаила Пышты звучит в полный голос. Здесь он экспериментировал с цветовыми созвучиями, живописными приемами, вступал в диалоги с любимыми художниками (Моне, Сарьян, Суриков, венецианцы). И все же успех работы определялся прежде всего силой чувства, цвет напрямую транслирует эмоции. Именно тут нашли наиболее полное воплощение, пожалуй, самые прекрасные из сторон его сложной личности- способность изумляться красоте мира, особый дар наслаждаться возможностями живописи. Его поколению, как никакому иному была присуща способность ценить каждый миг. «Для художника очень важно умение замечать прекрасное в окружающей нас повседневной жизни»,- писал он. Тот же мотив настойчиво звучит в его автобиографии: «я пронес этот восторг к жизни через все годы». Оттого краски в его полотнах горят, плавятся, пламенеют, греют, оказывают почти физическое воздействие на зрителя. Как и их автор, они побуждают к действию, приводят ваш внутренний строй в движение, рождают немедленный эмоциональный отклик.
Большую часть жизни Михаил Яковлевич преподавал живопись, руководил кафедрой рисунка, живописи и скульптуры в архитектурно-строительном институте. Последние двадцать лет жизни были, практически целиком, отданы его новому детищу- редкому в масштабе всей страны отделению монументально- декоративного искусства. И здесь он был счастлив- в своих учениках. Они его помнят- вечно деятельного, очень доброго, щедрого, немного лукавого, умеющего вдохновить и утешить, наделенного неповторимым чувством юмора.
Его семья стабильно производит художников. Жена –Алина Лукинична, живописец, почти полвека служила реставратором в волгоградском музее изобразительных искусств. Дети Тарас и Екатерина- известные художники, внук Михаил- дизайнер. Получается, что если применить особую оптику, жизнь штука довольно-таки радостная.
Выставка будет работать с 31 августа по 8 октября 2017 г. в выставочном зале Волгоградского музея изобразительных искусств им.И.И.Машкова по адресу: Волгоград, ул. им. Маршала Чуйкова, 37.
Время работы выставочного зала
11:00-19:00,
в четверг 12:00-20:00,
выходной понедельник.
тел.(8442)38-24-44, (8442) 38-59-15; 24-16-79

Выставка представляет избранные шедевры отечественного искусства 1920-1930-х годов из фондов Волгоградского музея изобразительных искусств им. И.И.Машкова. Парадоксальная эпоха, в которой самые светлые надежды, осознание грандиозного масштаба перемен соседствовали с тревогой, напряжением и растерянностью дала богатейший отклик в искусстве.
Экспозиция, включающая более 60 произведений живописи и графики, знакомит произведениями художников, определивших облик искусства первой половины ХХ века: К.Петрова-Водкина, П.Кончаловского, Г.Нисского, С.Герасимова, А.Самохвалова, И.Грабаря, А.Шевченко, Н.Чернышева, Г.Ряжского, А Пахомова. Ее открывает могучий и героический «Потрет историка Н.А.Гейнике» П.Кончаловского. Вера в будущее, ожидание близкого счастья сообщало искусству высокую энергетику, захватывающую эмоциональность, что наложило отпечаток даже на камерные произведения, казалось бы, удаленные от идеологизации и остросовременной тематики (М.Яковлев «Бельгийский порт», Н.Чернышев «Портрет жены», К.Нелиус «Натюрморт с фуксией» и др.).
Центральной фигурой проекта стал Илья Машков, представший как мифотворец социалистического реализма, прославляющий нового человека, и как утонченный лирик, погруженный в живописное ремесло. С машковскими рисунками и живописными полотнами соседствуют произведения его товарищей по группе «Бубновый валет»: А.Куприна, А.Осмеркина, П.Кончаловского, А.Лентулова. Здесь же можно увидеть работы учениц Машкова, художниц нонконформистского склада О.Соколовой и Е.Ермиловой-Платовой. Их произведения, как и «Портрет пулеметчика» А.Самохвалова, «Мальчик с арбузом» С.Чуйкова, «Портрет Кары Ильясова» Ф.Модорова экспонируются крайне редко. Очень дорог для нашего города пейзаж П.Петровичева, запечатлевший строительство легендарного Сталинградского тракторного завода- первенца советской индустриализации. Создание художественного языка, адекватного современности было важнейшей задачей творцов той поры. Представленные на выставке работы воспроизводят духовный контекст эпохи, сохраняют пульс времени в ритме, пространственных прорывах (Г.Нисский «На путях. Весна. Май»). Герои проекта смогли откликнуться на реалии своего времени. При этом высочайшая живописная культура, богатство нюансов свойственны представленным произведениям так же, как поэтичность, неприятие бытовизма, одухотворенность живописи и пространства и мира.
Выставка представляет интерес, как для знатоков искусства и творческого сообщества, так и для широкой зрительской аудитории.
Выставка работает с 8 августа по 3 сентября 2017 г. в выставочном зале Волгоградского музея изобразительных искусств им.И.И.Машкова по адресу: Волгоград, ул. им. Маршала Чуйкова, 37.

Время работы выставочного зала 11:00-19:00, в четверг 12:00-20:00, выходной понедельник
тел.(8442) 38-24-44, (8442) 38-59-15; 24-16-79

Открытие 30 июня в 16:00.
Масштабная экспозиция раскрывает мир творческой личности легендарного волгоградского скульптора, Народного художника Российской Федерации Виктора Георгиевича Фетисова. Выставка приурочена к юбилею мастера, 7 августа ему исполняется 80 лет. Его творчество хорошо известно в стране и в мире, оно отмечено многими наградами, в том числе серебряной медалью ВДНХ, Золотой Пушкинская медалью, Виктор Фетисов- Лауреат Премии правительства РФ. В состав экспозиции вошло более 100 произведений из мастерской автора, а также из собраний волгоградских музеев. Здесь есть и законченные станковые произведения из бронзы, мрамора, гранита, дерева, подготовительные этапы, необходимые для создания монументов, фотографии монументальных работ, установленных в городе. Кроме того, на выставке можно будет увидеть и ранние графические и живописные работы Виктора Фетисова, его фотографии, документы, отразившие его творческий путь.
Жизненное кредо художника – увековечение родного города и людей, его прославивших.
Каждому волгоградцу хорошо знакомы его монументальные произведения. Среди них- памятники Г.К.Жукову и Зое Космодемьянской, А.С.Пушкину и М.К.Агашиной и др. Скульптор является создателем памятника первостроителям Тракторного завода. Ему принадлежит авторство ряда мемориальных досок: заслуженному артисту России Г.К.Шатовскому (Музыкальный театр), ректору Ленинградской государственной консерватории, уроженцу Сталинграда профессору П.А.Серебрякову (Волгоградская Консерватория).
Главная идея жизни В.Фетисова – внести художественное начало в облик города, прославить город и его обитателей. Он оформляет въезды в Волгоград – своеобразные ворота города-героя. Он принимал активное участие в создании Мемориального комплекса на Мамаевом кургане города-героя. В.Фетисов – автор мемориального комплекса «Детям, погибшим в Великой отечественной войне» (станция Лычково в Новгородской области). Ряд памятников Фетисова, посвященых погибшим в годы Великой Отечественной, установлен в районах нашей области: в хуторе Верхнекумском, в станице Клецкой Волгоградской области. Он автор памятника, посвященного разгрому армии Манштейна в Николаевском районе.
Виктор Фетисов – признанный портретист, создавший множества великолепных по психологической проникновенности и пластической выразительности образов. Более полувека он трудится над созданием галереи портретов наших современников. Следуя лучшим традициям русского реалистического искусства, он создал убедительные портреты ветеранов Великой Отечественной войны (снайпера В. Зайцева, писателя Ю.Бондарева, маршала Г.К.Жукова, генерала-полковника В.А.Грекова, героев Социалистического труда, народной ополченки Л.Пластиковой, В.И.Штепо и др.). Его любимый герой – незаурядная личность, человек победоносный, которого нельзя сломить. Поэтому и материалы скульптор выбирает брутальные, такие как гранит, бронза, мрамор. При этом каждая модель требует индивидуального подхода. Свои женские образы – поэта Маргариты Агашиной, Зои Космодемьянской, легендарной комсомолки Л.С.Пластиковой- он воплощает в мраморе. За каждым человеческим образом – прекрасный и напряженно живущий мир, воплощенная красота судьбы-предназначения. Естественным продолжением этой темы явилась галерея портретов летчиков-испытателей и космонавтов (А.Федотов, Ю.Малышев, И.Волк, С.Микоян). «Многие герои моих работ – летчики, которых безумно люблю за их отношение к жизни – жизни, как зажженному факелу мужества, самоотверженности, духовной чистоты»,- говорит мастер. Свое искреннее восхищение героями неба В.Г.Фетисов пылко передал в замечательном памятнике- мемориале «Крыло Икара» (1978 г., Ахтубинск, летно-испытательный центр им.В.П.Чкалова) в память о летчиках-испытателях, не вернувшихся из полета. Отдельной страницей в творчестве Фетисова является обращение к миру искусства, театра, литературы. Им запечатлены образы артистов- певца Л.Сметанникова, Народного артиста России, солиста Мариинского театра Б.Штоколова, дирижера Волгоградского академического симфонического оркестра Э.Серова, выдающегося сатирика А.Райкина.
Любование образами родного края нашло воплощение в совместной работе В.Фетисова со скульптором О.Дедовым – памятнике легендарной Урюпинской Козе- монументальном и трогательном одновременно.
Виктор Георгиевич активно занимается благотворительной деятельностью: многие работы были преподнесены им городу Волгограду и Волгоградской области в дар.
Биографическая справка:
Фетисов Виктор Герогиевич родился 7 августа 1937 года в Сталинграде, пос. Ельшанка, в семье рабочего. Учился в детской художественной студии при Сталинградском Городском Доме пионеров под руководством Г.Л.Руднева. (1952, 1953, 1954 гг.)
Учился в Пензенском художественном училище (1954-1955) на живописном отделении у Бунчева и Карпова, Кишиневском республиканском художественном училище на скульптурном отделении у педагога Малько (1955-1956); в Харьковском художественном институте на скульптурном отделении(1957-1958). В 1958-1963- в Ленинградском ордена Трудового Красного Знамени институте живописи им.И.Е.Репина. Специальность- скульптура. Мастер курса- Михаил Аркадьевич Керзин. Дипломная работа «Освобождение». Творческая специализация: монументальная и станковая скульптура.
Член Союза художников России с 1967 года. Заслуженный художник РФ. 1986г. Народный художник РФ.1997. Почетный гражданин города-героя Волгограда. 2008
Выставка будет работать с 30 июня по 27 августа 2017 г. в выставочном зале Волгоградского музея изобразительных искусств им.И.И.Машкова по адресу: Волгоград, ул. им. Маршала Чуйкова, 37.
Время работы выставочного зала 11:00-19:00, в четверг 12:00-20:00, выходной понедельник. тел.(8442) 38-24-44, (8442) 38-59-15; 24-16-79

Волгоградский музей изобразительных искусств им. И.И.Машкова
Волгоградское региональное отделение Центра защиты прав животных "ВИТА"
представляют фотовыставку
«Ты и я»
К Году экологии.
Выставка включает новые работы Татьяны Рябиновой - известного фотографа, руководителя Волгоградского регионального отделения Центра защиты прав животных «ВИТА». Сама Татьяна так определила идею проекта: «Это о любви. О понимании. О чувствовании. О настоящей доброте. О правде. О жизни. Кто мы друг для друга? Это о честности с самим собой». Герои ее светлых и трогательных фотографий- разумные животные и любящие люди, мир единый и прекрасный. Данная выставка является уже не первой в стенах музея. Это художественные высказывания, за которыми стоит опыт преобразования жизни автора в пользу ответственного и нравственного отношения к каждому своему действию, что придает им безусловную убедительность.
Выставка будет работать с 16 июня по 30 июля 2017 г. в выставочном зале Волгоградского музея изобразительных искусств им.И.И.Машкова по адресу: Волгоград, ул. им. Маршала Чуйкова, 37.
Время работы выставочного зала 11:00-19:00, в четверг 12:00-20:00, выходной понедельник. тел.(8442) 38-24-44, (8442) 38-59-15; 24-16-79

К Году Экологии.
В виртуальную выставку, с которой зритель может познакомиться на сайте и в пространстве музея, вошли произведения из фондов ВМИИ, написанные в разных странах в разные эпохи и в разные времена года. Их объединяет чувство блаженства от соприкосновения с природой, мотив любования, наслаждения многоликой красотой природы. В проект вошли живописные работы, созданные западноевропейскими мастерами (немецкими, итальянскими, голландскими, фламандскими), русскими художниками 18 и 19 веков, советскими живописцами. В их числе шедевры А.Саврасова, И.Шишкина, И.Айвазовского, А.Куинджи, В.Поленова, Н.Крымова, И.Машкова, А.Рылова, Д.Жилинского и др. Виртуальная выставка проводится синхронно с выставкой «Флора и фауна», которая размещается в первом зале музея (пр. Ленина, 21). Однако, это проекты, которые не дублируют, а дополняют друг друга. За разнообразием величественных, утонченных, хрупких, поэтических образов- вечные жажда красоты, стремление разгадать тайну живого, присущие художникам всех веков и народов.

Центральный музей Великой Отечественной войны 1941 – 1945 гг.(Москва)
Государственный историко-мемориальный музей-заповедник «Сталинградская битва»
Волгоградский музей изобразительных искусств им. И.И. Машкова
представляют
межмузейный выставочный проект
СТАЛИНГРАДСКАЯ ХРОНИКА
открытие 17 ноября в 17:00
Проект приурочен к 75-й годовщине Сталинградской битвы. Музей предлагает вспомнить это историческое событие, опираясь на необычный исторический источник – фронтовые зарисовки и первые художественные произведения, созданные по «горячим следам» грандиозного сражения. 
Уникальность предлагаемой выставки - в объединении возможностей коллекций трех музеев: Центрального музея Великой Отечественной войны. 1941-1945гг. (Москва), Историко-мемориального музея-заповедника «Сталинградская битва» и Волгоградского музея изобразительных искусств имени И.И. Машкова. На выставке представлено более ста двадцати графических и живописных произведений двадцати шести советских художников, зафиксировавших события и образы участников Сталинградской битвы. Это и хорошо известные волгоградцам рисунки и этюды Н.Е. Черниковой, мэтра советской графики Е.А. Кибрика, художников Студии военных художников имени Б.М. Грекова – Е.И. Комарова, С.М. Годыны, П.Я. Кирпичева, Г.И. Прокопинского. А также редко демонстрирующиеся на выставках листы «Фронтового альбома» К.И. Финогенова и впервые приехавшие в наш город, но созданные здесь летом 1943 года акварели известной художницы по фарфору З.И. Зайончковской.
Новизна предлагаемого выставочного проекта заключается в заострении хроникальной документальности и подлинности эмоционального, психологического фона сражения, грандиозного по масштабам и кровопролитного по потерям и степени страдания людей. 
Именно искусство, наряду с письмами и дневниками современников способно говорить с потомками на тему человеческого измерения войны.
Дневниковый характер повествования о Сталинградской битве позволяет соотнести в едином выставочном пространстве масштабы сражения для всего человечества и конкретной личности, показать вневременную актуальность опыта фронтового поколения.
Рисунки художников передают широкий диапазон эмоций, чувств, впечатлений, которые испытывает человек на войне. Реальность битвы и её последствий полна парадоксов, метких, порой остроумных наблюдений, неожиданных откровений и ассоциаций.
Присутствуют все возможные тематические акценты: от возвышенной героики до жанровых сцен фронтовой повседневности, от трагизма августовских бомбардировок 1942 года до светлого предчувствия победы, гордости за то, что Сталинград отстояли и веры, что возродим его.
Открытие выставки состоится 17 ноября 2017 года в 17:00 в Выставочном зале ВМИИ (ул. Чуйкова, 37).
Выставка будет работать с 17 ноября по 18 декабря 2017 г. в выставочном зале Волгоградского музея изобразительных искусств им.И.И.Машкова по адресу: Волгоград, ул. им. Маршала Чуйкова, 37.
Время работы выставочного зала 11:00-19:00, в четверг 12:00-20:00, выходной понедельник.
тел.(8442)38-24-44, (8442) 38-59-15; 24-16-79
Программа просветительских мероприятий в рамках межмузейного выставочного проекта "Сталинградская хроника"
ЛЕКТОРИЙ

22 ноября 16:00-17:00
Лекция «Оружие Сталинградской битвы». Лектор: Коротков Иван Владимирович, хранитель фондов историко-мемориального музея-заповедника «Сталинградская битва»

28 ноября 16:00-17:00
Лекция «Солдат Сталинграда. История и культура фронтовой повседневности». Лекторы: Куликов Владимир Витальевич, ст. научный сотрудник историко-мемориального музея-заповедника «Сталинградская битва»;
Артамонов Антон Алексеевич, специалист по экспозиционной и выставочной деятельности историко-мемориального музея-заповедника «Сталинградская битва».

6 декабря 16:00-17:00
Лекция «Война и 99 оттенков русского смеха». Лектор: Огаркова Елена Владимировна, ст. научный сотрудник Волгоградского музея изобразительных искусств им. И.И. Машкова, кандидат исторических наук.

13 декабря 16:00-17:00
Лекция «Проекты восстановления Сталинграда»
Лектор: Аргасцева Светлана Анатольевна, зав. отделом экспозиционно-выставочной работы историко-мемориального музея-заповедника «Сталинградская битва», кандидат искусствоведения.

Стоимость билетов - 100 рублей для всех категорий граждан

ТВОРЧЕСКИЕ ЗАНЯТИЯ
(Экскурсия плюс мастер-класс)

Проводят: куратор выставочного проекта «Сталинградская хроника» Огаркова Е.В. и художник-педагог, научный сотрудник Волгоградского музея изобразительных искусств им. И.И. Машкова Пилипенко Е.
3 декабря с 11 до 13 часов
10 декабря с 11 до 13 часов
17 декабря с 11 до 13 часов
Занятия рекомендованы для семейного посещения

Стоимость билетов – 150 рублей для всех категорий граждан.

Выставочный зал Волгоградского музея изобразительных искусств им. И.И. Машкова
ул. Маршала Чуйкова, 37
касса: 24-16-79