Волгоградский музей изобразительных искусств совместно с Государственным Русским музеем (г. Санкт-Петербург) представляет новый выставочный проект, посвященный творчеству Зинаиды Серебряковой. Русский музей – хранитель одной из крупнейших коллекций работ художницы. Проект впервые знакомит волгоградского зрителя с творчеством Зинаиды Евгеньевны Серебряковой (1884-1967) – одной из самых ярких фигур русского искусства ХХ века, участницы объединения «Мир искусства». Выставка, включающая 44 живописных и графических произведения, охватывает все творческие периоды мастера.
Зинаида Серебрякова является представительницей прославленной творческой династии Бенуа – Лансере-Серебряковых, восемь поколений которой дали миру 50 художников. Среда, в которой творить было так же естественно, как дышать, сформировала ее безошибочный вкус, точный и непринужденный почерк, глубокое уважение к великим достижениям мирового искусства, установку на целеустремленное совершенствование в профессии.
В эпоху, когда авангард уступал позиции нарождающемуся соцреализму, Серебрякова принадлежала к т.н. «альтернативному» пути развития русского искусства. Далекая от модных «измов», она не хотела гнаться за современными ей течениями в искусстве, сохраняя преемственность со старыми мастерами и следуя принципам высокой художественной культуры, восхищаясь красотой реального мира.
Экспозиция включает работы, написанные в родовом имении Нескучное в Курской губернии, картины петербургского периода, а также произведения, созданные во Франции, в Италии. Уже самые ранние работы З.Е.Серебряковой отмечены проникновенной любовью к крестьянской России. Выставка представляет такие знаменитые работы Серебряковой, как «Купальщица» (1911), этюды к полотну «Беление холста» (1917), «Карточный домик» (1919), автопортрет (1946). Зритель увидит наполненные любовью портреты членов семьи и друзей художницы, утонченные произведения из «балетной сюиты», темпераментные работы марокканского цикла и другие.
Главные темы ее одухотворенного, поистине женственного, жизнеутверждающе-ясного искусства – счастье семейной жизни, обаяние человека естественного, живая прелесть природы. Несмотря на трудный жизненный путь, Зинаиде Серебряковой удалось сохранить светлый, исполненный доброты взгляд на мир, восхищение красотой мира и благородством человека.
Выставка продолжит ряд масштабных проектов, которые познакомили волгоградскую аудиторию с произведениями Н.Рериха, И.Левитана и его современников из фондов Русского музея. Сотрудничество ВМИИ и крупнейшего музея русского искусства направлено на создание Культурно-выставочного центра ГРМ в нашем городе.
Выставка в Волгоградском музее изобразительных искусств откроется16 ноября 2023 года и продлится до 11 февраля 2024 года.
Музей выражает искреннюю признательность АО «КАУСТИК» за участие в жизни и деятельности учреждения культуры, за поддержку, которая позволяет пополнять фонды, развивать новые направления, привлекать посетителя и сохранять культурное наследие Волгоградского региона и России.

В Волгоградском музее изобразительных искусств имени И.И. Машкова с 13 ноября по 31 декабря 2023 года состоится выставка «Петр I в Царицыне». Это выставка одного произведения – портрета Петра I работы волгоградского скульптора Сергея Щербакова.
Формат экспозиции – «выставка в выставке». Бронзовый бюст Петра Великого экспонируется в третьем зале музея в экспозиции «ХХ век. Открытые фонды».
Выставка актуализирует историко-краеведческий сюжет о пребывании в нашем городе великого реформатора российского государства Петра Алексеевича Романова, русского царя и первого императора. В переломные периоды российской истории к образу Петра первого и его опыту руководства государством обращаются современники. Неоднозначные интерпретации личности государя и петровских преобразований будоражат интеллектуалов и вдохновляют художников на создание новых произведений искусства. Из самых обсуждаемых можно вспомнить памятник Петру работы Шемякина в Санкт-Петербурге и «колосс» Церители в Москве.
Наиболее известный и плодотворно работающий в наше время волгоградский монументалист Сергей Александрович Щербаков также обратился в образу императора Петра I. Это не праздный интерес, а отклик на назревшую необходимость на более высоком художественном уровне отметить в Волгограде исторические факты посещения царем междуречья Волги и Дона, как важного региона для российского государства, российской армии и флота.
Зрители могут не только оценить художественное решение, предложенное скульптором для увековечивания личности Петра первого в монументальной скульптуре, но и получить информацию о пребывании государя в нашем крае.
Петровские преобразования были своевременными и крайне необходимыми России. Год за годом крепла экономика, развивалось промышленное производство, армия, флот, трансформировалась и обогащалась многонациональная культура. Остановить движение страны по европейскому пути уже было невозможно. И прежде всего потому, что народ убедился в необходимости и разумности реформ и поддержал их.
Кроме Санкт-Петербурга и Москвы, пожалуй только в Поволжье и на Среднем Дону царь бывал столь многократно. С нашим регионом он был знаком обстоятельно, проведя здесь в общей сложности более двух месяцев за годы своего правления.Такие населенные пункты как: Царицын, Камышин (Дмитриевск), Дубовка, Паньшин, Качалин, Иловля, Усть-Медведицкий, Клетский и другие донские казачьи городки часто упоминаются в его указах, письмах, путевых заметках.
Представляется важным запечатлеть эти важные для истории факты в качественной монументальной пластике.
Сведения об авторе: Щербаков Сергей Александрович Скульптор. Родился в Саратове в 1959 году. В 1977 – 1981 гг.- обучался в Саратовском художественном училище, с 1982 по 1987 гг. – в Ленинградском Высшем художественно-промышленном училище им. В.И.Мухиной по специальности «скульптура». С 1987 года Сергей Щербаков живёт и работает в городе Волжском Волгоградской области. С 1991 года – член Союза художников России. В 2002 г. был удостоен звания Заслуженного художника России.
Выполнил ряд значительных работ в области монументального искусства в различных городах России и за рубежом, в т.ч. памятник воинам-интернационалистам, погибшим в Афганистане, г.Волжский Волгоградской области (1991, в соавторстве с П.Л.Малковым); 1994 – две декоративные скульптурные композиции, г.Франкенберг (Германия), выполнены в рамках международного фестиваля искусств;1997 – скульптурная композиция «Скорбящая» на мемориальном военном кладбище у села Россошки Волгоградской области;1999 – памятник воинам и гражданам СССР, погибшим во Второй мировой войне, в парке Имперского военного музея, г.Лондон (Великобритания); 2001 – скульптура «Сердце губернии», г.Саратов; 2005. – скульптурная композиция «Ангел – хранитель города», г.Волгоград; 2007 – памятник Святому Преподобному Александру Невскому, небесному покровителю Волгограда, г.Волгоград и др. В 2003 награждён дипломом Российской академии художеств (РАХ).

Фотовыставка «Рок по алфавиту» - это лучшие фотографии самых знаменитых российских рок-групп и рок-звезд из огромного архива фотографа. Идея выставки - показать динамику жанра, из подвалов на стадионы.
Близкое знакомство фотографа с музыкантами позволит зрителю глубже проникнуть во внутренний мир культовых рок-звезд и в профессиональную жизнь великих российских рок-групп.
При участии музыканта легендарного клуба-музея Виктора Цоя «Котельная «Камчатка» Василия Игнатьева, группа ФИЛЬМ.
На открытии фотовыставки, которое состоится 26 октября, планируется пресс-конференция, автограф-сессия, продажа печатной продукции.
Открытие фотовыставки и творческая встреча начало в 18:00. Адрес: г. Волгоград, пл. Павших Борцов, 2. Волгоградский музей изобразительных искусств им. Машкова в здании бывшего ЦУМа 
Наташа Васильева-Халл фотографировала российских рок-музыкантов с 1974 года, когда рок-музыка в СССР была подпольной. Одна из первых вступила в Ленинградский Рок-клуб, когда его открыли в 1981 г. (членский билет № 13).
Получив в 1994 г. приглашение работать в журнале «New Generation», Наташа уехала в Великобританию. Была первым русским фотографом, получившим аккредитацию на съёмку the Rolling Stones (Wembley Stadium, 1995).
В Лондоне основала издательство Seagull Publishing House Ltd, знакомившее англоязычную аудиторию с русской рок-культурой и современными российскими авторами. Устраивала концерты группам Аквариум, Алиса, Калинов Мост. В Лондоне вышел ее фотоальбом о российском роке «PER ASPERA AD ASTRA, Сквозь Тернии к Звездам», основанный на выставке с одноименным названием, которая прошла в Лондоне, Бирмингеме, Эдинбурге и других городах Великобритании. Альбом получил высокую оценку британской музыкальной прессы.
В России опубликовано шесть ее книг-фотоальбомов на тему рока, в том числе «20 лет с Аквариумом», «КИНОхроники подполья», «Виктор Цой и группа КИНО. Фотографии, Воспоминания», юбилейные буклеты группы КИНО, и несколько рок-календарей.
Наташа – участница многочисленных выставок в России и в Великобритании, в том числе выставки в Русском музее «Ленинградский Рок-клуб в фотографиях» к 40-летнему юбилею Ленинградского Рок-клуба в 2021 г.
Сейчас Наташа Васильева-Халл активно занимается выпуском печатной продукции по российскому року, используя и свои архивы, и современную съемку.

Выставка приурочена к 140-летию со дня рождения Алексея Николаевича Толстого – знаменитого русского и советского писателя, «красного графа» из рода Толстых, лауреата трех Сталинских премий первой степени. В его литературном багаже множество произведений, знакомых многим со школьной скамьи: фантастические и исторические романы, повести, стихи, пьесы. Однако обычно знакомство с писателем начинается еще раньше, в детстве, – со сказочной повести «Золотой ключик, или Приключения Буратино».
Книга по сей день считается классикой детской литературы, она выдержала множество переизданий. Основу выставки составил комплект из 51 рисунка к «Золотому ключику» в технике акварель, тушь, перо, созданных волгоградским графиком и живописцем Нинель Дмитриевной Пироговой для Нижне-Волжского книжного издательства в 1972 году. В 1970-1980-е гг. Нинель Пирогова много работала в иллюстрации детских книг, издававшихся в Волгограде. Ее графические листы занимают значительное место в фонде музея, посвященном волгоградской графике. Этим, в первую очередь, объясняется численное превосходство ее произведений на выставке.
Однако не менее важно, что история веселого деревянного человечка сошла со страниц книги и нашла отклик в кино, мультфильмах, музыкальных и театральных постановках. Театральную тему на выставке поддержали плакат Владислава Эдуардовича Коваля к спектаклю «Золотой ключик» (Театр юного зрителя, г. Волгоград, 1982) и эскиз декораций Нины Ивановны Гапоновой к одноименному балету (театр «Русский балет», г. Москва, 1997).
Вместе с работами Нинель Дмитриевны Пироговой в пространстве одной экспозиции они формируют сказочный мир, где есть место говорящим куклам и волшебным заклинаниям: «Крекс. Фекс. Пекс!»
Алексей Толстой и его книга
Алексей Николаевич Толстой стоял у истоков советской научной фантастики. Его роман «Аэлита» (1923) о путешествии землян на Марс лег в основу одноименной экранизации 1924 года, снятой выдающимся кинорежиссером Яковом Протазановым. В работе над эскизами костюмов для фильма принимала участие «амазонка русского авангарда» Александра Экстер. В 1927 году увидел свет «Гиперболоид инженера Гарина», на создание которого писателя вдохновило строительство Шуховской башни в Москве – необычной для того времени конструкции из сетчатых металлических оболочек. В своих научно-фантастических романах Толстой опередил время, описав космический полет, лазер, деление атомного ядра.
Повернувшись от будущего к прошлому, писатель создал двухтомный роман «Пер Первый» (1929-1945), заслужив не только высокие оценки современников, но и свою первую Сталинскую премию. Параллельно автор работает над знаковой трилогией «Хождение по мукам» (1920-1941), в которой подвергает осмыслению коренные изменения в русском обществе, произошедшие в начале двадцатого столетия.   
По мотивам произведений писателя снято множество художественных фильмов: «Формула любви» (реж. Марк Захаров, 1984), «Похождения графа Невзорова» (реж. Александр Панкратов-Чёрный, 1982), «Юность Петра» (реж. Сергей Герасимов, 1980) и др.
Однако многим поколениям советских и российских школьников он знаком в первую очередь по сказочной повести «Золотой ключик или Приключения Буратино». Этот год стал юбилейным не только для писателя, но и для его произведения. В 1923 году Толстой подверг литературной обработке русский перевод сказки итальянского писателя Карло Коллоди «Приключения Пиноккио. История деревянной куклы», а спустя 10 лет, в 1933, он подписал договор с издательством «Детгиз» на написание своего собственного пересказа «Пиноккио».
Но одного перевода А.Н. Толстому показалось мало: «Выходит скучновато и пресновато. С благословения Маршака пишу на ту же тему по-своему». Так, «Золотой ключик» впервые появился в конце 1935 года на страницах «Пионерской правды», а затем был издан отдельной книгой.
Произведение приобрело большую популярность сразу после публикации. Еще во время работы над сказкой Толстой создал пьесу «Золотой ключик» для Центрального детского театра, а в 1939 году написал сценарий для художественного фильма режиссера Александра Птушко. Впоследствии история «веселого плутишки» Буратино нашла огромный отклик в советском кинематографе, мультипликации, музыке, театре: детская опера «Золотой ключик» (1973), мультфильм «Приключения Буратино» (студия «Союзмультфильм», 1959), одноименный телевизионный фильм (реж. Леонид Нечаев, 1975), телеспектакль в постановке Театра кукол им. С.В. Образцова (1985) …
Произведение не только завоевало любовь маленьких читателей, но и пользовалось успехом среди взрослых. По сей день литературоведы ведут дискуссии об аллюзиях на крупные фигуры российской художественной жизни эпохи Серебряного века – времен литературной молодости автора, о характере Буратино, бойкого активиста с развитым чувством товарищества среди «декадентских» Пьеро и Мальвин, и даже о библейских отсылках в книге.
В свое время работа над «Золотым ключиком» стала для Алексея Николаевича Толстого отдушиной в непростые для Советского Союза 1930-е годы. Надеемся, что и для нашей «почтеннейшей публики» выставка станет проводником в волшебный мир детской сказки с, как говорил Буратино, «ччччудными картинками».

Выставка «Любимцы» – своеобразное признание в любви к живым созданиям: животным и растениям,- воплощенное в искусстве. В экспозицию вошло более 200 работ из коллекции музея Машкова и из мастерских волгоградских авторов. Это произведения живописи, графики, скульптуры, декоративно- прикладного искусства. Среди них есть подлинные сокровища, ценные, редко экспонируемые работы, созданные советскими, российскими, западноевропейскими мастерами (голландскими, итальянскими, французскими, датскими). Произведения народных мастеров соседствуют с работами профессиональных авторов.
Наиболее древние экспонаты- античные керамические сосуды, а самые свежие были созданы в этом году. Такой временной диапазон дает возможность ощутить движение стилей, развитие самого искусства, а также увидеть, как по-разному человек трактовал феномен животного, что вкладывал в его образ. Вместе с художниками мы постараемся ответить на вопрос, в чем состоит целительная сила наших любимцев.
Среди редко экспонируемых произведений – голландский «Натюрморт с морской свинкой» XVIII в., французский живописный портрет XVIII в. «Девочка с собачкой», офорты итальянского мастера XVII в. Стефано дела Беллы, гравюры Валентина Серова и Александра Орловского, фарфоровые фигурки животных, выполненные на копенгагенском заводе, вазы из многослойного стекла, созданные в знаменитой мастерской Галле во французском городе Нанси. К числу произведений, редко доступных зрительскому взгляду, принадлежит и скульптура «Белый медведь», созданная А.Л.Обером, который одним из первых в русском искусстве XIX в. стремился понять и запечатлеть личность, характер конкретного животного.
Жемчужиной скульптурной анималистической коллекции ВМИИ являются фигуры «Гриф» и «Обезьянка», созданные одним из основателей этого жанра в нашей стране В.А.Ватагиным. Зритель увидит работы известных советских скульпторов: А.М.Белашова, А.В.Марца, Д.Ю.Митлянского, В.И.Губко, А.С.Цветкова и др., а также замечательных волгоградских ваятелей Н.А.Павловской, В.В.Пономарева, Е.Б.Обухова.
Богатейшая музейная коллекция советской графики представлена именами Мая Митурича, Ирины Маковеевой, Германа Ратнера, Вадима Фролова, Сергея Миклашевича, Вячеслава Калинина, Вадима Фролова и др.
В проекте приняли участие более 50 современных волгоградских и волжских авторов разных поколений. Зритель увидит бесконечно добрые, наполненные нежностью работы А.Бородина, Г.Вяткина, П.Чаплыгина, О.Кирилловой, Л.Гоманюка, Т.Ковешниковой, И.Тур, Е.Сивишкиной, М.Антоненко, В.Дидыка, Л.Самариной, Г.Кузнецовой, А.Сереченко, Н.Пироговой, Ю.Сивец, Е.Гельперн, П.Пугачева, Н.Рухлиной, Р.Паранюшкина, Ю.Сорокина, И.Затонской, Н.Карпова, В.Шолоха, В. Рахлеева, Э.Завьяловой, В.Чаплыгиной, М.Мелиховой, Ю.Колышева, М.Завьялова, В.Криволапова, П.Чивеленковой и др. Многие произведения были созданы специально для участия в этом проекте.
Художник, говоря о природе, получает возможность создать свой мир, наполненный любовью. Мы благодарим тех, в кого мы помещаем свою привязанность, за то, что они раскрывают лучшее в нас: способность проявлять отзывчивость, сопереживание, искренность, что по сути и делает нас людьми, позволяет нам ощущать себя живыми.
Без громких деклараций это искусство утверждает вечные ценности, неприкосновенную значимость всякой жизни. Оно делает нас добрее и, тем самым, дает нравственную опору и свет надежды.
В рамках выставки пройдут лекции и мастер-классы, постоянно будет действовать интерактивная зона, где каждый посетитель сможет создать образ своего любимца.
Экспозиция «Любимцы» организована по хронологически-тематическому принципу.
Отголосок архаических мифологических представлений о животных- прародителях звучит в произведениях традиционной культуры. Фигурки животных, которые в народном сознании были связаны с могущественными стихиями (петух и конь – солнце, утка – вода и др.), были призваны защитить человека и придать ему сил. Зверь здесь воспринимается как звено, связующее с Космосом, высшими силами. Русское дореволюционное прикладное искусство представлено на выставке деревянными бытовыми предметами, украшенными резьбой, Сергиево-Посадской игрушкой, скопинской керамикой, дымковской глиняной игрушкой. В них, как и в современных произведениях народных промыслов главенствует знаковое начало, определяющее условный характер трактовки форм и декора.
Деревянная фигура льва, украшающая пресс для бумаги, созданный французским мастером, связана с геральдическими образами средневековья, в котором зверь воспринимался как покровитель рода.
Всплеск интереса художников к животным и растениям связан с началом Нового времени. Позитивизм открывает путь реалистическому искусству. Это была эпоха атласови определителей. К явлениям природы людииспытывают научный интерес, в произведения приходит осознание ее сложности, богатства, разнообразия. Уже с эпохи Возрождения на животных и природный мир в целом, смотрят по-новому – как на объект познания. Распространение в аристократической и научной среде стремление к созданию зверинцев, формированию коллекций экзотических животных и растений способствовало развитию анималистического жанра (Королевский литографический институт в Берлине «Птицы»).
Животные выступают как часть жизни человека, фигурируют в крестьянских, охотничьих, батальных сценах).
Собаки в роли домашних любимцев, компаньонов становятся героями картин художников XVII в., представленных на выставке в репродукционной гравюре (Ганфштенгль Ф., Терборх Г. «Дама в атласном платье»).
Внимательное вглядывание, изучение зверя во всей совокупности повадок, характерных занятий, облика приводит к кристаллизации анималистического жанра, а также появлениюполноценных «портретов» животных (Неизвестный автор «Неси»,XIX в.). Стремление к точности передачи облика своих героев, любование их красотой, несомненная симпатия к ним нашли воплощение в своеобразном парном портрете «Две собаки».
В гравюрахXIX в. животные рассматриваются как фактор прогресса человеческого общества. Возобладавший прагматичный подход видит домашних животных как помощников, основу благополучия. Породистое и сильное животное изображается как предмет гордости хозяина. Этомуже способствовала селекционная работа по выведению пород животных с определенными свойствами. Содержание племенных лошадей становится знаком престижа. В особую отрасль выделяется конный портрет, получивший распространение в Англии в XIX в. (Томсон К. «Лошадь по кличке Орвилл») и развивающийся до сих пор.
Искусство рококо, нацеленное на передачу мира чувств, тонких движений души, дает новый взгляд на животных как на существ эмоциональных. В живописной работе, приписываемой французскому мастеру школы Ж.-Б.Греза, основной мотив – нежная душевная привязанность ребенка и собаки. Трогательная доверчивость свойственна обоим персонажем.
Художники-романтики видели в животных воплощение стихийной свободы (в том числе свободы от социального), наделяли их собственными страстями. Эта традиция играет большую роль и сегодня (Неизвестный художник«Кони»,XIX– нач.XX в.).
В русском искусстве анималистический жанр получает развитие вXIX в., беря начало в жанровых или батальных сюжетах (Орловский А. О., «Линейные казаки верхом»).
В.Серов, обратившийся к иллюстрированию басен И.А.Крылова, соединяет глубокое знание повадок животных и человеческих характеров и отношений («Волк и Журавль»). Психологизм, сложность понимания личности – высочайшее достижение русского реализма– здесь заостряется поисками максимально лаконичного художественного языка, предшествовавшими модернизму.
Центральная идея утопии стиля модерн–вечная природная красота Универсума, внеположная человеку, изменчивая, внерациональная – реализуется прежде всего в переосмысленных образах животных и растений.
В ХХ в. анималистический образ теряет характерную для предшествующего столетия дробность форм, повествовательность мотивов, вбирает научные открытия, модернистское раскрепощение форм. Большая часть представленных работ относится ко второй половине ХХ в. В контексте искусства социалистического реализма анималистика, как и живопись цветов, в силу своего заведомо неполитизированного, вневременного (а следовательно, бесполезного для системы) характера оставались наименее регламентированной сферой творчества и оказались настоящей отдушиной для художников.
Во всем разнообразии художественных решений мы постараемся выявить основные смысловые акценты этого пласта искусства.
 Продолжая романтические традиции, образы животных становились выражениеммечты о свободе. Эта идея находит воплощение в поэтически-возвышенных образах, мотивах полета, беспрепятственного движения, свободного бега, единения с воздушной или водной стихией (Владимир Карась «Несмятённые крылья», Лидия Ильина «Ночное купание», Герман Ратнер «Альбатросы»).
В картинах Николая Андронова образы коней стали символом нравственной чистоты, бытия, не знающего фальши и деформаций. Обращение к темам русского Севера было связано у него с поисками подлинных, чистых жизненных оснований.
Художники, продолжающие экспрессионистические традиции, видят в образах природы воплощение свободы выражения чувств, стихии страсти, вдохновения. Относящиеся к этому кругу произведения волгоградских живописцев С.Крылова, Е.Сивишкиной сближаются по решению с работами итальянских художников С.Каллиери и Ф.Мариненго. Их объединяет заострение формы, концентрация ритмов и цвета. Мастера отдают предпочтение изображению диких животных: свободных, сильных, независимых.
Природные формы работают как источник художественных приемов и как толчок для стилистических поисков, достаточно далеко уводящих творца от первого впечатления (дижитал-арт М.Мелиховой, графика Л.Самариной). Мотив любования воплощен в изображениях цветов, обитателей, садов, и подоконников (натюрморты А.Айрапетян, Ю.Савелюшкиной). Знаменательно наделение художниками зеленых друзей характером и повадками (В. Тихонов «Кактусы»). Философско-символический подход, значимый для нашего времени, представлен работами Г.Вяткина, М.Завьялова, П.Чаплыгина. Идея постоянно обновляющейся красоты может приобрести смысл подключения к архетипу круговорота жизни и смерти, стать символом вечности, устойчивости бытия (В.Шолох).
Реалистическая линия искусства нашла в природных мотивах поистине неисчерпаемое поле для развития. Прекрасными образцами ее стали мастерские натурные зарисовки Алексея Бородина и Лии Хинштейн, скульптурой Василия Ватагина. Ватагин писал: «Только там, где животное трактуется как сама себя оправдывающая цель, где живой выразительный образ проникнут особой остротой восприятия и передачей характеристики, такой образ может по праву называться анималистическим». Стремлением как можно точнее передать каждое движение натуры наполнены рисунки И.Затонской, А.Величко, М.Юдиной, Е.Виноградовой и др.
Постепенно в искусство проникает осознание хрупкости, уязвимости, непрочности живого. В этой связи характерно высказывание художника-анималиста Д. Горлова: «Мне хотелось бы пробудить любовь к зверю не как к игрушке, а как к существу, имеющему такое же право на существование, как и человек, и желание понять этот большой прекрасный мир, в который люди слишком редко заглядывают». Важной доминантой искусства ХХ в. стало перемещение художников на экологические позиции, ориентированные на постижение природы в ее целостности, понимание природы на необъемлемой части мироздания, выражение безусловной ценности всего живого (Л.Гоманюк «Божья коровка»). Мы можем отметить этот шаг как новый, значительный и очень непростой для представителей европейской культуры, извечно страдающей антропоцентризмом. Симптоматично, что активизация зоозащитного движения в мире стала продолжением осмысления и осуждения Холокоста. Дикие животные изображаются в своей родной стихии. Природа стала мыслиться как сложный храм со своим устроением, где звуки, краски, запахи имеют разные «коды». Стремлением проникнуть в самодостаточный мир живой природы во всей его сложности, уважением к тайне и красоте мира проникнуты гравюры Вадима Фролова, Геннадия Гликмана, Мая Митурича, Нины Дьяковой. Потребность стилистического обновления подталкивает художника выйти за собственные пределы, обнаружить контакт с непознанным и неподвластным человеку.
Утешающее действие образов животных, непременная доза положительных эмоций, получаемая человеком от общения с природой, предопределили присвоение их массовой культурой, воздействие которой на современных художников трудно отрицать.
Пожалуй, наибольшее распространение в последние полвека получила тенденция антропоморфизма- очеловечивание образа животного, наделения его людскими переживаниями, намерениями. Этот подход отвечает нашим мечтам об идеальном друге, близкой душе, способной к пониманию, сочувствию и доверии, безусловному принятию. Философы говорят, что в какой-то степени, это мечта человека об утраченном рае. Художник часто помещает в сюжеты о животных свои представления о возвышенном и прекрасном (П.Пугачев).
Любимцы как понимающие товарищи и полноправные члены семьи фигурируют в произведениях Ларисы Федотьевой, Александра Егидиса. Они неразрывно связаны с памятью о детстве (О.Давыдова «На новую квартиру», Н.Рухлина «С Бимкой за молоком», В.Фенин «Все начинается с детства», Э.Завьялова «Рыбки»). Тема дружбы, душевного единения человека и питомца звучит в работах В.Новикова, П.Чивеленковой и др.
Значение эпитета «милый», применимого к большинству героев выставки, включает такие понятия как близкий сердцу, родной, дорогой, хороший. Любовью к дорогим существам наполнены портреты домашних питомцев, созданные современными волгоградскими авторами В.Чаплыгиной,А.Сереченко, Е.Лепехиной, Б.Поповой, М.Шишкановой, и др.
 Отдельное эстетическое пространство формируют произведения, вдохновленные волшебной сказкой, басней, иносказательно говорящие о человеческих чувствах, качествах и отношениях. Одна из сильный сторон волгоградской графики – детская книжная иллюстрация, представлена веселыми, бесконечно изобретательными работами Н.Пироговой, Ю.Теплова, О.Кириловой, Ю.Сивец, С.Мироновой. Адресованные детям послания про животных – квинтэссенция доброты и нежности. Детская книжка или журнал дают простор для художника обратиться к доброму юмору, игре, волшебству. Эстетика сказочного преображения реальности нашла продолжение в особой линии волгоградской графики, представленной на выставке работами Т. Ковешниковой, Л.Самариной, Е. Гельперн, В.Пискунова, Г.Кузнецовой и др.
Проблема человек – природа – животные остается одной из самых древних и универсальных. Общение с природой, вселяя в нас чувство защищенности, душевного комфорта, выполняет ряд поистине спасительных функций. Искусство о любимцах может быть окном, открытым вмир, зеркалом, предъявляющим нам нас самих, может стать и экраном, защищающим от травмирующих факторов времени.
Художник, говоря о природе, получает возможность создать свой мир, наполненный любовью. Мы благодарим тех, в кого мы помещаем свою привязанность, за то, что они раскрывают лучшее в нас: способность проявлять отзывчивость, сопереживание, искренность, что по сути и делает нас людьми, позволяет нам ощущать себя живыми.
Без громких деклараций это искусство утверждает вечные ценности, неприкосновенную значимость всякой жизни. Оно делает нас добрее и, тем самым, дает нравственную опору и свет надежды.

«Третий путь», «третья струя», «тихое искусство»… Такими определениями принято характеризовать творчество Александра Васильевича Шевченко (1883-1948). Его называют другом и соратником Михаила Ларионова. Знакомство с ним и его идеями действительно было знаменательным событием, в том числе по мнению самого Шевченко. Но имя последнего оказалось некоторым образом в тени личности знаменитого авангардиста.
Однако творчество Александра Шевченко интересно и своеобразно вне рамок художественных объединений и знакомств с крупными фигурами того времени. Более того, его вообще сложно однозначно отнести к какой-либо группе мастеров. Художник Сергей Герасимов, который учился вместе с Александром Шевченко, замечал: «Шевченко даже особенно ни к какой группе не подходил, ни к Ларионову, ни к кубистам… Он не похож ни на Коровина, ни на Серова, ни на Архипова… Он прошел все и остался самим собой».
Александр Шевченко – живописец, график, теоретик и педагог. В 1910-1920-е гг. он играл активную роль в московской художественной жизни. При всем обилии «измов» начала XX века и естественном интересе художника к ним, ему удалось сохранить свою цельность и самобытность.
Шевченко экспериментировал в духе примитивизма, кубизма, лучизма, однако никогда не достигал беспредметности, всегда оставаясь в пределах пластической формы. Он участвовал в самых радикальных и скандальных выставках «Ослиный хвост», «Мишень», «№4», однако его положение было компромиссным – художника отличали сдержанность, лиризм, связь с классической школой.
Михаил Ларионов упрекал членов группы «Бубновый валет» в приверженности французскому искусству. При этом Шевченко, хотя и примыкал к ларионовской группе, испытал довольно сильное влияние французского художника-постимпрессиониста Поля Сезанна. Об увлечении сезаннизмом свидетельствует рисунок «Купальщицы», датируемый 1920-ми годами. Компактно выстроенная композиция, сложные развороты фигур, моделировка объемов светотенью позволяет сопоставить этот эскиз с набросками сезанновских купальщиков и купальщиц. Сезаннистским же по сути и по форме является и гуашевый рисунок «Пейзаж у станции Ямм» (1926).
Шевченко прошел хорошую профессиональную выучку в Строгановском училище, во время поездки в Париж посещал Лувр и Люксембургский музей, на примере старых мастеров учился высокой художественной культуре. В его творчестве органично сочетались ориентация на классическое наследие и «левые» направления в русском искусстве начала XX века. В нем слились точность рисунка и эксперимент в области художественной формы, уравновешенность композиции и поиск новых возможностей изобразительного языка, баланс цветовых пятен и незамутненные академическими доктринами образы. 
Шевченко учился воспринимать природу в живописной гармонии целого, в разнообразии красок. Живописны по своей сути и его цветные графические листы, выполненные жидкими материалами. Они объединяют черты живописи и графики. В акварели «Фабрика» (1913) художник, используя возможности этой техники, передает тонкие градации цвета, пространственную и световоздушную среду. Насыщенный гранатовый здесь сопоставлен со сложными сине-зеленым, лиловым, красновато-коричневым, серо-бежевым с зелеными же рефлексами. Фактура гуашевого рисунка «Мясницкая» (1928) более плотная, колористическое богатство уравновешивается распределением охристых, алых, зеленых, голубых оттенков по плоскости листа. В обоих произведениях для художника важен не столько сюжет, сколько сочетание цветов и пластическая организация пространства.
Излюбленным жанром художника был натюрморт. В «Натюрморте с рыбами» 1924 года опоэтизированы совсем не поэтичные реалии советского быта. Ритмичное повторение плавных линий в рыбах и фруктах, окружностей консервных «жестянок», банок и подвешенных на веревке баранок, угловатых форм спичечных коробков и узких продолговатых коробок выстраивает отношения предметов в неглубоком пространстве рисунка. Композиционному равновесию вторит гармония колористической гаммы.
Душевной теплотой и лиризмом проникнут гуашевый рисунок «Переулок Москвы» (1928), будничный мотив листа «Упаковочная фабрика» (1929) превращается в поэтическое повествование. Неопримитивизм ранних работ Шевченко нашел здесь свое проявление. Сочетая реальность и условность, художник создает особый мир, лирически-созерцательный, герои которого связаны в большей степени не действием, а пластическим движением.
Встречаются в творчестве Шевченко и традиционные сюжеты, например, обнаженная натура. Графический лист «Обнаженная на коленях» (1930), исполненный выверенными плавными линиями, лаконичен и красив в своей простоте.
Всю жизнь Александр Шевченко находился в творческом поиске. Остро чувствуя эмоциональную и образную суть искусства, он был исследователем, экспериментатором, стремившимся обогатить изобразительный язык своих произведений. Его отличала жажда познания – секретов мастерства, новых выразительных средств, технических приемов. Отсюда его увлечение новшествами русского авангарда, при этом уравновешенное законами классического искусства. Даже состоя в членах того или иного общества, Шевченко всегда следовал собственным путем. Оказавшись в стороне от эстетики художественных объединений раннего советского искусства (АХРР, ОСТ), в 1930-е годы он был обвинен в формализме, но продолжал работать, всегда оставаясь верен себе.
Выставка реализуется в рамках проекта «В зеркале XX века. Мастера отечественной графики» при поддержке Общероссийской общественной организации «Ассоциация искусствоведов».