Виртуальная выставка «Белорусский мотив» посвящена ярким кульминационным проявлениям советского белорусского искусства 1950-1980 годов, которые нам позволяют обнаружить произведения из фондов Музея Машкова. В экспозицию включены тридцать шесть художественных произведений, одной из задач выступило стремление наиболее полно представить данный период именами художников и их работами. Цель выставки обусловлена пониманием того, что культурное пространство сегодня - это мир, где все разговаривают на одном языке, языке творчества. В рамках союзного государства дружба между Россией и Белоруссией укрепляется, и наш Музей, знакомя зрителя с произведениями белорусских художников, исходит из того, что это вклад в диалог людей на основе общих историко-художественны х смыслов. Особо хотелось отметить душевность, открытость и лиричность как сквозной мотив живописи и графики Беларуси.

В Российской империи путь русского и белорусского искусства был общим. Известные белорусские художники получили образование в петербургской Академии Художеств. В XIX - XX веках творческая деятельность выходцев из Белоруссии, таких как живописцы С.К. Зарянко, И.Т. Хруцкий, В.К. Бялыница-Бирули тесно связана с Петербургом и Москвой, их произведения представлены в Фондах ВМИИ им. И.И.Машкова и часто экспонируются. В 1920-1930-е годы белорусская художественная школа, вставшая на путь искусства социалистического реализма, достигла серьезных успехов. Среди основных тем - история борьбы народа за свободу и героический труд  строителя нового мира. Белорусское изобразительное искусство послевоенного периода и особенно второй половины 1950-1960-х годов включает в себя разные творческие тенденции. Художники этого этапа сосредоточены на существенных сторонах истории и современной жизни людей, а также внутренних задачах искусства изображения - разработанность образа, ритмическая выразительность и присутствие декоративности. Наша виртуальная выставка знакомит зрителя с основными акцентами, связывающими прошлое и будущее, на следующем этапе развития искусства Белоруссии.  

 Открывает  виртуальную экспозицию скульптурный портрет сталинградского сталевара (1950-е), исполненный патриархом белорусского изобразительного искусства Заиром Исааковичем Азгуром (1908-1995). Будущий скульптор родился в 1908 году в деревне Молчаны Сенненского района Витебской области. Первыми его учителями были резчик по дереву и гончар, которые научили Азгура лепить из глины фигурки людей и зверей, показали красоту традиционной белорусской глиняной игрушки. Каждого из своих героев Азгур знал лично, а наш портрет сталевара построен на типизации. Сам мастер говорил, что хороший портрет тот, на котором человек меняется. Поэтому его портреты можно назвать импрессионистски ориентированными, ученики запомнили его слова: «спины наших учителей еще долго будут впереди», и сам скульптор Азгур – это не прошлое, а будущее в понимании пластики и экспрессии.

Леонид Александрович Дударенко (1930-2023) в своих произведениях смело экспериментирует, в результате чего рождаются уникальные композиционно завершенные полотна. Мы видим произведение художника национального, который обращается в своих работах к теме духовности, к белорусской культуре, архитектуре, природе. За его работами виден автор с трепетным отношением к изображаемому миру и людям. Чтобы он не изображал – городские улицы, рыбаков севера, врачей, или членов своей семьи – везде чувствуется участливое отношение автора к судьбам своих героев.

 Петр Сидорович Дурчин (1918-1997) свыше двухсот своих работ посвятил Брестской крепости. Это отразило закономерность - с первого дня войны он сражался в составе 215-го истребительного противотанкового артиллерийского дивизиона 130-й стрелковой дивизии. 3 июня 1958 года ЦК компартии и Совет министров БССР принимают совместное постановление «О музее обороны Брестской крепости». Художник берется за работу и после успеха, получив возможность разрабатывать тему дальше, в 1957 году он практически живет в развалинах крепости, рисует и путешествует по всему Советскому Союзу с целью запечатлеть лица защитников Брестской крепости. Ему хотелось сохранить их глаза и лица – живых и мертвых, исполнить долг перед ними.

Работыпризнанного мастера пейзажной живописи Николая Иосифовича Исаёнока (1947) наполнены любовью к родной земле и восхищают тех, кто чувствует через зримый образ. Половина написанных мастером работ создана на его малой родине - деревня Черневичи Борисовского района. Николай Исаёнок писал: «Когда смотрят мои работы, говорят: Ой, какие у тебя там места. А когда приезжают: а что ты там пишешь? Знаете, нужно полюбить один мотив и писать его. Говорят, у хорошего пейзажиста один мотив – он разный, у плохого – разный мотив, одинаковый. Поэтому у меня состояние пейзажа – это как музыка. Она минорная, мажорная». Он подчеркивает: «Что такое пейзаж? Это состояние, композиция. Он может быть лирическим, но это надо ставить задачу. Это более такой эпический. Это очень характерный момент для всей Беларуси, вот эта пастельность такая, мягкость, лирика».

Народный художник Беларуси, с детства чутко понимавший красоту и поэтичность родного языка, Василий Петрович Шарангович (1939) был создателем школы белорусской графики, его иллюстрации к книгам многих классиков отечественной и зарубежной литературы по праву считаются хрестоматийными. Мастер всегда искал действенную связь со зрителем. Случайно выбрав графику при поступлении в институт, Василий Петрович полюбил ее пластический язык за остроту передачи образов, возможность свободной работы с формой, линией, композицией.

Народный художник Беларуси Георгий Поплавский (1931-2017) называл свое направление суровым соцреализмом. На вопрос о любимой книге художник-график отвечал: «К каждому литературному произведению невольно подходишь с трепетом. К примеру, Шекспир. Я работал с такими, как «Сон в летнюю ночь», «Двенадцатая ночь», «Укрощение строптивой». «Сон в летнюю ночь» — там нет страны, но есть эпоха, стиль. Быков, военная тема — конечно это мое. «Новая зямля», «Сымон-музыка» Коласа — люблю Полесье, крестьянский быт. К тому же у меня был дом на хуторе Ратини, около деревни Масковичи (Браславщина), где я жил каждое лето, лет 50 подряд». Мастер шутил - с Шекспиром не поспоришь, а с живым писателем — пожалуйста. В экспозицию вошли иллюстрации к поэме Я.Купалы «Она и я»(1978) и образы воспетой мастером женщины-супруги, с которой он впервые встретился в 1947 году и внучки в работе «Внучка Анна в индийском платье»(1987).Еще одна любимая тема Георгия Поплавского - белорусская деревня, сохранилось много зарисовок - селянка в национальном костюме,  крестьяне за работой на сечкарне, за пряжей шерсти

«…Раем на земле нам показался сад,
Я в саду — Адам, она в нем — Ева
А весенний ветер был и бог и сват,
И ветвями нас венчало древо..».
Из Я. Купалы «Она и я»

Белорусы любят воспевать красоту и богатство природы, а также труд, возделывающего ее человека. Офорт художника-графика Семёна Петровича Геруса (1925-1998) «В поле. Картошка растет» (1955) излучает тепло родной стороны. Интересно, что в историю изобразительного искусства С.П.Герус вошел, прежде всего, как разработчик исторической темы, а наша работа раскрывает менее известную грань его творчества.

Николай Михайлович Селещук (1947-1996) получил прозвище белорусский Дали. Его графику и живописные картины нельзя отнести к какому-то конкретному направлению. Это совмещение фольклора, фантастики и народных традиций. Работы очень светлые, в них как будто бы песня звучит. Работы отличает театральная яркость образов на фоне природы, пейзажей с церквями, реками, разного рода декоративными элементами, сюрреалистичными образами и символами. В дневнике художника написал: «В искусстве самое главное не заставить вас плакать или смеяться, в искусстве самое главное – вернуть вас к природе, заставить мечтать».

Обращает на себя внимание оригинальный художественный язык мастера станковой и книжной графики Зайцева Юрия Константиновича(1937), которой учился у авторитетных наставников – Г.М. Коржева и С.В. Герасимов.

Григорий Филиппович Кликушин (1921-2014) - один из старейших белорусских художников-графиков с утонченной эстетической культурой, также внес неоценимый вклад в развитие искусства шрифта. В дневниках, которые Григорий Кликушин вел всю жизнь, не пропуская ни дня, даже на фронте, много рисунков. Он всегда с удовольствием дарил свои работы.

Владимир Сергеевич Пименов (1941) писал: «Изобразительное творчество для меня – способ размышления о жизни, как форме бытия в пространстве. Поэтому мне интересно небольшое плоское пространство листа «набивать» необозримыми пространствами, существующими в различных временах. Столкновения пространственных и временных коллизий создает особое ощущение мгновений, запечатленных в вечности». В период 1972-1976 годов он был режиссёром-постановщиком мультфильмов на киностудии «Беларусьфильм». Включенный в экспозицию офорт создавался, когда художник уже переехал в Москву.

Анатолий Васильевич Кузнецов (1947) подчеркивал: «Ведь художник может состояться и без грамоты полной, как, например, примитивисты. Там никакой грамоты нет, но там душа поет, там любовь большая. Для меня лично грамота многое дала. Обладая грамотой, я получаю большие знания по сей день. Я же был академическим художником, я ж учился: если самовар блестит — так он блестит, если окислился — значит, окислился. А с другой стороны, в мире много художников, которые вообще не имеют никакого образования, и они состоялись. Ответа здесь однозначного быть не может. Художник — это большая любовь, это никакая не профессия». «Для меня искусство и есть религия. Я пишу, и мои картины и есть мои молитвы. И, мало того, у меня мечта: я должен написать икону, коль я к творчеству отношусь как к иконе. И именно непредметную, т.е. оставить информацию, но более чистую». В экспозицию включены два философских произведения мастера, через которые он решал свою главную задачу - провоцировать сознание зрителя, рождая яркие эмоции и нравственную рефлексию.

Сергей Иванович Кирющенко (1951) представляет абстракционистское направление в живописи. Мастер отходил и вновь возвращался к фигуративному искусству, исследуя общую творческую тему соотношения реального и абстрактного пространства. Он считает, что литературоведческие исследования оказали основное влияние на его художественную философию, вместе с тем, достижение новых художественных уровней происходит за счет формалистической практики живописи, а не за счет заранее созданных идей. Мастер работал в станковой графике, одним из первых среди белорусских художников в послевоенные годы обратился к исторической тематике в изобразительном искусстве. Он всегда удачно использовал эффект освещения, который придает картине тревожный или загадочный настрой, как в картине «Полночь»(1982).

Замечательным образом живописец и мастер графики Ксендзов Александр Павлович(1954) разрабатывает тему взаимосвязи художника и модели, мужчины и женщины как очень разных и полагающих друг друга природ, делает он это с теплой иронией и энергией.

В ряду современных художников Александр Михайлович Кищенко (1933-1997) занимает особое место. Над чем бы он не работал - живописным полотном, гобеленом, монументальной мозаичной или керамической композицией, его произведения становились вехами в истории белорусского искусства. Две работы в выставке динамичны по цвету, сюжетно насыщены, провоцируют нас на соотношение изображения с нашим опытом и мировоззренческими установками.

Леонид Дмитриевич Щемелев (1923-2021) воспел красоту родного дома, белорусской земли и своих соотечественников, неоднократно обращался к военной тематике, его имя стало символом новаторства и творческой смелости. Первое появление на полотнах музы художника, его второй жены Светланы Николаевны, - это «Красное кафе». Утонченная женщина, погруженная в свои мысли, и яркая красная атмосфера. О чем она думает? О любви и, наверняка, об одиночестве. Светлана Николаевна более полувека становилась героиней картин Щемелева как обобщенный образ женственности или как индивидуальность. Произведение в экспозиции являет нам цельный образ материнства.

Гавриил Харитонович Ващенко( 1928-2014) считал своим настоящим призванием - нести людям красоту и будить в их сердцах любовь к родному краю. Образ родной Беларуси нашел отражение не только в масштабных работах художника, связанных с архитектурой, его всегда затрагивало прошлое и волновало будущее родной земли. Пейзажи передают ощущения самобытности белорусской земли. Его называют создателем янтарного пейзажа, который отличается теплым колоритом, прозрачностью, преобладанием золотистых тонов как в произведении из нашей экспозиции.

Андрей Германович Задорин (1960) соединяет реальность и воображение. Он использует естественную палитру цветов: коричневый, золотой и другие. Большую драматичность его картинам придает игра света и тени, богатая текстура поверхности и сказочная атмосфера. Многие видят в его творчестве воспоминания детства, причем не те, что окрашены в радостные тона, а те моменты, когда в ребенке пробуждается все понимающий человек и он начинает осознавать сложности и противоречия этого мира, словно вглядываясь из прошлого в будущее.

Александр Родин(Родзин) (1947-2022) – это псевдоним современного белорусского художника, который, несмотря на проживание в Берлине, оставался верен белорусским мотивам и при этом работал в жанрах экспериментальной живописи и перфоманса. Художник подчеркивал, что живопись во времена соцреализма была на высоком уровне, и поэтому всем этим следовало овладеть: «Но мои композиции уже тогда считались андеграундом, они никак не вписывались (в соцреализм). Я старался особо их не показывать, но однажды мои работы все-таки заметили, и на кафедре был такой скандал, что меня хотели даже исключить, но обошлось». Образный мир его картин создан из бесконечного количества мелких линий и точек, микроскопические детали заставляет пристально рассматривать работы. Расставляя акценты, мастер включает зрителя в космос своего мироощущения, а свой художественный язык считает близким к пуантилизму.

Евгений Алексеевич Зайцев (1907-1992) начинал обучение в мастерских М. Шагала. Художник работал в сложнейшей области станковой живописи - сюжетно-тематической картине. Его многофигурные тематические картины посвящёны истории борьбы за Советскую власть и за победу в Великой Отечественной войне, эту линию продолжают его портреты и пейзажи. В нашей экспозиции представлена еще одна грань его дарования, в работе «Штормит»(1960) мастер включает нас в неспокойное состояние водной стихии.

В целом наша экспозиция отражает область пересечения и объединения культурных пространств России и Белоруссии на основе возможностей фондов Музея Машкова, обладает сюжетной линией и отражает стремление содействовать плодотворному сотрудничеству наших народов.